Teen Spirit: How Grunge Music Gave Rock’n’Roll Its Balls Back

Als Nirvanas signifikanter Hit „Smells Like Teen Spirit“ 1991 zum ersten Mal auftauchte, wusste die Musikindustrie kaum, wie ihr geschah. Nach einem Jahrzehnt, in dem die populäre Musik von Synthesizern, langen Haaren und exzessiven Produktionstechniken dominiert wurde, kam endlich die Erlösung in Form von drei Außenseitern aus Seattle, die an der Spitze dessen standen, was die Presse als Grunge-Musik bezeichnete: ein Genre, das wild entschlossen war, dem Rock’n’Roll wieder Schwung zu verleihen.

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Die Geburt der Grunge-Musik

Historische Revisionen der Rockmusik haben immer wieder die Grunge-Musik als den unwahrscheinlichen, kariert gekleidete Retter des urzeitlichen Rock’n’Roll und der Slayer der Hair-Metal-Bands der späten 80er Jahre. An dieser viel beschworenen Hypothese ist etwas Wahres dran, ebenso wie an der Tatsache, dass Grunge den Grundstein für die Alt-Rock-Explosion der 90er Jahre legte. Doch obwohl Grunge erst 1991 mit Nirvanas Nevermind kommerziell erfolgreich war, lassen sich die Wurzeln dieser harten, schweren, aber klanglich disparaten Bewegung aus Seattle bis in die US-Underground-Rockszene der frühen 80er Jahre zurückverfolgen.

Dass Grunge-Musik immer ein Synonym für den pazifischen Nordwesten Nordamerikas sein wird, ist unbestreitbar. Der Sänger von Green River (später Mudhoney), Mark Arm, gilt als der erste, der den Begriff „Grunge“ im genrespezifischen Sinne verwendete, als er die Musik seiner ersten Band, Mr. Epp And The Calculations, als „Pure grunge! Pure noise!“ in dem Fanzine Desperate Times aus Seattle im Jahr 1981. Green Rivers zweite EP, Dry As A Bone, aus dem Jahr 1986, wurde auch eine der ersten Veröffentlichungen auf dem einflussreichen, in Seattle ansässigen Indie-Label Sub-Pop, dessen Werbematerial den Inhalt als „ultra-lockeren Grunge, der die Moral einer Nation zerstört“ beschrieb.

Außerhalb des pazifischen Nordwestens haben jedoch US-Bands aus der Mitte bis Ende der 80er Jahre, die rohen, verzerrten und rückkopplungsintensiven Rock spielten, von Sonic Youth aus New York über Dinosaur Jr. aus Boston bis hin zu den Butthole Surfers aus Austin, Texas, den Einfluss auf die Entwicklung der Grunge-Musik verdient. Viel später gab Kurt Cobain von Nirvana gegenüber dem Rolling Stone zu, dass auch die gefeierten Bostoner Pixies eine wichtige Inspiration waren. „Wir haben ihren Sinn für Dynamik genutzt, indem wir erst sanft und leise und dann laut und hart waren“, sagte er dem Schriftsteller David Fricke in einem Interview im Januar 1994.

Allerdings, während Seattle weiterhin Bands hervorbrachte, die einzigartige Verschmelzungen von Punk und Metal hervorbrachten, wie z.B. Mudhoneys rasendes ‚Touch Me I’m Sick‘ und Melvins‘ schlammiges, Black Sabbath-ähnliches Debütalbum, Gluey Porch Treatments, In den Jahren 1987 und 1988 schien die Idee, dass obskure Bands aus dem abgelegenen pazifischen Nordwesten die Hegemonie des Hard Rock herausfordern und mit kolossalen Mainstream-Rock-Platten wie Appetite For Destruction von Guns N‘ Roses und Metallicas … And Justice For All wirkte auf dem Papier noch völlig absurd.

Grunge betritt den Mainstream

Im Jahr 1988 jedoch wurde die internationale Rockpresse erstmals auf die aufregende neue Musik aus dem pazifischen Nordwesten aufmerksam. In diesem Jahr veröffentlichten die aufstrebenden Seattle-Szenegänger Nirvana ihre erste Single, eine hypnotische Coverversion von „Love Buzz“ von Shocking Blue, die von der britischen Rock-Wochenzeitung Sounds zur Single der Woche gekürt wurde. Nach der Veröffentlichung ihres von der Kritik gefeierten Sub-Pop-Debüts „Bleach“ wurde Nirvana im Oktober 1989 die Titelseite von Sounds (zusammen mit ihren Tourpartnern Tad aus Seattle) zuteil, während der Melody-Maker-Journalist Everett True einen Artikel über die lokale Szene in Seattle schrieb.

