De 15 bästa skådespelarprestationerna 2019

Det fanns en tid i filmhistorien då manliga skådespelare följde de traditionella förväntningarna på stjärnstatus: Maskulin swagger, överdrivet självförtroende, mejslade godingar som inte vågade avslöja en känslig sida. Baserat på årets största prestationer är den tiden förbi för gott. Många av årets bästa manliga huvudrollsprestationer avslöjade bräckliga, osäkra karaktärer som kämpade med den föränderliga världen omkring dem, även om många av dem kom från filmstjärnor.

Vid samma tid förra året fanns det många kända skådespelare i rampljuset. Världen svimmade för Bradley Coopers tragiska rockstjärna Jackson Maine i ”A Star Is Born” medan Rami Malek övervann kontroverserna i ”Bohemian Rhapsody” för att bli en Oscarsvinnare. Samtidigt firade cinefilerna en av Ethan Hawkes största prestationer i ”First Reformed” och Steven Yeuns utveckling till en stor skådespelartalang i Lee Chang-dongs ”Burning”.

Den här gången har årets höjdpunkter en liknande balans: Om man bortser från de nya rollerna och birollerna, har de bästa huvudrollsinnehavarna på skärmen i år antingen drivit sina välkända talanger i nya riktningar, eller tagit den glimt av talang som syns i tidigare arbeten och förvandlat den till ett högre plan av kreativt uttryck. Det här är de 15 bästa filmprestationerna av skådespelare 2019; för årets bästa skådespelerskor, gå hit.

Antonio Banderas, ”Pain and Glory”

I ”Pain and Glory,” spelar Banderas filmskaparen Salvador Mallo, som medicinerar sin depression och en värkande rygg med en potent cocktail av smärtstillande medel, alkohol och heroin när han ser tillbaka på sitt livs historia i film. Banderas har aldrig gjort en sådan här prestation: intim, subtil, känslomässig, känslig och lyhörd. Pedro Almodóvar övervägde två reservskådespelare eftersom han inte var säker på att hans gamle vän var rätt för rollen. Banderas bevisade att han var det.

Banderas kämpade med sin återkomst till skådespeleriet med sin mentor efter 22 år med 2011 års psykothriller ”The Skin I Live In”. Ändå tog han sig ivrigt an ”Pain and Glory”, där han spelar den åldrande spanska författaren som gav honom ett startfält för sin karriär med 80-talsfilmer som ”Labyrinth of Passion” och ”Tie Me Up! Tie Me Down!”. Han höll sig borta från att imitera regissören, men han finns där i det spetsiga håret, sättet han skyddar sin rygg på, repliken av hans hem i Madrid och till och med några av hans egna kläder. För en nyckelscen överraskade regissören Banderas och medspelaren Leonardo Sbaraglia – som spelar före detta älskare som inte setts på flera år – genom att säga åt dem att ge sig på en djup kyss som är så erotisk att den väcker dem båda. Banderas styrde bort från sitt kös av filmstjärneverktyg och lutade sig i stället mot den bräcklighet han tog med sig från att ha överlevt en lindrig hjärtattack för två år sedan. Han kastade sig in i sin regissörs händer, och resultatet är magiskt. -AT

Christian Bale, ”Ford v Ferrari”

I centrum för den slagkraftiga, benstötande, intensiva racerbilsfilmen ”Ford v Ferrari” står två yin och yang-vänner och medarbetare som behöver varandra. James Mangolds tajta, strama och känslosamma underhållning tar biobesökarna in i det verkliga dramat bakom racerföraren och designern Carroll Shelby (Matt Damon) och den begåvade, hårt ansatta föraren Ken Miles (Christian Bale) när de bygger en radikal, ny, tuff och snabb racerbil (GT-40) för Henry Ford II, allt för att besegra Enzo Ferraris racerbilar i det brutala 24-timmarsloppet Le Mans 1966. Oscarsvinnarna Damon och Bale spelar motsatta sidor av samma mynt: Shelby är Texas showman som kan hantera kostymerna men lever genom sin vän, som inte kan kompromissa i sin strävan efter det perfekta varvet. Han förblir trogen sig själv. Mangold, som arbetade med Bale i ”3:10 to Yuma”, kände att rollen på många sätt låg nära Bale, som är en familjefar. Han kom till inspelningsplatsen full av idéer och energi och inspirerade sina medspelare.

