Le 15 migliori interpretazioni cinematografiche degli attori nel 2019

C’è stato un momento nella storia del cinema in cui gli attori maschi aderivano alle tradizionali aspettative dello stardom: Spavalderia maschile, eccessiva sicurezza, cesellati buontemponi che non osavano rivelare un lato sensibile. Sulla base delle più grandi performance di quest’anno, quel tempo è finito per sempre. Molte delle migliori interpretazioni maschili dell’anno hanno rivelato personaggi fragili e insicuri alle prese con il mondo che cambia intorno a loro, anche se molte di esse sono state fatte da star del cinema.

L’anno scorso, in questo periodo, c’erano molti attori famosi sotto i riflettori. Il mondo era in estasi per la tragica rock star Jackson Maine di Bradley Cooper in “A Star Is Born”, mentre Rami Malek ha superato le controversie di “Bohemian Rhapsody” per diventare un frontrunner agli Oscar. Allo stesso tempo, i cinefili hanno celebrato una delle più grandi performance di Ethan Hawke in “First Reformed” e la progressione di Steven Yeun in un grande talento della recitazione con “Burning” di Lee Chang-dong: Mettendo da parte i breakout e i ruoli di supporto, i migliori protagonisti sullo schermo quest’anno hanno spinto i loro familiari talenti in nuove direzioni, o hanno preso il barlume di talento visibile dal lavoro precedente e lo hanno trasformato in un piano più alto di espressione creativa. Queste sono le 15 migliori performance cinematografiche degli attori nel 2019; per le migliori attrici dell’anno, vai qui.

Antonio Banderas, “Pain and Glory”

In “Pain and Glory,”Banderas interpreta il regista Salvador Mallo, che cura la sua depressione e la sua schiena dolorante con un potente cocktail di antidolorifici, alcool ed eroina mentre ripensa alla storia della sua vita nel cinema. Banderas non ha mai dato una performance come questa: intima, sottile, emotiva, sensibile, reattiva. Pedro Almodóvar ha considerato due attori di riserva perché non era sicuro che il suo vecchio amico fosse adatto al ruolo. Banderas ha dimostrato di esserlo.

Banderas ha lottato con il suo ritorno a recitare con il suo mentore dopo 22 anni con lo psicotriller del 2011 “The Skin I Live In”. Tuttavia ha accettato con entusiasmo “Dolore e gloria”, interpretando l’anziano autore spagnolo che gli ha dato un trampolino di lancio per la sua carriera con film degli anni ’80 come “Labyrinth of Passion” e “Tie Me Up! Tie Me Down!”. Si è trattenuto dall’imitare il regista, ma è presente nei capelli a spazzola, nei modi in cui si protegge la schiena, nella replica della sua casa a Madrid, e persino in alcuni dei suoi vestiti. Per una scena chiave, il regista ha sorpreso Banderas e il coprotagonista Leonardo Sbaraglia – che interpretano ex amanti che non si vedono da anni – dicendo loro di darsi un bacio profondo, così erotico da eccitarli entrambi. Banderas si è allontanato dalla sua faretra di strumenti da star del cinema, appoggiandosi invece alla fragilità che si è portato via sopravvivendo a un lieve attacco di cuore due anni fa. Si è buttato nelle mani del suo regista, e i risultati sono magici. -AT

Christian Bale, “Ford v Ferrari”

Al centro del percussivo, ossessivo, intenso film sulle auto da corsa “Ford v Ferrari” ci sono due yin e yang amici e collaboratori che hanno bisogno l’uno dell’altro. L’intrattenimento serrato, teso ed emotivo di James Mangold mette gli spettatori all’interno del dramma della vita reale dietro il pilota di auto da corsa diventato progettista Carroll Shelby (Matt Damon) e il talentuoso pilota Ken Miles (Christian Bale) mentre costruiscono un’auto da corsa radicale, nuova, dura e veloce (la GT-40) per Henry Ford II, tutto al fine di battere i piloti di Enzo Ferrari alla brutale 24 ore di Le Mans nel 1966. I premi Oscar Damon e Bale interpretano i lati opposti della stessa medaglia: Shelby è lo showman texano che può trattare con i vestiti ma vive attraverso il suo amico, che non può scendere a compromessi nella sua ricerca del giro perfetto. Rimane fedele a se stesso. Mangold, che ha lavorato con Bale in “3:10 to Yuma”, ha sentito che il ruolo era vicino in molti modi a Bale, che è un uomo di famiglia. È arrivato sul set pieno di idee e di energia, ispirando i suoi co-protagonisti.

