De 15 Beste Filmprestaties Door Acteurs in 2019

Er was een moment in de filmgeschiedenis dat mannelijke acteurs zich hielden aan de traditionele verwachtingen van het sterrendom: Mannelijke branie, overmoed, gebeitelde goedzakken die geen gevoelige kant durven te onthullen. Afgaande op de beste prestaties van dit jaar is die tijd voorgoed voorbij. Veel van de beste mannelijke hoofdrollen van het jaar toonden fragiele, onzekere personages die worstelden met de veranderende wereld om hen heen, zelfs als veel van hen afkomstig waren van filmsterren.

Vorig jaar rond deze tijd waren er veel beroemde acteurs in de schijnwerpers. De wereld zwijmelde over Bradley Cooper’s tragische rockster Jackson Maine in “A Star Is Born”, terwijl Rami Malek de controverses van “Bohemian Rhapsody” overwon om een Oscar-frontrunner te worden. Tegelijkertijd vierden cinefielen een van Ethan Hawke’s beste prestaties in “First Reformed” en Steven Yeun’s progressie tot een groot acteertalent met Lee Chang-dong’s “Burning.”

De hoogtepunten van het jaar hebben deze keer een vergelijkbare balans: Afgezien van de doorbraken en bijrollen, hebben de beste hoofdrolspelers dit jaar ofwel hun vertrouwde talenten in nieuwe richtingen geduwd, of het sprankje talent uit eerder werk genomen en het getransformeerd naar een hoger niveau van creatieve expressie. Dit zijn de 15 beste filmprestaties van acteurs in 2019; voor de beste actrices van het jaar, ga hier.

Antonio Banderas, “Pain and Glory”

In “Pain and Glory,”speelt Banderas de filmmaker Salvador Mallo, die zijn depressie en rugpijn verdrijft met een krachtige cocktail van pijnstillers, alcohol en heroïne terwijl hij terugblikt op zijn levensverhaal in film. Banderas heeft nog nooit een prestatie als deze geleverd: intiem, subtiel, emotioneel, gevoelig, ontvankelijk. Pedro Almodóvar overwoog twee reserveacteurs omdat hij niet zeker was of zijn oude vriend geschikt was voor de rol. Banderas bewees dat hij het was.

Banderas worstelde met zijn terugkeer naar acteren met zijn mentor na 22 jaar met 2011 psychothriller “The Skin I Live In.” Niettemin nam hij gretig “Pain and Glory” aan, waarin hij de ouder wordende Spaanse auteur speelt die hem een carrière-lanceerplatform gaf met jaren ’80-films als “Labyrinth of Passion” en “Tie Me Up! Tie Me Down!” Hij heeft de regisseur niet geïmiteerd, maar hij is er wel met zijn stekelige haar, de manier waarop hij zijn rug beschermt, de replica van zijn huis in Madrid, en zelfs een aantal van zijn eigen kleren. Voor een sleutelscène verraste de regisseur Banderas en tegenspeler Leonardo Sbaraglia – die voormalige geliefden spelen die elkaar al jaren niet meer hebben gezien – door hen te vertellen dat ze een diepe kus moeten geven die zo erotisch is dat ze beiden erdoor opgewonden raken. Banderas liet zijn filmster-instrumenten links liggen en leunde in plaats daarvan op de kwetsbaarheid die hij meekreeg van het overleven van een lichte hartaanval twee jaar geleden. Hij wierp zich in de handen van zijn regisseur, en het resultaat is magisch. -AT

Christian Bale, “Ford v Ferrari”

In het centrum van de percussieve, beentrekkende, intense raceauto film “Ford v Ferrari” zijn twee yin en yang vrienden en medewerkers die elkaar nodig hebben. James Mangold’s strakke, emotionele film laat autocoureur-ontwerper Carroll Shelby (Matt Damon) en de begaafde coureur Ken Miles (Christian Bale) het echte drama beleven terwijl ze een radicale, nieuwe, stoere en snelle raceauto (de GT-40) bouwen voor Henry Ford II, met als doel Enzo Ferrari’s racers te verslaan tijdens de wrede 24-uurs race van Le Mans in 1966. Oscarwinnaars Damon en Bale spelen tegenovergestelde kanten van dezelfde medaille: Shelby is de Texaanse showman die met de pakken kan omgaan, maar doorleeft zijn vriend, die geen compromissen kan sluiten in zijn streven naar de perfecte ronde. Hij blijft trouw aan zichzelf. Mangold, die met Bale werkte aan “3:10 to Yuma”, vond dat de rol in veel opzichten dicht bij Bale stond, die een familieman is. Hij kwam naar de set vol ideeën en energie, en inspireerde zijn medespelers.