Es gab auch Anzeichen dafür, dass sich der Mainstream für Seattle zu interessieren begann, als Soundgarden, angeführt von dem charismatischen Chris Cornell, 1989 ihr Major-Label-Debüt für A&M, Louder Than Love, herausbrachten, und die kurzlebigen, vom Glam-Rock beeinflussten Mother Love Bone – mit den zukünftigen Pearl Jam-Stars Jeff Ament und Stone Gossard – ihr einziges Album, Apple, für Mercury aufnahmen.

1990 waren die Fäuste endgültig ausgezogen, als Nirvana einen Major-Deal mit Geffen unterzeichnete und die Metal-affine Band Alice In Chains aus Seattle mit ihrem Columbia-Records-Debüt Facelift die Billboard-Charts stürmte (und später eine goldene Schallplatte erhielt).

1991 brach der Damm, als sich Grunge zu einem echten globalen Phänomen entwickelte. Nicht nur Nirvana veränderte mit ihrem Kultalbum Nevermind unwiderruflich den Kurs des Rock, sondern auch Pearl Jam, die vitale Nach-Mother Love Bone-Band, mischte mit ihrem mehrfach mit Platin ausgezeichneten Debüt Ten den Mainstream auf, während Soundgardens drittes Album Badmotorfinger (mit den klassischen Singles Outshined und Rusty Cage) eine Grammy-Nominierung für die beste Metal-Performance erhielt.

Das Erbe der Grunge-Musik

Die wichtigsten Grunge-Alben, die in den nächsten 12 Monaten veröffentlicht wurden, zeigten, was für eine breite Kirche die Grunge-Musik geworden war. Ihr kommerzieller Durchbruch sollte 1993 mit Siamese Dream kommen, aber das ehrgeizige Debüt der Smashing Pumpkins, Gish aus dem Jahr 1992, ließ Billy Corgans Band mit Prog, Folk und Psychedelia flirten, während die kalifornischen Stone Temple Pilots das mit Hits vollgestopfte Core und Alice In Chains das erbarmungslos schwere, aber von der Kritik gelobte Dirt herausbrachten. Das Ausmaß, in dem Grunge die Mainstream-Kultur durchdrungen hatte, spiegelte sich unterdessen in Cameron Crowes populärem Film Singles aus Seattle wider, der einen sehr begehrten Soundtrack mit bisher unveröffentlichten Aufnahmen von Pearl Jam, Soundgarden, The Smashing Pumpkins und Alice In Chains sowie Soloaufnahmen von Chris Cornell unter dem Namen Poncier enthielt.

Ab 1993 machte sich der Grunge sogar in der Modewelt bemerkbar, und Designer von Karl Lagerfeld bis Marc Jacobs nahmen Elemente von Flanellhemden, zerrissenen Jeans und Springerstiefeln in ihre zeitgenössischen Kollektionen auf. Musikalisch brachten die Speerspitzen der Szene, Nirvana, Pearl Jam und The Smashing Pumpkins, immer noch obligatorische, von der Kritik gefeierte Titel wie In Utero, Vs und Siamese Dream heraus, während die früheren Seattle-Szenegänger Mudhoney und Melvins ihr Glück mit Major-Label-Verträgen bei Reprise bzw. Atlantic versuchten.

Die gängige Meinung besagt, dass Grunge mit dem tragischen Selbstmord von Kurt Cobain im April 1994 starb. Im Nachhinein würden das nur wenige bestreiten, obwohl Koryphäen der Seattle-Szene nach wie vor höchst relevant sind, nicht zuletzt Dave Grohl von Nirvana – dessen Foo Fighters nach wie vor einer der größten Anziehungspunkte der zeitgenössischen Rockszene sind – und Pearl Jam, die regelmäßig Arenen füllen und sich gleichzeitig weiterhin für ökologische und politische Belange engagieren, z. B. durch die Zusammenarbeit mit Wohltätigkeitsorganisationen für Obdachlose in Seattle.

Die Schockwellen des Grunge sind immer noch leicht zu spüren. Ganz offensichtlich beeinflusste die Seattle-Szene Mitte bis Ende der 90er Jahre eine Generation amerikanischer Post-Grunge-Pop-Punk-Bands wie Weezer und Blink-182 bis hin zu Nickelback und Candlebox, während die Nu-Metal-Bands der frühen 00er Jahre wie Korn, Limp Bizkit und Papa Roach eindeutig viel von der Wut und Intensität des Grunge aufnahmen.

Werfen wir einen Blick in die heutige Zeit und hören uns neue Alben wie „Anatomical Venus“ von Black Moth oder die jüngsten Veröffentlichungen der Sub-Pop-Bands „So Pitted“ und „Pissed Jeans“ an, wird deutlich, dass Grunge nach wie vor ein wesentlicher Bestandteil der sich ständig weiterentwickelnden Rock-DNA ist.