Emma Amos – Galeria RYAN LEE

BIOGRAFIE

Emma Amos (n. 1937 Atlanta, GA – d. 2020 Bedford, NH) a fost o artistă, educatoare și activistă de pionierat. Pictoriță dinamică și coloristă magistrală, angajamentul ei de a interoga status quo-ul istoriei artei a dat naștere unui corpus de lucrări vibrante și riguroase din punct de vedere intelectual. Influențată de arta modernă vest-europeană, de expresionismul abstract, de mișcarea pentru drepturile civile și de feminism, Amos a fost atrasă de explorarea politicii culturale și a problemelor legate de rasism, sexism și etnocentrism în arta sa. „Întotdeauna am susținut”, a spus odată Amos, „că pentru mine, o artistă de culoare, să intru în atelier este un act politic.”

Artistă cunoscută pentru depășirea limitelor tehnice și tematice, Amos a realizat fără jenă opere de artă care reflectau experiența femeilor de culoare, chiar și atunci când o astfel de artă nu a stârnit decât foarte puțin sau deloc reacții din partea colegilor și criticilor săi de sex masculin. A fost profund influențată de drepturile civile și de mișcările negrilor care au făcut presiuni pentru recunoaștere în lumea artei. Amos a devenit membră a Spiral, un important colectiv afro-american în 1964, dar a constatat că efortul de reprezentare a negrilor în lumea artei omitea adesea femeile. Apoi s-a implicat în diverse colective feministe clandestine, printre care Heresies, din 1982 până în 1993, și în grupul deschizător de drumuri Guerilla Girls, după înființarea acestuia în 1985. Fiind una dintre puținele membre de culoare ale colectivului Heresies, a contribuit în mod important la publicarea numărului din 1982 al revistei care discuta despre rasă în cadrul mișcării artistice feministe. Picturile vii și puternice ale lui Amos sunt în mod frecvent o celebrare a corpului negru, amintind în mod constant privitorului, criticului și lumii artei în general prezența incontestabil de importantă a corpului negru și feminin, care a fost atât de des trecut cu vederea.

Principalele lucrări abstracte ale lui Amos, puternic influențate de Expresionismul Abstract, Pop Art și pictura Color Field, demonstrează un interes inițial în experimentarea culorii și a spațiului, având ca rezultat picturile extrem de coloristice „Attitude” din anii 1960. În aceste lucrări, tânăra Amos, care abia își începea cariera în New York, se reprezenta adesea în compoziții îndrăznețe și colorate. Natura lipsită de griji a acestor picturi a făcut loc unor reflecții mai mature ale rolurilor simultane ale lui Amos ca mamă, soție și artistă, pe măsură ce își construia familia în anii 1970. În timp ce lucra la aceste lucrări, Amos a introdus pentru prima dată figura sa semnătură în flux. Acest interes pentru culoare și mișcare, împreună cu un angajament social și politic din ce în ce mai mare, a făcut loc seriei sale „Atleți și animale” la începutul anilor 1980. În această serie de picturi, Amos ia în considerare frumusețea și forța atleților de culoare și a animalelor sălbatice – o comparație rasistă folosită în trecut pentru a denigra bărbații și femeile de culoare. Punând în paralel imaginile jucătorilor de sport cu leii, gheparzii și crocodilii, ea sugerează puterea trecătoare și iluzorie, atât în ceea ce privește fizicul, cât și influența, a atletului de culoare.

Seria „Falling Series” de mai târziu a lui Amos se referă în mod specific la propriile anxietăți ale lui Amos legate de ștergerea istoriei, a locului și a oamenilor. În cadrul acestei serii de lucrări, ea a luat în considerare, de asemenea, criza economică a erei Reagan și abisul. Ea a înfățișat dansatori, cântăreți și alte figuri care alunecă, se prăbușesc și se aruncă prin spații abstracte printre arhitectura iconică și clasică, motive mitologice și simboluri ale muzicii jazz și blues, ca o modalitate de a-și procesa propriile anxietăți sociale și personale.