Fox

De lugna scenerna mellan Miles och hans unge son (Noah Jupe) är filmens mittpunkt och ger stöd åt alla de tävlingsscener som kommer att följa. ”Ford v Ferrari” flätar samman de intima stunderna med handlingen; om man bryr sig om Miles får man honom att heja på honom när han kör och pratar sig själv genom de snabba kurvorna i uthållighetstestet Le Man. Bale modellerade sin brytning efter stadsdelen West Birmingham i Storbritannien där Miles växte upp, och han hade med sig en lista med ordspråk från området som han kunde slänga iväg i bilen. De fanns inte med i manuset. Resultatet av Le Mans-tävlingen i filmen är sant – det finns gott om foton av den. Bales kreativitet, maskulinitet och rebelliska anda driver filmen och får publiken att gråta. -AT

Adam Driver, ”Marriage Story”

Netflix/screenshot

När ”Marriage Story” kom till Netflix hade hypen kring Adam Drivers tolkning av Stephen Sondheims nummer ”Being Alive” redan nått stratosfären. Och ja, det där framträdandet i slutet av tredje akten, när Drivers experimentella teaterregissör Charlie tar mikrofonen på den klassiska exklusiva New York-krogen The Knickerbocker, visar verkligen upp mycket av hans talang – en förmåga att verka både reserverad och animerad på en och samma gång, kokande av känslor och ändå på något sätt inlåst. Vid det laget har Driver dock redan levererat sin bästa prestation hittills, då karaktären slingrar sig igenom den tumultartade upplösningen av sitt äktenskap och kommer till slutsatsen att det i stort sett är hans eget fel.

Driver ger Charlie en stickig envishet i filmens tidigare scener, då han brottas med sin hustru Nicoles (Scarlett Johannson) beslut att avsluta sitt förhållande och begära vårdnaden om deras barn. Men skådespelaren förmedlar en subtil utveckling från scen till scen, när Charlies opraktiska beslutsamhet ger vika för den bräckliga varelsen under ytan, och hans sjudande frustrationer bryter ut i ett slagsmål för åldrarna som avslutas med att den vuxne mannen kollapsar i tårar. När Charlie äntligen tappar lugnet släpper Driver lös en brutal intensitet som till och med skulle kunna få Kylo Ren att röra på nerverna. Skådespelaren har alltid utmärkt sig för att projicera en passiv-aggressiv rustning, men ”Marriage Story” fördjupar den potentialen genom att injicera den med en naturalistisk polering. Efter tre tidigare samarbeten med Baumbach kunde inte skådespelarens regissörskemi vara tydligare definierad, eftersom ”Marriage Story” utnyttjar varje aspekt av Drivers kreativa styrkor för att förstärka dem på ett helt nytt sätt. Han är en uppenbarelse. -EK

Leonardo DiCaprio, ”Once Upon a Time in Hollywood”