Fox

De rustige scènes tussen Miles en zijn jonge zoon (Noah Jupe) vormen het middelpunt van de film en ondersteunen alle racescènes die nog komen. “Ford v Ferrari” combineert intieme momenten met actie; omdat je om Miles geeft, leef je met hem mee terwijl hij zichzelf door de snelle bochten van de Le Man-duurtest praat. Bale baseerde zijn accent op de wijk West Birmingham in Groot-Brittannië waar Miles opgroeide, en hij had een lijst met gezegden uit die buurt bij zich om in de auto uit te spreken. Ze stonden niet in het script. De uitkomst van de Le Mans-race in de film is waar – er zijn genoeg foto’s van. Bale’s creativiteit, mannelijkheid en rebelse geest drijven de film, en maken het publiek aan het huilen. -AT

Adam Driver, “Marriage Story”

Netflix/screenshot

Op het moment dat “Marriage Story” op Netflix kwam, had de hype rond Adam Driver’s vertolking van het Stephen Sondheim-nummer “Being Alive” de stratosfeer al bereikt. En ja, dat late optreden in de derde akte, wanneer Driver’s experimentele theaterregisseur Charlie de microfoon hanteert in het klassieke chique New Yorkse eethuis de Knickerbocker, laat zeker veel van zijn talent zien – een vermogen om zowel gereserveerd als geanimeerd tegelijk over te komen, sudderend van emoties en toch op de een of andere manier ingesloten. Tegen die tijd heeft Driver echter al zijn beste prestatie tot nu toe geleverd, als het personage zich een weg baant door de tumultueuze ontbinding van zijn huwelijk en tot de conclusie komt dat het grotendeels zijn schuld is.

Driver geeft Charlie een stekelige koppigheid in de eerste scènes van de film, als hij worstelt met het besluit van zijn vrouw Nicole (Scarlett Johannson) om hun relatie te beëindigen en de voogdij over hun kind te vragen. Maar de acteur laat van scène tot scène een subtiele evolutie zien, als Charlie’s onpraktische vastberadenheid plaatsmaakt voor het fragiele wezen onder de oppervlakte, en zijn sudderende frustraties uitbarsten in een vechtpartij die eindigt met de volwassen man die in tranen uitbarst. Wanneer Charlie eindelijk zijn kalmte verliest, ontketent Driver een soort brutale intensiteit die zelfs Kylo Ren op de zenuwen zou werken. De acteur heeft altijd al uitgeblonken in het projecteren van een passief-agressief pantser, maar “Marriage Story” verdiept dat potentieel door het te injecteren met een naturalistische polijsting. Na drie eerdere samenwerkingen met Baumbach kan de chemie tussen acteur en regisseur niet duidelijker gedefinieerd worden, want “Marriage Story” maakt gebruik van elk facet van Driver’s creatieve krachten om ze op een geheel nieuwe manier te versterken. Hij is een openbaring. -EK

Leonardo DiCaprio, “Once Upon a Time in Hollywood”

A Cooper/Sony/Columbia/Kobal/

Tijdens zijn carrière van bijna drie decennia is DiCaprio nog nooit in de buurt gekomen van het soort irrelevantie dat opdoemt over Rick Daltons verdwijnende Hollywoodsterrendom. Maar hoe perfect weet hij dat gevoel van wanhoop te vangen in Quentin Tarantino’s liefdesbrief aan een voorbije industrie. Rick twijfelt tussen ijdelheid en zelfmedelijden als hij nadenkt over een aanbod om zijn carrière nieuw leven in te blazen door in spaghettiwesterns te gaan spelen, terwijl hij zich stort op een bijrol als schurk in een nieuwe tv-serie. Zoveel geweldige scènes volgen: Ricks ritueel om zijn tekst te oefenen terwijl hij op een vlot in zijn zwembad ligt; zijn gesprek over acteren als ambacht met de achtjarige Trudy Styler (Julia Butters); zijn commentaar terwijl hij met zijn stuntman Cliff (Brad Pitt) naar een aflevering van een andere serie kijkt waarin hij een schurk speelt, “FBI”; het aanklampen van een groep hippies, met een mixer in de hand, die zijn oprijlaan op zijn privéterrein zijn opgereden. Door DiCaprio’s totale gebrek aan ironie in het spelen van deze vervaagde TV-ster, ga je zo in hem investeren – het is zo toegewijd en oprecht als elke andere prestatie die hij heeft gegeven. DiCaprio laat zo’n indruk achter dat hij je zelfs laat denken dat Rick een goede acteur is. En hij hoefde er niet eens bizonlever voor te eten. -CB

