The 15 Best Film Performances By Actors in 2019

Był taki moment w historii filmu, kiedy aktorzy płci męskiej trzymali się tradycyjnych oczekiwań wobec gwiazdorstwa: Męska swawola, nadmierna pewność siebie, chyżo wyrzeźbione dobre lucki, które nie śmiały ujawnić wrażliwej strony. Jak wynika z najlepszych tegorocznych występów, ten czas minął na dobre. Wiele z najlepszych męskich głównych występów roku ujawniło kruche, niepewne postacie zmagające się ze zmieniającym się światem wokół nich, nawet jeśli wiele z nich pochodziło od gwiazd filmowych.

Tym razem w zeszłym roku, było wielu znanych aktorów w centrum uwagi. Świat mdlał nad tragiczną gwiazdą rocka Bradleya Coopera Jacksona Maine’a w „A Star Is Born”, podczas gdy Rami Malek przezwyciężył kontrowersje związane z „Bohemian Rhapsody”, by stać się pretendentem do Oscara. W tym samym czasie kinomani świętowali jeden z najlepszych występów Ethana Hawke’a w „First Reformed” oraz postęp Stevena Yeun’a w kierunku wielkiego talentu aktorskiego w „Burning” Lee Chang-donga: Odkładając na bok role drugoplanowe, najlepsi odtwórcy głównych ról w tym roku albo pchnęli swoje znane talenty w nowych kierunkach, albo wykorzystali przebłysk talentu widoczny w poprzednich rolach i przekształcili go w wyższą płaszczyznę twórczej ekspresji. Oto 15 najlepszych filmowych występów aktorów w 2019 roku; dla najlepszych aktorek roku, przejdź tutaj.

Antonio Banderas, „Pain and Glory”

W „Pain and Glory,” Banderas gra filmowca Salvadora Mallo, który leczy swoją depresję i bolące plecy silnym koktajlem środków przeciwbólowych, alkoholu i heroiny, patrząc wstecz na historię swojego życia w filmie. Banderas jeszcze nigdy nie zagrał tak intymnie, subtelnie, emocjonalnie, z wyczuciem i wrażliwością. Pedro Almodóvar brał pod uwagę dwóch aktorów rezerwowych, ponieważ nie był pewien, czy jego stary przyjaciel nadaje się do tej roli. Banderas udowodnił, że jest.

Banderas zmagał się z powrotem do aktorstwa ze swoim mentorem po 22 latach z 2011 psychothrillerem „Skóra, w której żyję”. Mimo to chętnie podjął się zagrania w „Pain and Glory”, wcielając się w starzejącego się hiszpańskiego twórcę, który dał mu początek kariery dzięki filmom z lat 80. takim jak „Labirynt namiętności” i „Zwiąż mnie! Zwiąż mnie!”. Trzymał się z dala od naśladowania reżysera, ale jest on obecny w jego kolczastych włosach, sposobach ochrony pleców, replice jego domu w Madrycie, a nawet niektórych jego własnych ubraniach. W jednej z kluczowych scen reżyser zaskoczył Banderasa i jego partnera Leonardo Sbaraglię – grających byłych kochanków, którzy nie widzieli się od lat – każąc im złożyć głęboki pocałunek, tak erotyczny, że pobudza ich oboje. Banderas zrezygnował ze swojego zestawu narzędzi, jakimi posługuje się gwiazda filmowa, zamiast tego opierając się na kruchości, którą wyniósł z przeżytego dwa lata temu lekkiego zawału serca. Rzucił się w ręce reżysera, a rezultaty są magiczne. -AT

Christian Bale, „Ford v Ferrari”