Drapelul american și cel confederat apar frecvent în opera lui Amos, care reflectă semnificația conceptuală și istorică a naturii naționaliste, comunitare și rasiste a acestor simboluri în cadrul societății și a propriei experiențe trăite de Amos. „x” al Confederației traversează multe dintre lucrările sale din anii 1990. În mare parte din lucrările sale de la jumătatea carierei și din cele ulterioare, Amos a folosit țesături tradiționale africane ca margini pentru compozițiile sale. Fiind o țesătoare desăvârșită, Amos a inclus, de asemenea, colaje ale propriilor sale țesături în picturile sale, estompând astfel în mod intenționat granițele de gen dintre artizanat și artele plastice. Ea a continuat această practică pe tot parcursul carierei sale. Lucrările pline de viață pe care Amos le-a produs în anii 2000 sunt un punct culminant al importanței durabile a pasiunii sale profunde și de o viață pentru culoare, activism și inovație tehnică.

Născută în Atlanta, GA, o localitate segregată, Amos a absolvit Antioch College din Ohio în 1958 și a continuat să studieze la Central School of Art din Londra. După ce și-a terminat studiile în Anglia, Amos s-a mutat la New York. Deși, în cele din urmă, a devenit activă pe scena artistică din centrul orașului, lucrând alături de artiști proeminenți precum Romare Bearden, Hale Woodruff, Norman Lewis, Alvin Hollingsworth și Charles Alston, Amos s-a luptat cu greu să se afirme în oraș, constatând că i-au fost ridicate obstacole considerabile din cauza vârstei, sexului și rasei sale. Ea a obținut un masterat în arte la Universitatea din New York în 1965 și a continuat să predea arta la Școala Dalton din New York. În 1980, a devenit profesor și, ulterior, președinte al departamentului de arte vizuale de la Mason Gross School of Art din cadrul Universității Rutgers. A predat acolo timp de 28 de ani.

În 2016, Amos a primit premiul Larry D. și Brenda A. Thompson al Muzeului de Artă din Georgia și a fost onorată de Studio Museum din Harlem ca Icoană și deschizătoare de drumuri, alături de Faith Ringgold și Lorraine O’Grady.

Picturile lui Amos au fost incluse în numeroase expoziții personale și de grup, inclusiv în expoziția Changing the Subject (1994) de la Montclair Museum of Art, curatoriată de Holly Block; Emma Amos, de la The College of Wooster Art Museum: Paintings & Prints, 1982-1992 (1995), curatoriată de Thalia Gouma-Peterson; și Newark Museum’s Wrapped in Pride: Ghanaian Kente și identitatea afro-americană (1999). Mai recent, lucrările lui Amos au fost expuse la Museum of Contemporary Art, Los Angeles’s With Pleasure: Pattern and Decoration in American Art 1972-1985 (2019); și la expoziția Spilling Over de la Whitney Museum of American Art: Painting Color in the 1960s (2019); și la expoziția We Wanted A Revolution (Noi am vrut o revoluție) de la Brooklyn Museum din 2017: Black Radical Women, 1965-85. Emma Amos: Color Odyssey, o retrospectivă a operei lui Amos, va fi deschisă la Georgia Museum of Art în 2021 și va călători la Philadelphia Museum of Art și la Munson-Williams-Proctor Arts Institute din New York.

Opera sa se află în colecțiile Baltimore Museum of Art, MD; Bass Museum of Art, FL; Birmingham Museum of Art, AL; British Museum, Londra; Bronx Museum of Art, NY; Brooklyn Museum of Art, NY; James F. Byrnes Institute, Germania; Museo de las Artes, Mexic; Metropolitan Museum of Art, NY; Minneapolis Museum of Art, MN; Museum of Modern Art, NY; Newark Museum, NJ; Studio Museum in Harlem, NY; Whitney Museum of American Art, NY, și Yale University Art Gallery, CT, printre altele.

.