Emma Amos – RYAN LEE Gallery

BIOGRAPHY

Emma Amos (geb. 1937 Atlanta, GA – geb. 2020 Bedford, NH) was een baanbrekend kunstenaar, pedagoog en activist. Ze was een dynamische schilderes en een meesterlijke coloriste. Haar streven om de kunsthistorische status quo te ondervragen resulteerde in een levendig en intellectueel rigoureus oeuvre. Beïnvloed door moderne West-Europese kunst, abstract expressionisme, de Civil Rights beweging en feminisme, werd Amos aangetrokken tot het onderzoeken van de politiek van cultuur en kwesties van racisme, seksisme, en etnocentrisme in haar kunst. “Het is altijd mijn stelling geweest,” zei Amos eens, “dat voor mij, een zwarte vrouwelijke kunstenaar, de studio binnenlopen een politieke daad is.”

Een kunstenaar die bekend staat om het verleggen van technische en thematische grenzen, Amos maakte ongegeneerd kunst die de ervaring van zwarte vrouwen weerspiegelde, zelfs wanneer deze kunst weinig tot geen reactie van haar mannelijke collega’s en critici opriep. Ze werd diepgaand beïnvloed door de burgerrechten en de zwarte bewegingen die erkenning eisten in de kunstwereld. Amos werd in 1964 lid van Spiral, een belangrijk Afro-Amerikaans collectief, maar merkte dat de inspanningen voor zwarte vertegenwoordiging in de kunstwereld vaak vrouwen weglieten. Daarna raakte ze betrokken bij verschillende underground feministische collectieven, waaronder Heresies van 1982 tot 1993, en de baanbrekende Guerilla Girls groep na de oprichting in 1985. Als een van de weinige zwarte leden van het Heresies-collectief, was ze een belangrijke medestander bij de publicatie van het nummer van het tijdschrift uit 1982, waarin werd gesproken over ras binnen de feministische kunstbeweging. Amos’ levendige en krachtige schilderijen zijn vaak een viering van het zwarte lichaam, en herinneren de kijker, de criticus en de kunstwereld in het algemeen consequent aan de onmiskenbaar belangrijke aanwezigheid van het zwarte en vrouwelijke lichaam dat zo vaak over het hoofd is gezien.

Amos’s vroege abstracte werken, sterk beïnvloed door het Abstract Expressionisme, Pop Art, en Color Field painting, tonen een initiële interesse in het experimenteren met kleur en ruimte, resulterend in zeer coloristische “Attitude” schilderijen in de jaren zestig. In deze werken beeldde de jonge Amos, die nog maar aan het begin van haar carrière in New York City stond, zichzelf vaak uit in gedurfde en kleurrijke composities. Het zorgeloze karakter van deze schilderijen maakte plaats voor meer volwassen reflecties van Amos’ gelijktijdige rollen als moeder, echtgenote en kunstenaar terwijl ze in de jaren 1970 haar gezin opbouwde. Het is tijdens het werken aan deze werken dat Amos voor het eerst haar kenmerkende figuur in flux introduceerde. Deze interesse in kleur en beweging, samen met een groeiend sociaal en politiek engagement gaf aanleiding tot haar “Athletes and Animals” serie in het begin van de jaren 1980. In deze serie schilderijen beschouwt Amos de schoonheid en kracht van zwarte atleten en wilde dieren – een racistische vergelijking die in het verleden werd gebruikt om zwarte mannen en vrouwen te denigreren. Door beelden van sporters te vergelijken met leeuwen, cheeta’s en krokodillen suggereert ze de vluchtige en illusoire kracht, zowel in lichamelijkheid als in invloed, van de zwarte atleet.

Amos’s latere “Falling Series” heeft specifiek betrekking op Amos’ eigen angsten rond het uitwissen van de geschiedenis, plaats en mensen. Binnen deze serie werken stond ze ook stil bij de economische crisis van het Reagan-tijdperk en de afgrond. Ze beeldde dansers, zangers en andere figuren af die door geabstraheerde ruimtes glijden, tuimelen en razen tussen iconische en klassieke architectuur, mythologische motieven en symbolen van jazz- en bluesmuziek, als een manier om haar eigen sociale en persoonlijke angsten te verwerken.