W centrum perkusyjnego, dudniącego do kości, intensywnego filmu o samochodach wyścigowych „Ford v Ferrari” znajdują się dwa yin i yang – przyjaciele i współpracownicy, którzy potrzebują siebie nawzajem. James Mangold’s tight, napięty, i emocjonalna rozrywka stawia widzów wewnątrz prawdziwego dramatu życia za kierowcą wyścigowym-turned-designer Carroll Shelby (Matt Damon) i utalentowany, mocno zraniony kierowca Ken Miles (Christian Bale) jak budować radykalny, nowy, twardy i szybki samochód wyścigowy (GT-40) dla Henry’ego Forda II, wszystko w celu pokonania Enzo Ferrari zawodników w brutalnym 24-godzinnym wyścigu Le Mans w 1966 roku. Zdobywcy Oscara, Damon i Bale, grają przeciwne strony tego samego medalu: Shelby jest teksańskim showmanem, który może poradzić sobie z garniturami, ale żyje dzięki swojemu przyjacielowi, który nie może iść na kompromis w dążeniu do idealnego okrążenia. Pozostaje wierny sobie. Mangold, który pracował z Bale’em przy „3:10 do Yumy”, czuł, że ta rola jest pod wieloma względami bliska Bale’owi, który jest człowiekiem rodzinnym. Przyszedł na plan pełen pomysłów i energii, inspirując swoich współpracowników.

Fox

Ciche sceny między Milesem i jego młodym synem (Noah Jupe) centrują film i podkreślają wszystkie sceny wyścigów, które mają nadejść. „Ford kontra Ferrari” splata intymne momenty z akcją; troska o Milesa sprawia, że kibicujesz mu, jak jeździ, mówiąc sobie przez krzywe prędkości testu wytrzymałości Le Man. Bale wzorował swój akcent na dzielnicy West Birmingham w Wielkiej Brytanii, w której dorastał Miles, i nosił przy sobie zwiniętą listę powiedzonek z tego obszaru, by podrzucać je w samochodzie. Nie było ich w scenariuszu. Wynik wyścigu Le Mans w filmie jest prawdziwy – jest mnóstwo zdjęć z tego wydarzenia. Kreatywność, męskość i buntowniczy duch Bale’a napędzają ten film i sprawiają, że widzowie płaczą. -AT

Adam Driver, „Opowieść małżeńska”

Netflix/screenshot

Do czasu, gdy „Opowieść małżeńska” trafiła na Netflix, szum wokół wykonania przez Adama Drivera numeru Stephena Sondheima „Being Alive” osiągnął już stratosferę. I owszem, ten późny, trzeci akt, kiedy grany przez Drivera reżyser teatru eksperymentalnego Charlie bierze mikrofon w klasycznej, ekskluzywnej nowojorskiej jadłodajni „Knickerbocker”, z pewnością pokazuje wiele z jego talentu – zdolność do wydawania się jednocześnie powściągliwym i ożywionym, kipiącym od emocji, a jednocześnie w jakiś sposób zamkniętym w sobie. Do tego czasu Driver ma już jednak za sobą swój najlepszy występ w karierze, kiedy to bohater przechodzi przez burzliwy rozpad swojego małżeństwa i dochodzi do wniosku, że to w dużej mierze jego wina.

Driver daje Charliemu kłujący w oczy upór we wcześniejszych scenach filmu, kiedy to zmaga się z decyzją swojej żony Nicole (Scarlett Johannson) o zakończeniu ich związku i staraniu się o opiekę nad ich dzieckiem. Ale aktor przekazuje subtelną ewolucję ze sceny na scenę, jak niepraktyczne postanowienie Charliego ustępuje miejsca kruchej istocie pod powierzchnią, a jego narastające frustracje wybuchają w bijatyce, która kończy się tym, że dorosły mężczyzna zalewa się łzami. Kiedy Charlie w końcu traci panowanie nad sobą, Driver wyzwala w nim brutalną intensywność, która może nawet zszargać nerwy Kylo Renowi. Aktor zawsze doskonale radził sobie z odgrywaniem pasywno-agresywnej zbroi, ale „Marriage Story” pogłębia ten potencjał, dodając mu naturalistycznego szlifu. Po trzech wcześniejszych współpracach z Baumbachem, chemia między aktorem a reżyserem nie mogłaby być już bardziej wyraźna, ponieważ „Historia małżeńska” wykorzystuje każdy aspekt twórczych atutów Drivera, by wzmocnić je w zupełnie nowy sposób. On jest objawieniem. -EK

Leonardo DiCaprio, „Once Upon a Time in Hollywood”