A Cooper/Sony/Columbia/Kobal/

Under sin nästan tre decennier långa karriär har DiCaprio aldrig varit i närheten av att stå inför den typ av irrelevans som hotar Rick Daltons sviktande Hollywoodstjärnestatus. Men hur perfekt han fångar den känslan av desperation i Quentin Tarantinos kärleksbrev till en industri som gått i arv. Rick vacklar mellan fåfänga och självömkan när han funderar över ett erbjudande om att återuppliva sin karriär genom att medverka i spaghettiwesternfilmer samtidigt som han ägnar sig åt en liten roll som skurk i en ny TV-serie. Så många fantastiska scener följer: Ricks ritual att repetera sina repliker medan han slappnar av på en flotte i sin pool, hans samtal om skådespeleri som hantverk med åttaåriga Trudy Styler (Julia Butters), hans kommentarer medan han tittar på ett avsnitt av en annan serie där han spelar en skurk, ”FBI”, tillsammans med sin stuntman Cliff (Brad Pitt), och när han anropar en grupp hippies, med en blender i handen, som kört upp på hans privata uppfart. På grund av DiCaprios totala avsaknad av ironi när han spelar den här förbleknade TV-stjärnan kommer man att investera så mycket i honom – det är lika engagerat och uppriktigt som alla andra prestationer han har gjort. DiCaprio lämnar ett sådant avtryck att man till och med tror att Rick är en bra skådespelare. Och han behövde inte ens äta bisonlever för att göra det. -CB

Jimmy Fails, ”The Last Black Man in San Francisco”

”The Last Black Man in San Francisco” är Jimmy Fails berättelse, och det är lätt att se hur det i efterhand hade varit ett misstag att ta in en skådespelare med mer erfarenhet för att förankra den. Där en skådespelare med ”större räckvidd” kanske skulle leta efter en mer konkret motivationsgrund för handlingen, finns det en renhet i syftet och en saklig kadans som Fails tillför till sin kvicka strävan att återfå (och behålla) sitt familjehem, och i slutändan sin stad, och som är kärnan i det som gör att filmen fungerar. Det är en djupt känd prestation, där man kan känna att Fails, tillsammans med sin medskapare Joe Talbot, nästan regisserar filmen. Rytmen hos de medverkande skådespelarna är anpassad till Fails’ framförande, den nyckfulla skönheten i Adam Newport-Berras fotografier av staden är den lins genom vilken vår hjälte ser den, den melankoliska undertonen är skriven i hans ansikte med magstarka reaktionsbilder. Den smärtsamma historien om ”stadsförnyelse” får en personlig historia genom ”Last Black Man”, som gör ett smart val genom att inte sätta ett filter mellan sitt bultande hjärta och publiken. -CO

Song Kang-Ho, ”Parasite”

Neon

De mest råa och elektrifierande ögonblicken i en Song Kang-ho-föreställning tenderar att hittas i övergångstillstånden mellan känslor, eller i de liminala utrymmen där de läggs på varandra – när lycka smälter till skräck eller plikt saltas med hämnd – vilket bidrar till att förklara varför världens mest elastiska filmskapare knappast kan göra en film utan honom.

”Parasite” är Songs fjärde genreöverskridande samarbete med Bong Joon Ho, men ingen av deras extraordinära tidigare insatser (”Memories of Murder”, ”The Host” och ”Snowpiercer”) har varit lika beroende av skådespelarens förmåga att inta flera olika utrymmen samtidigt, och inte heller så informerad av hans karaktärs instabila självkonflikt. Song spelar Kim Ki-taek, patriarken i en fattig Seoul-familj vars lycka börjar förändras när de, en efter en, alla intrigerar sig fram till att bli anställda av den nyrika familjen som bor uppför kullen. Den våldsamma tragikomedi som bryter ut därifrån kan skryta med en lika djupgående ensemble som någon (och alla) filmer som Bong någonsin har gjort, men Song är berättelsens brustna hjärta. -DE

George Mackay, ”1917”