Jimmy Fails, “The Last Black Man in San Francisco”

“The Last Black Man in San Francisco” is het verhaal van Jimmy Fails, en het is gemakkelijk in te zien hoe het, achteraf gezien, een vergissing zou zijn geweest om een acteur met meer ervaring in te schakelen om het te verankeren. Waar een acteur met een “groter bereik” op zoek zou kunnen zijn naar een concretere plotmotivatie, is er de zuiverheid van doel en de zakelijke cadans die Fails in zijn quixotische streven naar het terugwinnen (en behouden) van zijn ouderlijk huis, en uiteindelijk zijn stad, in het hart van wat de film doet werken. Het is een diep gevoelde prestatie, waarbij je het gevoel hebt dat Fails, samen met zijn medeschepper Joe Talbot, de film bijna regisseert. De ritmes van de bijrollen zijn afgestemd op Fails’ spel, de grillige schoonheid van Adam Newport-Berra’s fotografie van de stad is de lens waardoor onze held de stad ziet, de melancholische ondertoon staat op zijn gezicht geschreven met hartverscheurende reactieshots. Het pijnlijke verhaal van “stadsvernieuwing” krijgt een persoonlijke geschiedenis door “Last Black Man”, dat een slimme keuze maakt door geen filter te plaatsen tussen zijn kloppend hart en het publiek. -CO

Song Kang-Ho, “Parasite”

Neon

De meest rauwe en elektriserende momenten in een optreden van Song Kang-ho zijn meestal te vinden in de overgangstoestanden tussen emoties, of in de grensgebieden waar ze over elkaar heen worden gelegd – wanneer geluk samensmelt met horror, of plicht wordt gezouten met wraak – wat helpt verklaren waarom ’s werelds meest elastische filmmaker nauwelijks een film zonder hem kan maken.

“Parasite” is Song’s vierde genre-buigende samenwerking met Bong Joon Ho, maar geen van hun buitengewone eerdere inspanningen (“Memories of Murder,” “The Host,” en “Snowpiercer”) waren zo afhankelijk van het vermogen van de acteur om meerdere verschillende ruimtes tegelijk te bezetten, noch zo geïnformeerd door de onstabiele zelfconflict van zijn personage. Song speelt Kim Ki-taek, de patriarch van een arm gezin uit Seoul, wiens fortuin begint te veranderen wanneer ze één voor één in dienst worden genomen door de nouveau riche-familie die hogerop woont. De gewelddadige tragikomedie die daar uitbarst heeft net zo’n diep ensemble als elke andere film die Bong ooit heeft gemaakt, maar Song is het gebroken hart van het verhaal. -DE

George Mackay, “1917”

Als Sam Mendes’ ambitieuze oorlogsepos in één opname van één speler een ster moet maken, dan is het George MacKay, die lange tijd het beste was in een aantal veel kleinere films (van het anders zo treurige “Ophelia” tot het ondergewaardeerde “Marrowbone”). De oorlogsvermoeide korporaal Schofield is de meest volwassen rol die de Britse acteur tot nu toe gespeeld heeft, maar wel één die steunt op zijn puppy-ogen om de grote verschrikking van WO I en de vele jonge mannen die het van de wereld gestolen heeft, verder te verkopen. Aanvankelijk verzet hij zich tegen de krankzinnige missie die hij en Lance Corporal Blake (Dean-Charles Chapman) aan het begin van de film toegewezen krijgen – uit zowel de hints in het script als MacKay’s eigen wonderbaarlijke fysieke optreden krijg je het gevoel dat hij zulke krankzinnige ideeën al eerder heeft ondernomen, en weet hoe ze meestal eindigen – maar al snel wordt zijn Schofield in nog grotere dienstbaarheid geduwd dan Blake. Als Blake met zijn babyface het hart van de film is, is het MacKay die naar voren komt als de moedige en gebroken ziel. MacKay zou onze volgende grote hoofdrolspeler kunnen zijn, maar zijn werk in “1917” maakt het solide argument dat hij al op dat ijle niveau is aangekomen. -KE

