Emma Amos – Galeria RYAN LEE

BIOGRAFIA

Emma Amos (ur. 1937 Atlanta, GA – zm. 2020 Bedford, NH) była pionierską artystką, edukatorką i aktywistką. Jako dynamiczna malarka i mistrzowska kolorystka, jej zaangażowanie w kwestionowanie historyczno-artystycznego status quo zaowocowało wieloma żywymi i intelektualnie rygorystycznymi pracami. Pod wpływem nowoczesnej sztuki zachodnioeuropejskiej, abstrakcyjnego ekspresjonizmu, ruchu praw obywatelskich i feminizmu, Amos została pociągnięta do badania polityki kultury i kwestii rasizmu, seksizmu i etnocentryzmu w swojej sztuce. „Zawsze twierdziłam”, powiedziała kiedyś Amos, „że dla mnie, czarnej kobiety-artystki, wejście do studia jest aktem politycznym.”

Artystka znana z przesuwania technicznych i tematycznych granic, Amos bez wahania tworzyła sztukę, która odzwierciedlała doświadczenia czarnych kobiet, nawet wtedy, gdy taka sztuka wywoływała niewielki lub żaden odzew ze strony jej męskich rówieśników i krytyków. Głęboki wpływ wywarły na nią ruchy na rzecz praw obywatelskich i czarnych, które domagały się uznania w świecie sztuki. W 1964 roku Amos została członkiem Spiral, ważnego afroamerykańskiego kolektywu, ale odkryła, że wysiłki na rzecz reprezentacji czarnych w świecie sztuki często pomijały kobiety. Następnie zaangażowała się w działalność różnych podziemnych kolektywów feministycznych, w tym Heresies w latach 1982-1993 oraz pionierskiej grupy Guerilla Girls po jej założeniu w 1985 roku. Jako jedna z niewielu czarnoskórych członkiń kolektywu Heresies, była ważnym kontrpartnerem przy publikacji numeru czasopisma z 1982 roku, w którym dyskutowano na temat rasy w feministycznym ruchu artystycznym. Żywe i mocne obrazy Amos są często celebracją czarnego ciała, konsekwentnie przypominając widzom, krytykom i całemu światu sztuki o niezaprzeczalnie ważnej obecności czarnego i kobiecego ciała, które tak często było pomijane.

Wczesne abstrakcyjne prace Amos, pozostające pod silnym wpływem abstrakcyjnego ekspresjonizmu, pop-artu i malarstwa Color Field, pokazują początkowe zainteresowanie eksperymentowaniem z kolorem i przestrzenią, co zaowocowało wysoce kolorystycznymi obrazami „Attitude” w latach 60. W tych pracach młoda Amos, która dopiero zaczynała swoją karierę w Nowym Jorku, często przedstawiała siebie w śmiałych i kolorowych kompozycjach. Beztroska natura tych obrazów ustąpiła miejsca bardziej dojrzałym refleksjom Amos na temat jej równoczesnych ról jako matki, żony i artystki, gdy w latach 70. budowała swoją rodzinę. To właśnie podczas pracy nad tymi dziełami Amos po raz pierwszy wprowadziła charakterystyczną dla siebie figurę w strumieniu. To zainteresowanie kolorem i ruchem, wraz z rosnącym zaangażowaniem społecznym i politycznym, dało początek serii „Sportowcy i zwierzęta” we wczesnych latach 80. W tej serii obrazów Amos rozważa piękno i siłę czarnych sportowców oraz dzikich zwierząt – rasistowskich porównań używanych w przeszłości do oczerniania czarnych mężczyzn i kobiet. Paralelizując wizerunki sportowców z lwami, gepardami i krokodylami, artystka sugeruje ulotną i iluzoryczną siłę, zarówno fizyczną, jak i wpływową, czarnego sportowca.

Późniejsza „Seria upadków” Amos odnosi się w szczególności do jej własnych niepokojów związanych z wymazywaniem historii, miejsca i ludzi. W ramach tej serii prac artystka rozważała również kryzys ekonomiczny ery Reagana i otchłań. Przedstawiała tancerzy, śpiewaków i inne postacie ślizgające się, potykające i pędzące przez wyabstrahowane przestrzenie wśród ikonicznej i klasycznej architektury, motywów mitologicznych oraz symboli muzyki jazzowej i bluesowej, jako sposób na przetwarzanie jej własnych społecznych i osobistych niepokojów.