Om Sam Mendes ambitiösa krigsepos med en enda tagning är förutbestämd att göra någon enskild aktör till en stjärna är det George MacKay, som länge har varit det bästa i ett antal betydligt mindre filmer (från den annars dystra ”Ophelia” till den underkända ”Marrowbone”). Den krigströtta vicekorpralen Schofield är den mest vuxna roll som den brittiske skådespelaren har spelat hittills, men en roll som förlitar sig på hans hundvalpsögon för att ytterligare sälja in den stora skräcken med första världskriget och de många unga män som det stal från världen. Till en början är han motståndare till det vansinniga uppdrag som han och vicekorpral Blake (Dean-Charles Chapman) tilldelas i början av filmen – man får en känsla av att MacKay, både genom antydningar i manuset och genom sin egen underbara fysiska prestation, har tagit sig an sådana vansinniga idéer tidigare och vet hur de tenderar att sluta – men hans Schofield tvingas snart till en ännu större tjänst än Blake. Om Blake med babyansikte är filmens hjärta är det MacKay som framstår som dess modiga och splittrade själ. MacKay kan vara vår nästa stora huvudrollsinnehavare, men hans arbete i ”1917” är ett starkt argument för att han redan har nått den höga nivån. -KE

Eddie Murphy, ”Dolemite Is My Name”

Netflix

Det finns vissa stjärnor som när de går in på filmduken tillför en närvaro och en förtrogenhet som sträcker sig bortom rollen. Eddie Murphy har i åratal gömt den där skott-och-höna, fördärvade charmen som gjorde honom till en stjärna för oss via barnfilmer och rollen-i-rollen i ”Bowfinger”. Det är inte bara trevligt att ha honom tillbaka i ”Dolemite” och att se att han fortfarande har ”det”, utan också att bevittna hur han använder sin stjärnkraft för att levandegöra Rudy Ray Moores djärva anda. Det är en föreställning fylld av kärlek och vördnad, inte bara för Murphys gamle vän Moore, utan för kreativa strävanden som helhet. Med hjälp av Ruth Carters kostymer tar Murphy sig an Moores karaktär genom att utveckla sin egen personlighet. Det är en biopic som inte behöver den tragiska vänstersvängen för att utforska faran med framgång, och som i stället firar – till stor del genom att Murphy/Moore riktar strålkastarljuset mot birollerna, särskilt Da’Vine Joy Randolph – genom att avslöja den vackra performativa talangen hos människor som inte förväntar sig att bli stjärnor. -CO

Matthew McConaughey, ”The Beach Bum”

Neon

Självklart är det inte den typen av roll som någonsin skulle få prisbelöning, men i en bättre värld skulle den vara det: Matthew McConaugheys ”Moondog” har inga särskilda mål som han försöker uppnå, inga verkliga hinder som han försöker övervinna, ingen ”betydelse” för historien eller intresse för social förändring; i själva verket krävs det väldigt lite omvandling av McConaughey själv för att spela honom. Men denna solbrända poet som insuper livet i Miami och Florida Keys i all sin surrealistiska prakt är mer än bara en karaktär: han är en vandrande världsåskådning, ett förkastande av typ A-personligheten i kött och blod, en profet som förespråkar att man ska låta livet hända med en i stället för att alltid sitta i förarsätet.

Inte så lite händer i Harmony Korines senaste floridiska mästerverk: det händer mycket som Moondog måste hantera, bland annat ett oväntat arv, ett ännu mer oväntat litterärt pris och Martin Lawrences blodigt skrattretande möte med en haj. McConaughey möter alla dessa händelser i denna Coppertone-dränkta picaresque på ungefär samma sätt varje gång, hans mun är lätt uppspärrad, hans axlar gungar som om han är på väg att ramla ner från en balansbalk, ett rymligt skratt utbryter ur hans strupe. Han är en fulländning av David Wooderson i ”Dazed and Confused”, men utan minsta antydan till den karaktärens latenta hotfullhet eller fåfänga: Moondog är det platoniska idealet för en McConaughey-karaktär. -CB

Andre Holland, ”High Flying Bird”