Eddie Murphy, “Dolemite Is My Name”

Netflix

Er zijn bepaalde sterren die, wanneer ze het scherm oplopen, een aanwezigheid en vertrouwdheid met zich meebrengen die verder gaat dan welke rol dan ook. Eddie Murphy verbergt al jaren die shoot-from-hip, rated-R slinkse charme die hem tot een ster maakte voor ons via kinderfilms en de rol-in-een-rol van “Bowfinger.” Het is niet alleen leuk om hem terug te zien in “Dolemite”, en om te zien dat hij “het” nog steeds heeft, maar ook om te zien hoe hij die sterrenkracht gebruikt om de stoutmoedige geest van Rudy Ray Moore tot leven te brengen. Het is een voorstelling vol liefde en eerbied, niet alleen voor Murphy’s oude vriend Moore, maar voor het creatieve streven in zijn geheel. Met de hulp van Ruth Carter’s kostuums, leeft Murphy zich in in Moore’s personage door zijn eigen performance persona te ontwikkelen. Het is een biopic die de tragische bocht naar links niet nodig heeft om het gevaar van succes te verkennen, en in plaats daarvan viert – grotendeels doordat Murphy/Moore zijn schijnwerpers richt op de ondersteunende cast, vooral Da’Vine Joy Randolph – door het prachtige performatieve talent te onthullen in mensen die niet verwachten sterren te zijn. -CO

Matthew McConaughey, “The Beach Bum”

Neon

Het is natuurlijk niet het soort rol dat ooit prijs erkenning zou krijgen, maar in een betere wereld zou dat wel zo zijn: Matthew McConaughey’s “Moondog” heeft geen specifieke doelen die hij probeert na te streven, geen echte obstakels die hij wil overwinnen, geen “belang” voor de geschiedenis of interesse in sociale verandering; in feite is er heel weinig transformatie vereist van McConaughey zelf om hem te spelen. Maar deze gebruinde dichter die het leven in Miami en de Florida Keys in al zijn surrealistische glorie opneemt, is meer dan een personage: hij is een wandelend wereldbeeld, een verwerping van de type-A-persoonlijkheid in vlees en bloed, een profeet van het leven op je af laten komen in plaats van altijd het stuur in handen te hebben.

Niet dat er weinig gebeurt in Harmony Korine’s nieuwste Floridiaanse meesterwerk: er gebeurt veel waar Moondog mee te maken krijgt, waaronder een onverwachte erfenis, een nog onverwachtere literaire prijs, en Martin Lawrence’s bloedig hilarische ontmoeting met een haai. McConaughey begroet al deze ontwikkelingen in deze met Coppertone doordrenkte picaresque vrijwel elke keer op dezelfde manier, zijn mond een beetje wijd open, zijn schouders schokkend alsof hij op het punt staat van een evenwichtsbalk te vallen, een schamper lachje dat uit zijn keel opborrelt. Hij is de cirkel rond van David Wooderson in “Dazed and Confused”, maar zonder ook maar een zweem van de latente dreiging of ijdelheid van dat personage: Moondog is het Platonisch ideaal van een McConaughey personage. -CB

Andre Holland, “High Flying Bird”