A Cooper/Sony/Columbia/Kobal/

Przez prawie trzy dekady kariery, DiCaprio nigdy nie zbliżył się w najmniejszym stopniu do zmierzenia się z tym rodzajem irrelewantności, który ciąży nad gasnącą hollywoodzką gwiazdą Ricka Daltona. Ale jakże doskonale oddaje to uczucie desperacji w liście miłosnym Quentina Tarantino do branży, która odeszła w przeszłość. Rick waha się między próżnością a użalaniem się nad sobą, rozważając ofertę ożywienia swojej kariery poprzez występy w spaghetti westernach, jednocześnie angażując się w rolę czarnego charakteru w nowym serialu telewizyjnym. Jest tu wiele wspaniałych scen: Rytuał Ricka polegający na próbowaniu swoich kwestii podczas wylegiwania się na tratwie w basenie; jego rozmowa o aktorstwie jako rzemiośle z ośmioletnią Trudy Styler (Julia Butters); dodawanie komentarzy podczas oglądania odcinka innego serialu, w którym gra czarny charakter, „FBI”, ze swoim kaskaderem Cliffem (Brad Pitt); zaczepianie grupy hipisów z blenderem w ręku, którzy wjechali na jego prywatną drogę. Ze względu na całkowity brak ironii DiCaprio w graniu tej wyblakłej gwiazdy telewizyjnej, wchodzisz w niego tak bardzo – jest to tak zaangażowane i szczere, jak każdy inny jego występ. DiCaprio pozostawia po sobie taki ślad, że nawet przez myśl ci nie przejdzie, że Rick jest dobrym aktorem. I nawet nie musiał jeść wątroby żubra, żeby to zrobić. -CB

Jimmy Fails, „The Last Black Man in San Francisco”

„The Last Black Man in San Francisco” to historia Jimmy’ego Failsa i łatwo zauważyć, jak z perspektywy czasu błędem byłoby sprowadzenie do jej zakotwiczenia aktora z większym doświadczeniem. Tam, gdzie aktor o „większym zasięgu” mógłby szukać bardziej konkretnej motywacji fabularnej, tam czystość celu i rzeczowość, z jaką Fails wnosi do swojej quixotycznej pogoni za odzyskaniem (i utrzymaniem) rodzinnego domu, a w końcu swojego miasta, stanowią sedno tego, co sprawia, że film działa. Jest to głęboko odczuwalny występ, w którym można poczuć, że Fails, wraz ze swoim współtwórcą Joe Talbotem, niemalże reżyseruje film. Rytmy obsady drugoplanowej są zestrojone z przekazem Failsa, kapryśne piękno zdjęć miasta autorstwa Adama Newport-Berry jest soczewką, przez którą widzi je nasz bohater, a melancholijny podtekst jest wypisany na jego twarzy za pomocą rozdzierających wnętrzności ujęć. Bolesna historia „odnowy miejskiej” otrzymuje osobistą historię dzięki „Last Black Man”, który dokonuje mądrego wyboru, nie umieszczając filtra między bijącym sercem a widzem. -CO

Song Kang-Ho, „Parasite”

Neon

Najbardziej surowe i elektryzujące momenty w występie Song Kang-ho zazwyczaj znajdują się w stanach przejściowych pomiędzy emocjami, lub w przestrzeniach granicznych, gdzie są one nakładane na siebie nawzajem – kiedy szczęście stapia się z przerażeniem, lub obowiązek jest posolony zemstą – co pomaga wyjaśnić, dlaczego najbardziej elastyczny filmowiec na świecie nie może zrobić filmu bez niego.

„Parasite” to czwarta współpraca Songa z Bong Joon Ho, ale żadne z ich poprzednich niezwykłych przedsięwzięć („Memories of Murder”, „The Host” i „Snowpiercer”) nie było tak bardzo uzależnione od zdolności aktora do zajmowania kilku różnych przestrzeni naraz, ani tak bardzo oparte na niestabilnym konflikcie z samym sobą jego postaci. Song gra Kim Ki-taeka, patriarchę ubogiej seulskiej rodziny, której losy zaczynają się zmieniać, gdy jeden po drugim, każdy z nich zaczyna kombinować, jak zatrudnić się u nowobogackiej rodziny mieszkającej na wzgórzu. Gwałtowna tragikomedia, która stamtąd wybucha, może poszczycić się tak głębokim zespołem, jak każdy inny film Bonga, ale to Song jest złamanym sercem tej historii. -DE

George Mackay, „1917”

