Great Grandpa’s Peaceful, Easy Folk-Rock Feeling

„Es war wie eines dieser YouTube-Videos, in denen jemand etwas malt, und man ist sich nicht sicher, was er malt“, sagt Hanwright über den Aufnahmeprozess mit dem Produzenten Mike Davis. „Und sie drehen die Leinwand und du fragst dich: ‚Was zum Teufel passiert da?‘ Und dann plötzlich drehen sie die Leinwand genau richtig, und das Gemälde ist fertig, und plötzlich wird die Vision klar, und es ist wie: ‚Wow.'“

Ein Teil dessen, was den Arbeitsprozess von Great Grandpa weiter auszeichnet und verkompliziert, ist, dass jedes Bandmitglied Texte für Menne beisteuert, der die Songs dann als Frontmann der Gruppe interpretiert. Bevor das passiert, gibt es ausführliche Gespräche über die Bedeutung und Inspiration jedes Songs; der Prozess, die Erzählung einer anderen Person zu verinnerlichen, kann sehr intensiv sein.

„Es ist eine emotionale Herausforderung, aber auch emotional sehr lohnend“, sagt Menne. „Es gibt ein völliges Fehlen von Selbstbewusstsein, wo du sagst: ‚Okay, ich kann diesen Song als das sehen, was er ist, anstatt zu denken: ‚Ist dieses Ding, das ich selbst gemacht habe, scheiße?‘ Aber es ist auch eine echte Herausforderung, in diesen Kopf zu kommen. Für dieses Album wurde mir ein sehr sicherer Raum zugestanden, in dem ich einfach tun konnte, was ich tun musste, um in die richtige Stimmung zu kommen. Es wurde viel in dunklen Räumen im Studio geweint.“

Die erste Show, die Great Grandpa jemals spielte, war an Halloween 2014 im Haus eines Freundes, in dem einige Bandmitglieder zuvor in Seattle gewohnt hatten. Die Band sollte ein Nebenprojekt sein: Hanwright und Pat Goodwin hatten in einer anderen Band gespielt, die sie als „laut, lärmend“ und „überdreht“ beschreiben, während Menne „nervige, traurige Folkmusik in meinem Schlafzimmer“ gespielt hatte.

Great Grandpa war etwas anderes. Frühe Songs wie „Cheeto Lust“ und „Mostly Here“ waren schnörkelloser, mit Hooks versehener Lo-Fi-Power-Punk. „Es fühlte sich so erfrischend an, in einer Band zu spielen, wo man in den Proberaum kommen konnte und jeder den Song an einem Tag lernen konnte“, sagt Hanwright. „Einfach nur einfache Popmusik. Es fühlte sich wie ein frischer Wind an.“

Aber nach der Veröffentlichung von Plastic Cough (mit der unwiderstehlich eingängigen Single „Teen Challenge“) wurde die Band schnell misstrauisch, wenn man sie mit künstlichen Etiketten wie „Bubblegum Grunge“ versah. „Ich hasse diesen Begriff so sehr“, sagt Menne. „Ich verachte ihn buchstäblich… Ich kenne Leute, die ihn benutzen, um sich selbst zu beschreiben, und das ist total cool. Aber ich habe das Gefühl, wenn es diese Rockkritiker-Stimme ist, die es benutzt, wirkt es sehr herablassend – wie: ‚Oh, deine Stimme klingt wie eine Dame.'“

„Wir haben uns nie auf Grunge eingelassen, aber wir haben dieses Etikett unser ganzes Leben lang bekommen“, sagt Goodwin. „Ich bin davon überzeugt, dass es nur daran liegt, dass wir eine Rockband aus Seattle sind.“

„Nun, wir haben uns selbst eine Zeit lang als ‚Grunge-Pop-Snack-Rock‘ bezeichnet“, fügt Menne hinzu.

In wenigen Augenblicken lenkt die Band diese verstärkte Diskussion über Etiketten und Genres in etwas, das ihnen mehr liegt: „AC/VC“, eines ihrer liebsten YouTube-Mashup-Videos, das Vanessa Carltons „A Thousand Miles“ und AC/DCs „Back in Black“ zusammenführt. (

Einige der besten neuen Songs auf Four of Arrows („Treat Jar“, „Bloom“) begannen, wie sich herausstellte, damit, dass Pat Goodwin Platzhaltertexte über den verstorbenen Hund seiner Familie, Wilson, erfand. „Ich erinnere mich, wie ich mit einer Gitarre dasaß und einfach für ihn sang“, sagt Goodwin. „Der ursprüngliche Text lautete: ‚Wilson schaute mich an / Er sagte, bring mich zum Leckerli-Glas / Bring mich zum Leckerli-Glas / Würdest du bitte nicht. Er schaute dich an, dann schaute er auf das Leckerli-Glas und dann schaute er dich wieder an.'“

„Klassischer Hundekram“, sagt Menne.

Schließlich überarbeitete Hanwright „Treat Jar“ zu einer bewegenden Pop-Punk-Hymne über die erdrückenden Anforderungen von Dienstleistungsjobs. „Bloom“ mit den klassischen Eröffnungszeilen „I get anxious on the weekends/When I feel I’m wasting time/But then I think about Tom Petty/And how he wrote his best songs when he was 39“ begann ebenfalls als Song über Willie („He’s a good boy on the weekend,“ etc.).

„All the songs are secretly about Pat’s dog“, scherzt Menne. Goodwin kam erst später auf die Petty-Zeile, aus Jux und Tollerei, bevor er ein grobes Demo aufnahm. Er schrieb den halb unsinnigen Refrain des Songs – „Step into whatever you want to/And let your spirit bloom“ – einfach, weil er die Art und Weise, wie die Worte klangen, liebte. (Danach schickte er den Refrain an seinen Freund Isaacc Reiger von der Band Strange Ranger mit der Notiz: „Yo, ich weiß, dass du Third Eye Blind magst; magst du diesen Refrain?“)

Während die Band mit Four of Arrows weitermacht, werden sie weiterhin herausfinden, wie sie bei zukünftigen Shows die Akustikgitarren herausholen können, ohne „Free Bird“-Zwischenrufe zu bekommen. „Wir haben definitiv Gespräche darüber geführt, dass wir sozusagen aus der Emo-Welt ausbrechen wollen“, sagt Menne, „und uns mehr in Richtung, ich weiß nicht, wie man es nennen würde…“

„Adult Contemporary?“, sagt Goodwin.

„Indie-Alternative“, sagt Menne mit falscher Ernsthaftigkeit.

„Es geht weniger darum, in eine Welt zu passen, als vielmehr darum, aus dem Zwang herauszukommen, nur mit lauten, männlichen Emo-Bands zu spielen“, sagt Hanwright. „Es geht mehr um eine Welt, in der wir unser eigenes Ding machen und einfach wir selbst sein können.“

„In das eintreten, was wir wollen?“ sagt Menne.

„Und unseren Geist aufblühen lassen?“ sagt Goodwin.

„Verdammt“, sagt Hanwright.

„Verdammt“, sagt LaFlam.

„Ich fühle mich jetzt verdammt motiviert“, sagt Goodwin.