Netflix

Het door Steven Soderbergh geregisseerde sportdrama bood een langverdiende hoofdrolkans voor de onderbenutte en zeer getalenteerde Andre Holland, die een dynamische prestatie levert. Holland kreeg zijn grote doorbraak als bijrolspeler in Soderberghs Cinemax-televisieserie “The Knick”, maar in “High Flying Bird” is het helemaal zijn show, en daar maakt hij optimaal gebruik van. Het is een George Clooney-achtige “Ocean’s 11”-vertolking, die zijn personage met eenzelfde soort sluwe charme doordrenkt. Het script van Tarell Alvin McCraney, met veel dialoog, geeft de getalenteerde cast van de film, aangevoerd door Holland als een gladde, snel pratende agent, genoeg om op te kauwen. Holland speelt meestal vrij ingetogen personages, dus dit was een opwindende afwisseling voor hem, en hij ziet eruit alsof hij de tijd van zijn leven heeft door vastberaden en fel te zijn op de minst pretentieuze manier. Hij heeft duidelijk elk moment onder controle en levert een gelaagde prestatie met bijna perfecte beats. Het publiek krijgt zelden de kans om hem zo te zien ontketenen, en het is een spektakel om te zien. Het vraagt om herhaalde kijkbeurten en laat zien waarom hij nu al wordt beschouwd als een van de beste acteurs van zijn generatie. -TO

Robert Pattinson, “High Life”

Net zo’n strak opgerolde en verborgen voorstelling als je dit jaar zult vinden, brandt Robert Pattinson nog steeds van intensiteit als Monte, een gevangene die levenslang heeft gekregen en werkt aan boord van een gevangenisschip in de diepe ruimte. Claire Denis regisseert elke opname met zo’n grote precisie, in haar kadrering, de blokkering van de acteurs en hun zeer gecontroleerde prestaties, dat het gevoel er een is van luchtledigheid en claustrofobie – een verstikkende vibe die perfect past bij zowel een onderzeeër-achtige ruimte odyssee als een gevangenisverhaal. Pattinson zit op de kille golflengte van Denis: We leren hem vooral kennen via zijn isolement ten opzichte van andere personages (hij weigert aangeraakt te worden) en de obsessieve eenvormigheid van zijn dagelijkse routine, waaronder shot na shot van Monte’s nauwgezette scheerritueel (met een scherpe rand in plaats van een echt scheermes). Dit is een personage dat zichzelf definieert door afgelegen te zijn, en toch zet zijn zielvolle ontwikkeling hem op het pad naar een zorgverlener – iets wat Pattinson volledig overbrengt door Monte’s toewijding aan processen en routine, en de variaties die onvermijdelijk optreden. Waar het allemaal eindigt is als een meer mysterieuze versie van “Interstellar,” maar ook een veel emotionelere. -CB

Joaquin Phoenix, “Joker”

Warner Bros.

Love it or hate it, “Joker” heeft meer discussie uitgelokt dan welke andere film dan ook die dit jaar is uitgebracht. Toch is het moeilijk voor te stellen dat Todd Phillips’ grimmige verhaal over de oorsprong van de superschurk zoveel aandacht zou genereren zonder de nachtmerrieachtige vertolking in het middelpunt. Als Arthur Fleck, de broedende Gotham-bewoner die kampt met een mengelmoes van psychische aandoeningen en tegenslagen in zijn carrière, kanaliseert Phoenix een aantal van zijn beste optredens uit de recente geschiedenis – van “The Master” tot “You Were Never Really Here” – om een man te worden die wordt gedefinieerd door de duistere krachten die hem van alle kanten opslokken.

Afwisselend ingetogen en flamboyant, gruwelijk en hilarisch, baadt Phoenix Fleck in tegenstrijdigheden die de verontrustende toon van de film bepalen; meer dan dat, hij geeft zijn hele lichaam over aan de rol met een bijzonder soort toewijding die zelden gezien is in de Amerikaanse cinema. Zijn spichtige gestalte doet denken aan een schepsel van het Duitse expressionisme dat in het stadsmilieu van de jaren ’80 ronddwaalt, worstelt om de wereld om hem heen te begrijpen en het uiteindelijk opgeeft. Als je naar “Joker” kijkt, kan je niet ontkennen dat Phoenix meer heeft gedaan dan een overbelicht stripfiguur met aplomb te tackelen; hij vindt de Joker helemaal opnieuw uit. De acteur is erin geslaagd om in de psyche van de Joker te kruipen, een popcultuurfiguur naar de aarde te halen en hem echt te laten lijken. Het is een transgressieve prestatie die deze controversiële film verandert in een acteershowcase voor de eeuwigheid. -EK

Brad Pitt, “Ad Astra”