Flagi amerykańskie i konfederackie często pojawiają się w twórczości Amos, co stanowi refleksję nad konceptualnym i historycznym znaczeniem nacjonalistycznej, wspólnotowej i rasistowskiej natury tych symboli w społeczeństwie i własnym doświadczeniu Amos. Znak „x” Konfederacji przecina wiele z jej prac z lat 90. W większości swoich prac z połowy kariery i późniejszych, Amos wykorzystywała tradycyjne afrykańskie tkaniny jako obramowania swoich kompozycji. Jako utalentowana tkaczka, włączała do swoich obrazów także kolaże z własnych tkanin, celowo zacierając w ten sposób genderowe granice między rzemiosłem a sztukami pięknymi. Praktykę tę kontynuowała przez resztę swojej kariery. Żywe prace, które Amos wyprodukowała w latach 2000 są kulminacją trwałego znaczenia jej głębokiej i trwającej całe życie pasji do koloru, aktywizmu i innowacji technicznych.

Urodzona w segregowanej Atlancie, GA, Amos ukończyła Antioch College w Ohio w 1958 roku i kontynuowała studia w Central School of Art w Londynie. Po ukończeniu studiów w Anglii, Amos przeniosła się do Nowego Jorku. Choć w końcu stała się aktywna na śródmiejskiej scenie artystycznej, pracując u boku wybitnych artystów, takich jak Romare Bearden, Hale Woodruff, Norman Lewis, Alvin Hollingsworth i Charles Alston, Amos z trudem odnajdywała się w mieście, przekonując się, że z powodu jej wieku, płci i rasy stawiano przed nią poważne przeszkody. W 1965 roku uzyskała tytuł magistra sztuki na Uniwersytecie Nowojorskim i zaczęła uczyć sztuki w Dalton School w Nowym Jorku. W 1980 roku została profesorem, a następnie przewodniczącą wydziału sztuk wizualnych w Mason Gross School of Art na Rutgers University. Uczyła tam przez 28 lat.

W 2016 roku Amos otrzymała nagrodę Georgia Museum of Art’s Larry D. and Brenda A. Thompson i została uhonorowana przez Studio Museum w Harlemie jako Icon and Trailblazer, wraz z Faith Ringgold i Lorraine O’Grady.

Obrazy Amos znalazły się na licznych wystawach indywidualnych i zbiorowych, w tym Montclair Museum of Art’s Changing the Subject (1994), której kuratorem była Holly Block; The College of Wooster Art Museum’s Emma Amos: Paintings & Prints, 1982-1992 (1995), której kuratorem była Thalia Gouma-Peterson; oraz Newark Museum’s Wrapped in Pride: Ghanaian Kente and African-American Identity (1999). Ostatnio prace Amosa były wystawiane w Muzeum Sztuki Współczesnej w Los Angeles na wystawie With Pleasure: Pattern and Decoration in American Art 1972-1985 (2019); oraz w Whitney Museum of American Art’s Spilling Over: Painting Color in the 1960s (2019); oraz na wystawie We Wanted A Revolution w Brooklyn Museum w 2017 roku: Black Radical Women, 1965-85. Emma Amos: Color Odyssey, retrospektywa prac Amos, zostanie otwarta w Georgia Museum of Art w 2021 roku i będzie podróżować do Philadelphia Museum of Art i Munson-Williams-Proctor Arts Institute w Nowym Jorku.

Jej prace znajdują się w kolekcjach Baltimore Museum of Art, MD; Bass Museum of Art, FL; Birmingham Museum of Art, AL; British Museum, Londyn; Bronx Museum of Art, NY; Brooklyn Museum of Art, NY; James F. Byrnes Institute, Niemcy; Museo de las Artes, Meksyk; Metropolitan Museum of Art, NY; Minneapolis Museum of Art, MN; Museum of Modern Art, NY; Newark Museum, NJ; Studio Museum in Harlem, NY; Whitney Museum of American Art, NY, i Yale University Art Gallery, CT, między innymi.

.