Dansfotografering:

Dans kan ge fantastiskt vackra bilder, men det är ingen hemlighet att det är en stor utmaning att fotografera dansföreställningar: Det är en svår utmaning att skapa en ram, fokusera och trycka av i rätt ögonblick, samtidigt som man måste se till att exponeringen blir så bra som möjligt med det tillgängliga ljuset. För Bernie Ng, en av Singapores mest produktiva dans- och scenkonstfotografer, handlar det inte bara om att fånga handling, utan också om den estetik och de känslor som styr rörelsen. Hon delar med sig av några tips om hur hon åstadkommer sina vackert uttrycksfulla bilder. (Bilder av: Bernie Ng)

EOS 5D Mark III/ EF24-70mm f/2.8L II USM/ Manuell exponering (f/2.8, 1/250 sek)/ ISO 2500/ WB: Auto
”Pure” av T.H.E Dance Company (2016)/ Koreografi: Kuik Swee Boon/ Dansare: Anthea Seah & Wu Mi

Hantering av exponering

Att få rätt exponering är förmodligen den mest utmanande aspekten av fotografering av dansföreställningar. Belysningen på scenen kan vara mycket extrem, men eftersom blixtfotografering vanligtvis inte är tillåten måste man göra vad man kan med det tillgängliga ljuset, som skiljer sig från föreställning till föreställning. Bernie rekommenderar följande:

Använd objektiv med stor bländare

Detta gör att tillräckligt med ljus når kamerans sensor, så att du kan hålla ISO-hastigheten så låg som möjligt för att minimera synligt brus. Helst bör ditt kit innehålla:
– Ett vidvinkelobjektiv för att ta bilder av hela scenen
– Ett telezoomobjektiv för närbilder.

Lär dig mer om objektiv med stor bländare här:
Linsgrunder #9: Objektiv med stor bländare

Fotografera manuellt eller använd exponeringskompensation med Av- eller Tv-läge

Förhållandena på scenen kan förändras mycket snabbt, så du vill behålla en viss kontroll över dina exponeringsinställningar. Bernie föredrar att fotografera i manuellt läge eftersom hon då kan anpassa inställningarna bättre. Men om du väljer att använda ett halvautomatiskt läge rekommenderar hon att du använder exponeringskompensation för att få rätt exponering.

För nybörjare är det förmodligen lättare att börja med bländarprioriteringsläget (Av): Det är bara att ställa in den maximala bländaröppningen och kameran ger dig den snabbaste möjliga slutartiden utan att underexponera. Med slutarprioriteringsläget (Tv) har du kontroll över slutarhastigheten, men det kan vara lite knepigare att få en adekvat exponering.

Slutarhastighet: Vet vad du behöver

Konsultera faktorer som typ av dans, koreografi och vilken typ av bild du försöker uppnå. Bernie har som utgångspunkt en slutartid på 1/250 sekund, som hon justerar vid behov. Hon kan till exempel bestämma sig för att använda en långsam slutare om hon känner att det tillför något till bilden.

EOS 5D Mark III/ EF24-105mm f/4L IS USM/ Manuell exponering (f/4.0, 1/13 sek)/ ISO 800/ WB: Auto
”Giving” by Frontier Danceland (2015)/ Choreografi: Adrian Skjoldborg

Användning av en långsam slutare kan ge dynamik och liva upp kompositionen. Bernie säger om den här bilden: ”Om jag hade fryst rörelsen skulle bilden förmodligen ha sett ganska vanlig ut.” Hon bestämde sig för att använda en långsam slutartid för att skapa rörelseoskärpa och behålla fokus på den kvinnliga dansaren. Detta fyllde ut tomma utrymmen och tillförde rörelse till bilden.

Professionellt tips: Om du har tillgång till scenpersonalen och ljusdesignern…
Som du inte behöver känna till alla detaljer i upplägget kan scenpersonalen och ljusdesignern ge dig en inblick i vad du kan förvänta dig. Bernie brukar fråga om hur ljussättningen kommer att se ut och om det kommer att finnas några extrema ljus.

Kreativa idéer:

EOS 5D Mark III/ EF70-200mm f/4L IS USM/ Manuell exponering (f/4, 1,3 sek)/ ISO 320/ WB: Auto
”Planet Romeo”/ Presenteras på DiverCity, som en del av M1 Contact Contemporary Dance Festival (2015)/ Koreograf & Dansare: Daniel Kok

I vissa föreställningar används stroboskopljus, vilket kan leda till att du missar bilder om du inte är förberedd när de tänds. Men om du är förberedd och reagerar tillräckligt snabbt kan det vara en möjlighet att vara kreativ. För den här bilden tog Bernie ett snabbt beslut att sakta ner sin slutare och skapa en stroboskopisk effekt.

Dans handlar inte bara om action

EOS 5D Mark III/ EF24-105mm f/4L IS USM/ Manuell exponering (f/4, 1/400 sek)/ ISO 12800/ WB: Auto
The Ordinary Man av T.H.E Dance Company (2014) presenterad av Huayi – Chinese Festival of Arts, Esplanade – Theatres on the Bay/ Koreografi: Wu Yi-San & Kuik Swee Boon

Många tänker på hoppbilder när man nämner dansfotografering, men lugna ögonblick kan också vara dramatiska. När hon fångar sådana ögonblick säger Bernie att hon ägnar särskild uppmärksamhet åt:

Snygga linjer och korrekta poser

Lär dig att identifiera vad som fungerar bra och vad som inte gör det. Dessa kan vara olika för olika dansgenrer. Du behöver dock inte nödvändigtvis ha en dansbakgrund för att ta ordentliga bilder – det handlar mest om ett gott estetiskt sinne. Se till att dansarna ser bra ut.