“Ad Astra” begint met Brad Pitts majoor Roy McBride die geniet van wat speciale “mij”-tijd op zijn gelukkige plek hoog boven de aarde. Op zijn eigen rustige manier is hij net zo’n parodie op mannelijkheid als Tyler Durden; de perfecte held voor een film die minder gekweld wordt door de uitgestrektheid van de ruimte dan door de kleinheid van de mens. Pitt begrijpt de rol tot in zijn botten, en levert een prestatie die passiviteit bewapent tot een dodelijke vorm van zelfverdediging. De acteur is een vacuüm op zichzelf, en hij draagt het soort lege en tevreden uitdrukking waardoor Tyler Durden hem in zijn perfecte gezicht zou willen slaan. En dan valt Roy op aarde. Een enorme en mysterieuze elektrische piek zorgt ervoor dat de antenne op hol slaat, en iedereen die erop staat valt naar beneden (gelukkig met een parachute). Het is een perfecte microkosmos voor de film die komen gaat: Hoe verder Roy de ruimte in reist, hoe dichter hij bij huis komt. Zelfs als je het door de ogen van Pitt ziet, lijkt het alsof de actie zich met iemand anders afspeelt. Elk deel van Roy’s reis wist zichzelf uit – elke stap die hij zet in de voetsporen van zijn vader verwijdert hem verder van het worden van zijn eigen man. -DE

Ashton Sanders, “Native Son”

HBO

Aston Sanders draagt in zijn eentje de film van Rashid Johnson in elke scène. De film geeft hem de opdracht een moderne versie van de literaire antiheld Bigger Thomas door een zeer complex en verontrustend terrein te loodsen. Als held in Richard Wrights provocerende roman uit 1939 is Bigger te abstract voor zijn eigen bestwil. Maar Johnson’s script, met Sanders, in de rol, doen genoeg van het zware werk om te proberen hem in te vullen.

Hoewel de film zelf niet altijd overeind blijft, helpt Sanders’ emotioneel rijke vertolking het de hele film boeiend te houden. Hij maakt Bigger’s ruwe situatie tot een relateerbare, omdat het publiek zijn angst, vrees en ergernis met de wereld om hem heen voelt. De manier waarop de acteur in staat is om veel van het verhaal van het personage te vertellen door middel van gezichtsuitdrukkingen en subtiele maniertjes, en zichzelf met een zekere gezaghebbende branie uitdraagt – ondanks zo’n slanke en zelfs zwakke lichaamsbouw – is fascinerend om naar te kijken. Sanders maakt van Wrights roman een uniek portret dat laat zien waarom hij zo’n geweldig talent is op het witte doek. Het is een prestatie van de jonge “Moonlight” breakout die, net als wat hij deed in die Oscarwinnende film, nog lang na de aftiteling blijft hangen. -TO

Adam Sandler, “Uncut Gems”

Adam Sandler heeft in de loop der jaren al heel wat aanstootgevende, zelfingenomen figuren neergezet, maar met “Uncut Gems” speelt hij het meest verachtelijke personage uit zijn 30-jarige carrière. Het vervolg op “Good Time” van regisseurs Joshua en Benny Safdie zit op dezelfde golflengte – schurend, gestoord, gedreven door een ondraaglijke waas van beweging en lawaai. Het is ook een meeslepende high-wire act, het koppelen van kosmische visuals met de grimmige energie van een donkere psychologische thriller en plotselinge uitbarstingen van hectische komedie, en het is de eerste film die echt commune met Sandler’s performatieve sterke punten sinds “Punch-Drunk Love.”

Neem de hectische saga van Howard Ratner – een snel pratende juwelier die altijd op jacht is naar de volgende grote score – voeg wat lowbrow punchlines toe, en “Uncut Gems” had prima kunnen werken als een van die late jaren negentig Happy Madison yukfests, ergens ingeklemd tussen “The Waterboy” en “Big Daddy”. In plaats daarvan wordt de Sandler-persoonlijkheid opgewaardeerd tot een geloofwaardiger milieu, worden zijn meest agressieve kenmerken versterkt en krijgt hij ruimte om een zekere mate van ziel te vinden. Sandler heeft er altijd in uitgeblonken om ons te laten meeleven met misdadigers, maar de film heeft vaak moeite om dat bij te benen. “Uncut Gems’ raakt de essentie van het genie dat zich al die tijd in het volle zicht heeft verborgen. -EK