Jeśli ambitna epopeja wojenna Sama Mendesa w jednym ujęciu jest skazana na uczynienie gwiazdą jakiegokolwiek pojedynczego gracza, to jest to George MacKay, który od dawna był najlepszą rzeczą w wielu znacznie mniejszych filmach (od skądinąd ponurej „Ofelii” po niedocenioną „Marrowbone”). Zmęczony wojną kapral Schofield to najbardziej dorosła rola, jaką zagrał brytyjski aktor, ale taka, która opiera się na jego szczenięcych oczach, aby jeszcze bardziej sprzedać wielki horror I wojny światowej i wielu młodych mężczyzn, których ukradła ona światu. Początkowo odporny na szaloną misję, którą wraz z kapralem Blake’iem (Dean-Charles Chapman) otrzymują na początku filmu – można odnieść wrażenie, zarówno z podpowiedzi scenariusza, jak i z cudownej fizycznej sprawności MacKaya, że już wcześniej podejmował się takich szalonych pomysłów i wie, jak się one kończą – jego Schofield wkrótce zostaje wepchnięty w jeszcze większą służbę niż Blake. Jeśli Blake o dziecięcej twarzy jest sercem filmu, to MacKay wyłania się jako jego odważna i złamana dusza. MacKay może być naszym następnym wielkim odtwórcą głównej roli, ale jego praca w „1917” stanowi solidny argument za tym, że już osiągnął ten wyśrubowany poziom. -KE

Eddie Murphy, „Dolemite Is My Name”

Netflix

Są pewne gwiazdy, które wchodząc na ekran, wnoszą obecność i znajomość, która wykracza poza ramy jakiejkolwiek roli. Eddie Murphy od lat ukrywa przed nami ten strzelający z biodra, oceniany jako przebiegłość urok, który uczynił z niego gwiazdę, dzięki filmom dla dzieci i roli w roli w filmie „Bowfinger”. Nie jest po prostu miło mieć go z powrotem w „Dolemite” i zobaczyć, że wciąż ma to coś, ale zobaczyć, jak wykorzystuje tę siłę gwiazdy, by ożywić zuchwałego ducha Rudy’ego Raya Moore’a. Jest to spektakl pełen miłości i szacunku, nie tylko dla starego przyjaciela Murphy’ego, Moore’a, ale dla całego twórczego przedsięwzięcia. Z pomocą kostiumów Ruth Carter, Murphy wciela się w postać Moore’a, rozwijając swoją własną osobowość. Jest to biografia, która nie potrzebuje tragicznego skrętu w lewo, aby zbadać niebezpieczeństwo sukcesu, a zamiast tego celebruje – głównie dzięki Murphy’emu/Moore’owi kierującemu swój reflektor na obsadę drugoplanową, zwłaszcza Da’Vine Joy Randolph – ujawniając piękny talent performatywny w ludziach, którzy nie spodziewają się być gwiazdami. -CO

Matthew McConaughey, „The Beach Bum”

Neon

Oczywiście nie jest to rola, która kiedykolwiek zdobyłaby uznanie nagród, ale w lepszym świecie byłaby: „Moondog” Matthew McConaughey’a nie ma żadnych szczególnych celów, do których dąży, żadnych realnych przeszkód, które chce pokonać, żadnego „znaczenia” dla historii czy zainteresowania zmianami społecznymi; tak naprawdę niewiele transformacji wymaga od samego McConaughey’a, by go zagrać. Ale ten opalony poeta chłonący życie w Miami i Florida Keys w całej jego surrealistycznej chwale jest czymś więcej niż tylko postacią: jest chodzącym światopoglądem, odrzuceniem osobowości typu A, prorokiem pozwalającym, by życie przytrafiło się tobie, a nie byś zawsze był na miejscu kierowcy.

Nie tak mało dzieje się w najnowszym arcydziele Harmony’ego Korine’a z Florydy: dzieje się wiele, z którymi Moondog musi sobie poradzić, w tym nieoczekiwany spadek, jeszcze bardziej nieoczekiwana nagroda literacka i krwawo zabawne spotkanie Martina Lawrence’a z rekinem. McConaughey wita wszystkie te wydarzenia w tej przesiąkniętej Coppertonem picaresce za każdym razem w ten sam sposób – jego usta są lekko rozchylone, ramiona kołyszą się, jakby miał spaść z belki balansowej, a z jego gardła wydobywa się kosmiczny śmiech. Przypomina Davida Woodersona z „Dazed and Confused”, ale nie ma w nim nawet odrobiny ukrytej grozy czy próżności: Moondog to platoński ideał postaci McConaugheya. -CB