Dansarnas ansikten

En stor del av dansen handlar om att förmedla tankar och känslor till publiken. Bernie försöker fånga känslor och ansiktsuttryck som är lämpliga för koreografin. Det är då det hjälper att veta vad koreografin handlar om innan man fotograferar! De spännande ansiktsuttrycken hos dansarna i bilden ovan återspeglar den komiska karaktären hos koreografin, som var inspirerad av kinesisk crosstalk.

Se upp för bilder där dansarna blinkar eller har tomma, ofokuserade blickar (om det inte är en del av koreografin) – du kommer förmodligen att vilja sålla bort dem.

Professionellt tips: Att vara känslig för vilka bilder som blir sedda

Tänk på att din kamera kan fånga saker som det mänskliga ögat inte kan se: När du klickar kommer du oundvikligen att ta bilder som kanske inte är de mest smickrande. Var mycket känslig och försiktig när du väljer ut de bilder du ska leverera (om du är på uppdrag). Be om tillstånd från dansaren eller kompaniet vid behov, särskilt om du delar bilderna på dina sociala medier, din webbplats eller någon annanstans offentligt.

Dansfotografier behöver inte nödvändigtvis vara helkroppsbilder

EOS 5D Mark III/ EF24-70mm f/2.8L II USM/ Manuell exponering (f/2.8, 1/100 sek)/ ISO 400/ WB: Auto
”Pallavi in Time” By Chowk Productions (2017)/ Choreografi: Raka Maitra

Närbilder på ansiktet eller andra detaljer kan också ge mycket suggestiva bilder.

”Fötterna var mycket viktiga i den här koreografin, och det var mycket stampande”, minns Bernie om bilden ovan. Hon ville närma sig fotbojorna på dansarnas fötter. Fotot fungerade bra också eftersom belysningen också var fokuserad på fötterna. ”Om jag hade tagit bilden på normalt sätt skulle överkroppen ha varit höljd i mörker.”

Bonus: Om du verkligen vill ha den där hoppbilden…

EOS 5D Mark III/ EF24-105mm f/4L IS USM/ Manuell exponering (f/4, 1/250 sek)/ ISO 5000/ WB: Auto
”Schubert Symphony” av Singapore Dance Theatre (2016)/ Choreografi: Choo-San Goh

Jump shots handlar om exakt timing: ”Om du ser hoppet är du för sent ute. För att få rätt timing rekommenderar hon att man inte förlitar sig för mycket på språngskytte. Lär dig i stället när du ska trycka på slutarknappen. Ibland är det möjligt att ta ledtrådar från musiken, eller så kanske du kan identifiera när dansarna förbereder sig för att hoppa. Det kommer förmodligen att krävas en hel del trial and error, men dina färdigheter som fotograf kommer att förbättras tack vare det.

Andra saker att notera

1. Du kommer att behöva reagera mycket snabbt

Saker på scenen händer snabbt, och du kommer att behöva förutse ögonblick och reagera nästan instinktivt för att få de bilder du vill ha. Det hjälper att:

– Ha en snabb och snabb kamera som EOS 5D-serien eller EOS-1D X Mark II. EOS 7D Mark II är också ett bra val om du bara börjar, men så småningom kanske du vill ha den detaljrikedom som en fullformatssensor kan fånga.
– Känna till dina kamerafunktioner och konfigurationer intuitivt. Anpassa dina knappar för snabb åtkomst.
– Använd fokusering med bakåtknapp. Det gör fotograferingen effektivare eftersom du inte behöver fokusera om varje gång efter att du har tryckt på avtryckaren.
– Skaffa dig mycket erfarenhet. Att ha mycket övning hjälper dig att tänka bättre på fötterna.
– Titta på mycket dans även när du inte fotograferar. Det hjälper dig att bli bekant med timing och estetik. Dessutom är det lättare att uppskatta dansen för vad den är när du ser och upplever den med dina egna ögon – inte genom dina linser!

2. Respektera vem som står på scenen och respektera publiken

Det är lätt att låta sig ryckas med av ögonblicket, men ta hänsyn till både publiken och dansarna på scenen.

Gör…
– Ta bilder endast när det är tillåtet
– Stäng av det röda AF-fokuseringsljuset
– Stäng av din blixt

Förhindra inte…
– Kom för nära dansarna. Det kan vara distraherande om du (eller ditt enorma teleobjektiv) tränger in i deras utrymme, särskilt eftersom chansen är stor att de har en ökad rumslig medvetenhet när de dansar.
– Hindra sikten för publiken.

3. Sist men inte minst, respektera dansarna

Dansarna arbetar mycket hårt för att fullända sin konst, och utan dem skulle du inte ha dina bilder.

– Tänk på hur de vill bli porträtterade. Visa dem i sitt bästa ljus och gör deras insatser rättvisa.
– Kom alltid ihåg att ge dansarna och koreograferna beröm i dina bilder. Du kan se att vi har gjort det för den här artikeln!
– Bygg upp din kontakt med ditt motiv. Titta på mer dans, eller ta dansklasser om du är sugen på det! När din uppskattning för ämnet växer kan det återspeglas i de bilder du tar. ”När jag fotograferar dansare är det nästan som om jag dansar med dem genom mina linser”, säger Bernie.

Dansarnas karriär är kort. Dina fotografier av dem när de uppträder på scenen i sitt element kan vara den enda dokumentationen av dessa värdefulla ögonblick, så sträva efter att ta bilder som ger dem glädje och återupplivar fina minnen.