Netflix

Det av Steven Soderbergh regisserade sportdramat gav ett efterlängtat huvudrollstillfälle för den underutnyttjade och överbegåvade Andre Holland, som levererar en dynamisk prestation. Holland fick sitt stora genombrott genom att spela en biroll i Soderberghs Cinemax-tv-serie ”The Knick”, men i ”High Flying Bird” är det helt och hållet hans show, och han drar full nytta av det. Det är en George Clooney-liknande ”Ocean’s 11”-prestation, där han ger sin karaktär en liknande typ av listig charm. Tarell Alvin McCraneys turboladdade, dialogtunga manus ger filmens begåvade skådespelare, ledda av Holland som en smidig, snabbpratande agent, mycket att tugga på. Holland spelar vanligtvis ganska återhållsamma karaktärer, så det här var en spännande omställning för honom, och han ser ut som om han har det roligt när han är beslutsam och våldsam på det minst pretentiösa sättet. Han har helt klart kontroll över varje ögonblick och levererar en skiktad föreställning med nästan perfekta takter. Publiken får sällan se honom släppas loss så här, och det är ett riktigt spektakel att beskåda. Den kräver upprepade visningar och visar varför han redan anses vara en av de bästa skådespelarna i sin generation. -TO

Robert Pattinson, ”High Life”

Så tajt och dold en föreställning som du kan hitta i år, brinner Robert Pattinson fortfarande med intensitet som Monte, en fånge som fått livstidsstraff och som arbetar ombord på ett fängelseskepp i djupa rymden. Claire Denis regisserar varje tagning med så hög precision, i sina inramningar, skådespelarnas blockering och deras mycket kontrollerade framträdanden, att känslan är en känsla av luftlöshet och klaustrofobi – en kvävande stämning som passar perfekt för både en rymdodyssey i ubåtsstil och en fängelsehistoria. Pattinson är på Denis kyliga våglängd: Vi lär känna honom främst genom hans isolering från andra karaktärer (han vägrar att bli berörd) och den tvångsmässiga likformigheten i hans dagliga rutiner, inklusive bild efter bild av Montes noggranna rakning (med en vass egg i stället för en riktig rakkniv). Detta är en karaktär som definierar sig själv genom att vara avlägsen, men hans själsliga båge leder honom ändå in på vägen mot att bli vårdare – något som Pattinson förmedlar helt och hållet genom Montes engagemang för process och rutin, och de variationer som oundvikligen uppstår. Var allt slutar är som en mer mystisk version av ”Interstellar”, men också en mycket mer känslosam sådan. -CB

Joaquin Phoenix, ”Joker”

Warner Bros.

Love it or hate it, ”Joker” har väckt mer debatt än någon annan film som släppts i år. Ändå är det svårt att föreställa sig att Todd Phillips grymma ursprungshistoria om superskurken genererar så mycket uppmärksamhet utan den mardrömslika föreställningen i centrum. I rollen som Arthur Fleck, den grubblande invånaren i Gotham som kämpar med en blandning av psykiska sjukdomar och karriärmotgångar, kanaliserar Phoenix några av sina bästa prestationer på senare tid – från ”The Master” till ”You Were Never Really Here” – för att bli en man som definieras av de mörka krafter som förbrukar honom från alla håll och kanter.

Alternativt dämpad och flamboyant, hemsk och rolig, badar Phoenix Fleck i motsägelser som definierar filmens oroväckande ton; mer än så ger han hela sin kropp över till rollen med ett unikt slags engagemang som sällan skådats i amerikansk film. Hans spinkiga ramar påminner om en varelse från den tyska expressionismen som vandrar in i 1980-talets stadsmiljö, kämpar för att förstå världen runtomkring sig och till slut ger upp. När man ser ”Joker” kan man inte förneka känslan av att Phoenix har gjort mer än att ta sig an en överexponerad serietidningsfigur med bravur; han återuppfinner Jokern från grunden. Skådespelaren har lyckats leva sig in i Jokerns psyke, dra ner en popkulturell figur till jorden och få honom att verka verklig. Det är en gränsöverskridande prestation som förvandlar denna kontroversiella film till en skådespelaruppvisning för åldrarna. -EK

Brad Pitt, ”Ad Astra”