Andre Holland, „High Flying Bird”

Netflix

Dramat sportowy w reżyserii Stevena Soderbergha dostarczył długo oczekiwanej szansy na rolę pierwszoplanową dla nie w pełni wykorzystanego i niezwykle utalentowanego Andre Hollanda, który zapewnia dynamiczny występ. Holland przebojem wdarł się na ekrany grając drugoplanową postać w serialu Cinemax „The Knick” Soderbergha, ale w „High Flying Bird” to już całkowicie jego show, z czego w pełni korzysta. To kreacja rodem z „Ocean’s 11” George’a Clooneya, nadająca jego postaci podobny rodzaj przebiegłego uroku. Turbodoładowany, obfitujący w dialogi scenariusz Tarella Alvina McCraneya daje utalentowanej obsadzie filmu, na czele z Hollandem w roli gładkiego, szybko mówiącego agenta, wiele do przeżucia. Holland zazwyczaj gra dość powściągliwe postaci, więc ta rola była dla niego ekscytującą odmianą. Wygląda na to, że przeżywa czas swojego życia, będąc zdecydowanym i zadziornym w najmniej pretensjonalny sposób. Wyraźnie panuje nad każdym momentem, dając warstwowy występ z niemal perfekcyjnymi uderzeniami. Widzowie rzadko mają okazję zobaczyć go w takiej odsłonie, a to całkiem niezłe widowisko. Wymaga wielokrotnego oglądania i pokazuje, dlaczego już teraz jest uważany za jednego z najlepszych aktorów swojego pokolenia. -TO

Robert Pattinson, „High Life”

Tak ciasno zwinięty i ukryty występ, jaki można znaleźć w tym roku, Robert Pattinson wciąż płonie intensywnością jako Monte, więzień skazany na dożywocie pracujący na pokładzie statku więziennego w głębokiej przestrzeni kosmicznej. Claire Denis reżyseruje każde ujęcie z tak wielką precyzją, zarówno jeśli chodzi o kadrowanie, jak i blokowanie aktorów oraz ich bardzo kontrolowane występy, że odnosi się wrażenie braku powietrza i klaustrofobii – dusznego nastroju, który doskonale pasuje zarówno do podwodnej odysei kosmicznej, jak i do opowieści o więzieniu. Pattinson jest na chłodnej fali Denisa: Poznajemy go głównie poprzez jego izolację od innych postaci (nie chce być dotykany) i obsesyjną powtarzalność jego codziennej rutyny, w tym ujęcia skrupulatnego rytuału golenia Monte (z ostrą krawędzią zamiast prawdziwej brzytwy). To postać, która definiuje się jako odległa, a jednak jej uduchowiony łuk wprowadza ją na ścieżkę prowadzącą do zostania opiekunem – co Pattinson przekazuje w całości poprzez przywiązanie Monte do procesu i rutyny oraz wariacje, które nieuchronnie się pojawiają. To, gdzie to wszystko się kończy, jest jak bardziej tajemnicza wersja „Interstellar”, ale także o wiele bardziej emocjonalna. -CB

Joaquin Phoenix, „Joker”

Warner Bros.

Kochaj czy nienawidź, „Joker” wywołał więcej debat niż jakikolwiek inny film wydany w tym roku. Niemniej jednak, trudno sobie wyobrazić, by historia pochodzenia superzłoczyńcy Todda Phillipsa przyciągnęła tyle uwagi bez koszmarnego występu w jej centrum. Jako Arthur Fleck, ponury mieszkaniec Gotham borykający się z wieloma chorobami psychicznymi i niepowodzeniami w karierze, Phoenix wykorzystuje jedne ze swoich najlepszych występów w ostatnim czasie – od „Mistrza” po „You Were Never Really Here” – by stać się człowiekiem zdefiniowanym przez mroczne siły pochłaniające go z każdej strony.

