Emma Amos – Galeria RYAN LEE

BIOGRAFIA

Emma Amos (b. 1937 Atlanta, GA – d. 2020 Bedford, NH) foi uma artista, educadora e ativista pioneira. Pintora dinâmica e colorista magistral, seu compromisso em questionar o status quo art-histórico produziu um corpo de trabalho vibrante e intelectualmente rigoroso. Influenciada pela arte moderna da Europa Ocidental, pelo Expressionismo Abstracto, pelo movimento dos Direitos Civis e pelo feminismo, Amos foi atraída a explorar na sua arte as políticas da cultura e as questões do racismo, do sexismo e do etnocentrismo. “Sempre foi minha opinião”, disse Amos uma vez, “que para mim, uma artista negra, entrar no estúdio é um ato político”

Uma artista conhecida por empurrar limites técnicos e temáticos, Amos fez arte sem prurido que refletisse a experiência das mulheres negras, mesmo quando tal arte pouco ou nada suscitava de seus pares masculinos e críticos. Ela foi profundamente influenciada pelos direitos civis e movimentos negros que impulsionaram o reconhecimento no mundo da arte. Amos tornou-se membro de Spiral, um importante coletivo afro-americano em 1964, mas descobriu que o esforço pela representação negra no mundo da arte muitas vezes omitia as mulheres. Ela então se envolveu em vários coletivos feministas underground, incluindo Heresias de 1982 a 1993, e o grupo de Guerrilha Girls após sua fundação em 1985. Como um dos poucos membros negros do coletivo Heresies, ela contou como um importante conrtibutor para a publicação da edição de 1982 da revista discutindo a raça dentro do movimento de arte feminista. As pinturas vívidas e poderosas de Amós são frequentemente uma celebração do corpo negro, lembrando consistentemente o espectador, o crítico e o mundo da arte em geral da presença inegavelmente importante do corpo negro e feminino que tem sido tão frequentemente negligenciada.

Os primeiros trabalhos abstractos de Amós, fortemente influenciados pelo Expressionismo Abstracto, Pop Art, e pintura de Campo de Cores, demonstram um interesse inicial em experimentar a cor e o espaço, resultando em pinturas de “Atitude” altamente coloristas nos anos 60. Nestes trabalhos, uma jovem Amós, que estava apenas começando sua carreira em Nova York, muitas vezes se representou em composições ousadas e coloridas. A natureza despreocupada destas pinturas deu lugar a reflexões mais maduras dos papéis simultâneos de Amos como mãe, esposa e artista enquanto construía a sua família nos anos 70. Foi enquanto trabalhava nestes trabalhos que Amos introduziu pela primeira vez a sua figura de assinatura em fluxo. Este interesse pela cor e movimento, juntamente com um crescente envolvimento social e político, deu lugar à sua série “Atletas e Animais” no início dos anos 80. Nesta série de pinturas, Amos considera a beleza e a força dos atletas negros e dos animais selvagens – uma comparação racista usada no passado para denegrir homens e mulheres negros. Imagens paralelas de atletas desportivos com leões, chitas e crocodilos, ela sugere o poder fugaz e ilusório, tanto na fisicalidade como na influência, do atleta negro.

A última “Série Falling” de Amós relaciona-se especificamente com as ansiedades de Amós em torno do apagamento da história, do lugar e das pessoas. Dentro desta série de obras, ela também considerou a crise econômica da era Reagan e o abismo. Ela retratou dançarinos, cantores e outras figuras que escorregavam, tombavam e atiravam por espaços abstraídos entre a arquitetura icônica e clássica, motivos mitológicos e símbolos da música jazz e blues, como uma forma de processar suas próprias ansiedades sociais e pessoais.

As bandeiras americana e confederada aparecem freqüentemente dentro da obra de Amós, o que reflete sobre o significado conceitual e histórico da natureza nacionalista, comunitária e racista desses símbolos dentro da sociedade e da própria experiência vivida por Amós. O “x” da Confederação corta em muitas de suas obras dos anos 90. Em grande parte das suas obras de meia-carreira e posteriores, Amós fez uso do tecido tradicional africano como fronteiras para as suas composições. Uma tecelã de sucesso, ela também incluiu colagens da sua própria tecelagem nas suas pinturas, diluindo assim propositadamente as linhas de género entre o artesanato e as belas artes. Ela continuou esta prática durante o resto de sua carreira. Os trabalhos vívidos que Amos produziu nos anos 2000 são o culminar da importância duradoura de sua profunda e duradoura paixão pela cor, ativismo e inovação técnica.

Nascido em Atlanta segregada, GA, Amos formou-se no Antioch College em Ohio em 1958 e passou a estudar na Central School of Art em Londres. Ao terminar os seus estudos na Inglaterra, Amos mudou-se para Nova Iorque. Embora tenha acabado por se tornar activa na cena artística do centro da cidade, trabalhando ao lado de artistas proeminentes como Romare Bearden, Hale Woodruff, Norman Lewis, Alvin Hollingsworth e Charles Alston, Amos lutou para encontrar o seu lugar na cidade, descobrindo que foram levantados obstáculos consideráveis contra ela por causa da sua idade, género e raça. Ela obteve seu mestrado em Artes pela Universidade de Nova York em 1965 e passou a ensinar arte na Dalton School, em Nova York. Em 1980, ela se tornou professora e mais tarde presidente do departamento de Artes Visuais da Mason Gross School of Art da Rutgers University. Ela lecionou lá por 28 anos.

Em 2016, Amos recebeu o prêmio Larry D. e Brenda A. Thompson do Georgia Museum of Art e foi homenageada pelo Studio Museum em Harlem como Ícone e Trailblazer, juntamente com Faith Ringgold e Lorraine O’Grady.

As pinturas de Amós foram incluídas em numerosas exposições individuais e colectivas, incluindo o Montclair Museum of Art’s Changing the Subject (1994), com curadoria de Holly Block; A Emma Amos do College of Wooster Art Museum: Pinturas & Impressões, 1982-1992 (1995), com curadoria de Thalia Gouma-Peterson; e o Museu Newark’s Wrapped in Pride: Ghanaian Kente e Identidade Afro-Americana (1999). Mais recentemente, o trabalho de Amos foi exposto no Museum of Contemporary Art, Los Angeles’s With Pleasure: Pattern and Decoration in American Art 1972-1985 (2019); e no Whitney Museum of American Art’s Spilling Over: Pintura Cor na década de 1960 (2019); e na exposição We Wanted A Revolution do Brooklyn Museum de 2017: Black Radical Women, 1965-85. Emma Amos: Color Odyssey, uma retrospectiva do trabalho de Amos, abrirá no Museu de Arte da Geórgia em 2021 e viajará para o Museu de Arte da Filadélfia e o Munson-Williams-Proctor Arts Institute em Nova York.

O seu trabalho é realizado nas coleções do Museu de Arte de Baltimore, MD; Bass Museum of Art, FL; Birmingham Museum of Art, AL; British Museum, Londres; Bronx Museum of Art, NY; Brooklyn Museum of Art, NY; James F. Byrnes Institute, Alemanha; Museo de las Artes, México; Metropolitan Museum of Art, NY; Minneapolis Museum of Art, MN; Museum of Modern Art, NY; Newark Museum, NJ; Studio Museum in Harlem, NY; Whitney Museum of American Art, NY, e Yale University Art Gallery, CT, entre outros.