”Ad Astra” börjar med att Brad Pitts major Roy McBride njuter av en mycket speciell ”jag”-tid på sin lyckliga plats högt över jorden. På sitt eget lugna sätt är han lika mycket en parodi på maskulinitet som Tyler Durden; den perfekta hjälten för en film som är mindre plågad av rymdens vidder än av människans litenhet. Pitt förstår rollen in i benen och levererar en prestation som gör passivitet till en dödlig form av självförsvar. Skådespelaren är ett vakuum i sig själv, och han bär det slags tomma och nöjda uttryck som skulle få Tyler Durden att vilja slå honom i hans perfekta ansikte. Och sedan faller Roy till jorden. En massiv och mystisk elektrisk strömstöt får antennen att gå i spinn, och alla som står på den skickas ner på fallskärm (tack och lov med fallskärm). Det är ett perfekt mikrokosmos för den kommande filmen: Ju längre Roy reser ut i rymden, desto närmare hemifrån faller han. Även när man ser handlingen genom Pitts ögon verkar det som om den sker med någon annan. Varje del av Roys resa raderar sig själv – varje steg han tar i sin fars fotspår förflyttar honom längre bort från att bli sin egen man. -DE

Ashton Sanders, ”Native Son”

HBO

Aston Sanders bär på egen hand Rashid Johnsons film i varje scen. Filmen ger honom i uppdrag att styra en modern version av den litterära antihjälten Bigger Thomas genom en mycket komplex och oroande terräng. Som hjälte i Richard Wrights provocerande roman från 1939 är Bigger för abstrakt för sitt eget bästa. Men Johnsons manus, med Sanders i rollen, gör mycket av det tunga lyftet för att försöka fylla ut honom.

Och även om filmen i sig inte alltid håller ihop, bidrar Sanders känslomässigt rika prestation till att hålla den engagerande hela tiden Han gör Biggers tuffa situation till en relaterbar situation, eftersom publiken känner hans ångest, rädsla och förbittring över världen runt omkring honom. Det sätt på vilket skådespelaren kan berätta en stor del av karaktärens historia genom ansiktsuttryck och subtila manér, och han bär sig själv med en viss auktoritativ svada – trots att han har en så smal och till och med svag fysik – är fascinerande att titta på. Sanders förvandlar Wrights roman till ett unikt porträtt av varför han är en sådan enorm talang på skärmen. Det är en prestation från det unga ”Moonlight”-genombrottet som, i likhet med vad han gjorde i den Oscarsbelönade filmen, dröjer sig kvar långt efter att eftertexterna rullar. -TO

Adam Sandler, ”Uncut Gems”

Adam Sandler har förkroppsligat många avskyvärda, självupptagna figurer genom åren, men med ”Uncut Gems” spelar han den mest föraktliga karaktären i en 30-årig karriär. Regissörerna Joshua och Benny Safdies uppföljare till ”Good Time” är på samma våglängd – slipande, störd, driven av en outhärdlig blandning av rörelse och buller. Det är också en fängslande högspänningsfilm som kombinerar kosmiska bilder med den grymma energin från en mörk psykologisk thriller och plötsliga utbrott av frenetisk komik, och det är den första filmen som verkligen utnyttjar Sandlers performativa styrkor sedan ”Punch-Drunk Love”.”

Tag Howard Ratners frenetiska saga – en snabbpratande juvelerare som alltid är på jakt efter nästa stora affär – lägg till några lågmälda punchlines, och ”Uncut Gems” kunde ha fungerat utmärkt som en av de där Happy Madison-jippona från slutet av nittiotalet, insprängd någonstans mellan ”The Waterboy” och ”Big Daddy”. Istället uppgraderar den Sandlers persona till en mer trovärdig miljö och intensifierar hans mest aggressiva egenskaper samtidigt som den ger honom utrymme att hitta ett visst mått av själ. Sandler har alltid utmärkt sig för att få oss att sympatisera med förtappade människor, men filmerna har ofta svårt att hänga med. ”Uncut Gems” når fram till kärnan i det geni som hela tiden har gömt sig i det fördolda. -EK