Brad Pitt, „Ad Astra”

„Ad Astra” zaczyna się od tego, że grany przez Brada Pitta major Roy McBride cieszy się jakimś szczególnym czasem „dla siebie” w swoim szczęśliwym miejscu wysoko nad Ziemią. Na swój sposób jest on parodią męskości tak samo jak Tyler Durden; idealny bohater dla filmu, który jest mniej udręczony ogromem kosmosu niż małością człowieka. Pitt rozumie tę rolę jak własną kieszeń i daje spektakl, który przekształca bierność w śmiertelną formę samoobrony. Aktor jest próżnią samą w sobie, a jego pusta i zadowolona ekspresja sprawia, że Tyler Durden chciałby uderzyć go w jego idealną twarz. I wtedy Roy spada na Ziemię. Ogromny i tajemniczy skok napięcia powoduje, że antena zaczyna wariować i wszyscy stojący na niej zostają wysłani w dół (na szczęście ze spadochronem). Jest to doskonały mikrokosmos dla filmu, który ma nadejść: Im dalej Roy podróżuje w kosmos, tym bardziej zbliża się do domu. Nawet widziana oczami Pitta akcja sprawia wrażenie, jakby rozgrywała się w kimś innym. Każda część podróży Roya wymazuje się sama – każdy krok, który wykonuje w ślady ojca, oddala go od stania się własnym człowiekiem. -DE

Ashton Sanders, „Native Son”

HBO

Aston Sanders w każdej scenie samotnie dźwiga film Rashida Johnsona. Film stawia przed nim zadanie poprowadzenia współczesnej wersji literackiego antybohatera Biggera Thomasa przez bardzo skomplikowany i niepokojący teren. Jako bohater prowokacyjnej powieści Richarda Wrighta z 1939 roku, Bigger jest zbyt abstrakcyjny dla samego siebie. Ale scenariusz Johnsona, wraz z Sandersem w tej roli, wykonują mnóstwo ciężkiej pracy, aby spróbować go wypełnić.

Podczas gdy film sam w sobie nie zawsze trzyma się kupy, bogaty emocjonalnie występ Sandersa pomaga utrzymać go w napięciu przez cały czas. Sprawia on, że trudna sytuacja Biggera staje się relatywna, a widzowie odczuwają jego niepokój, strach i irytację otaczającym go światem. Sposób, w jaki aktor jest w stanie opowiedzieć większość historii swojej postaci poprzez mimikę twarzy i subtelne manieryzmy, prezentując się z pewną autorytatywną swadą – pomimo tak szczupłej, a nawet wątłej budowy ciała – jest zachwycający. Sanders zamienia powieść Wrighta w osobliwy portret, który pokazuje, dlaczego jest on tak wielkim talentem ekranowym. To występ młodego zwycięzcy „Moonlight”, który – podobnie jak to miało miejsce w nagrodzonym Oscarem filmie – pozostaje w pamięci na długo po zakończeniu napisów końcowych. -TO

Adam Sandler, „Uncut Gems”

Adam Sandler przez lata wcielał się w wiele obleśnych, pochłoniętych sobą postaci, ale w „Uncut Gems” gra najbardziej pogardliwą postać w 30-letniej karierze. Reżyserzy Joshua i Benny Safdie w swojej kontynuacji „Dobrego czasu” nadają na tej samej fali – ściernej, obłąkanej, napędzanej przez niewyobrażalną plamę ruchu i hałasu. Jest to również porywający akt na linie, łączący kosmiczne wizualizacje z energią mrocznego thrillera psychologicznego i nagłymi wybuchami szaleńczej komedii, a także pierwszy film, który prawdziwie obcuje z performatywnymi atutami Sandlera od czasu „Punch-Drunk Love”.”

Weź frenetyczną sagę Howarda Ratnera – szybko mówiącego jubilera, zawsze goniącego za następnym wielkim wynikiem – dodaj kilka niskich punchline’ów, a „Uncut Gems” mógł działać równie dobrze jako jeden z tych późnych lat dziewięćdziesiątych Happy Madison yukfests, wciśnięty gdzieś w „The Waterboy” i „Big Daddy”. Zamiast tego, podnosi on postać Sandlera do bardziej wiarygodnego środowiska, intensyfikując jego najbardziej napastliwe cechy, nawet jeśli daje mu miejsce na znalezienie odrobiny duszy. Sandler zawsze świetnie radził sobie ze wzbudzaniem sympatii do grzeszników, ale filmy często nie nadążają za nim. „Uncut Gems” dociera do istoty geniuszu, który przez cały czas ukrywał się na widoku. -EK