De Amerikaanse en Confederatievlaggen komen vaak voor in Amos’ oeuvre, dat reflecteert op de conceptuele en historische betekenis van het nationalistische, communitaire en racistische karakter van deze symbolen binnen de maatschappij en Amos’ eigen levenservaring. De ‘x’ van de Confederatie doorsnijdt veel van haar werken uit de jaren 1990. In veel van haar werken uit het midden van haar carrière en later, maakte Amos gebruik van traditionele Afrikaanse stoffen als randen voor haar composities. Als volleerd weefster nam ze ook collages van haar eigen weefsels op in haar schilderijen, waardoor de gendergebonden grenzen tussen kunstnijverheid en beeldende kunst opzettelijk vervaagden. Ze bleef dit doen gedurende de rest van haar carrière. De levendige werken die Amos in de jaren 2000 produceerde, zijn een hoogtepunt van het blijvende belang van haar diepe en levenslange passie voor kleur, activisme en technische innovatie.

Geboren in het gesegregeerde Atlanta, GA, studeerde Amos in 1958 af aan het Antioch College in Ohio en ging ze vervolgens studeren aan de Central School of Art in Londen. Na het beëindigen van haar studies in Engeland, verhuisde Amos naar New York City. Hoewel ze uiteindelijk actief werd in de kunstscène van het centrum en samenwerkte met prominente kunstenaars als Romare Bearden, Hale Woodruff, Norman Lewis, Alvin Hollingsworth en Charles Alston, had Amos het moeilijk om voet aan de grond te krijgen in de stad en ondervond ze dat er aanzienlijke obstakels tegen haar werden opgeworpen vanwege haar leeftijd, geslacht en ras. In 1965 behaalde ze haar Master in Arts aan de New York University en ging ze kunst doceren aan de Dalton School in New York. In 1980 werd ze professor en later voorzitter van de afdeling beeldende kunst aan de Mason Gross School of Art van de Rutgers University. Ze gaf daar 28 jaar les.

In 2016 ontving Amos de Georgia Museum of Art’s Larry D. and Brenda A. Thompson award en werd ze geëerd door het Studio Museum in Harlem als een Icon and Trailblazer, samen met Faith Ringgold en Lorraine O’Grady.

Amos’s schilderijen zijn opgenomen in talrijke solo- en groepstentoonstellingen, waaronder Changing the Subject (1994) van het Montclair Museum of Art, samengesteld door Holly Block; Emma Amos van het College of Wooster Art Museum: Paintings & Prints, 1982-1992 (1995), samengesteld door Thalia Gouma-Peterson; en Wrapped in Pride van het Newark Museum: Ghanaian Kente and African-American Identity (1999). Meer recentelijk werd Amos’ werk tentoongesteld in het Museum of Contemporary Art, Los Angeles’s With Pleasure: Pattern and Decoration in American Art 1972-1985 (2019); en in het Whitney Museum of American Art’s Spilling Over: Painting Color in the 1960s (2019); en in 2017 in het Brooklyn Museum’s tentoonstelling We Wanted A Revolution: Black Radical Women, 1965-85. Emma Amos: Color Odyssey, een retrospectief van Amos’ werk, opent in 2021 in het Georgia Museum of Art en zal reizen naar het Philadelphia Museum of Art en het Munson-Williams-Proctor Arts Institute in New York.

Haar werk is opgenomen in de collecties van het Baltimore Museum of Art, MD; Bass Museum of Art, FL; Birmingham Museum of Art, AL; British Museum, Londen; Bronx Museum of Art, NY; Brooklyn Museum of Art, NY; James F. Byrnes Institute, Duitsland; Museo de las Artes, Mexico; Metropolitan Museum of Art, NY; Minneapolis Museum of Art, MN; Museum of Modern Art, NY; Newark Museum, NJ; Studio Museum in Harlem, NY; Whitney Museum of American Art, NY, en Yale University Art Gallery, CT, onder anderen.