Fox

Le scene tranquille tra Miles e suo figlio piccolo (Noah Jupe) sono al centro del film e rafforzano tutte le scene di corsa che verranno. “Ford contro Ferrari” intreccia i momenti intimi con l’azione; preoccuparsi per Miles ti fa tifare per lui mentre guida, parlando da solo attraverso le curve veloci della prova di resistenza di Le Man. Bale ha modellato il suo accento sul quartiere di West Birmingham, nel Regno Unito, dove Miles è cresciuto, e ha portato una lista di detti della zona da buttare in macchina. Non erano nella sceneggiatura. Il risultato della gara di Le Mans nel film è vero – ci sono un sacco di foto. La creatività, la mascolinità e lo spirito ribelle di Bale guidano il film e fanno piangere il pubblico. -AT

Adam Driver, “Marriage Story”

Netflix/screenshot

Quando “Marriage Story” è arrivato su Netflix, l’entusiasmo per l’interpretazione di Adam Driver del brano di Stephen Sondheim “Being Alive” aveva già raggiunto la stratosfera. E sì, quella performance alla fine del terzo atto, quando Charlie, il regista di teatro sperimentale di Driver, prende il microfono nel classico ristorante di lusso di New York, il Knickerbocker, mette certamente in mostra molto del suo talento – una capacità di sembrare riservato e animato allo stesso tempo, ribollente di emozioni e ancora in qualche modo inscatolato. A quel punto, tuttavia, Driver ha già fornito la sua migliore performance fino ad oggi, mentre il personaggio si snoda attraverso la tumultuosa dissoluzione del suo matrimonio e arriva alla conclusione che è praticamente colpa sua.

Driver dà a Charlie un’ostinazione pungente nelle prime scene del film, quando è alle prese con la decisione di sua moglie Nicole (Scarlett Johannson) di porre fine alla loro relazione e chiedere la custodia del loro bambino. Ma l’attore trasmette una sottile evoluzione da una scena all’altra, mentre la risolutezza impraticabile di Charlie cede il passo all’essere fragile sotto la superficie, e le sue frustrazioni ribollenti esplodono in una rissa epocale che si conclude con l’uomo adulto che crolla in lacrime. Quando Charlie perde finalmente la calma, Driver scatena un tipo di intensità brutale che potrebbe anche far saltare i nervi a Kylo Ren. L’attore ha sempre eccelso nel proiettare una corazza passivo-aggressiva, ma “Marriage Story” approfondisce quel potenziale iniettandovi uno smalto naturalistico. Dopo tre precedenti collaborazioni con Baumbach, la chimica attore-regista non potrebbe essere più chiaramente definita, dato che “Marriage Story” sfrutta ogni sfaccettatura dei punti di forza creativi di Driver per amplificarli in un modo completamente nuovo. È una rivelazione. -EK

Leonardo DiCaprio, “Once Upon a Time in Hollywood”

A Cooper/Sony/Columbia/Kobal/

Nel corso di una carriera di quasi tre decenni, DiCaprio non si è mai avvicinato minimamente ad affrontare il tipo di irrilevanza che incombe sullo stardom di Rick Dalton a Hollywood. Ma come cattura perfettamente quella sensazione di disperazione nella lettera d’amore di Quentin Tarantino a un’industria passata. Rick vacilla tra la vanità e l’autocommiserazione mentre valuta un’offerta per rilanciare la sua carriera recitando in spaghetti western, mentre si dedica a una piccola parte come cattivo in una nuova serie TV. Seguono molte grandi scene: Il rituale di Rick di provare le sue battute mentre è sdraiato su una zattera nella sua piscina; la sua conversazione sulla recitazione come mestiere con Trudy Styler (Julia Butters) di otto anni; l’aggiunta del suo commento mentre guarda un episodio di un altro show in cui interpreta un cattivo, “FBI”, con il suo stuntman Cliff (Brad Pitt); l’avvicinamento di un gruppo di hippy, frullatore alla mano, che hanno guidato fino al suo viale privato. A causa della totale mancanza di ironia di DiCaprio nell’interpretare questa star televisiva sbiadita, si arriva a investire in lui così tanto – è impegnato e sincero come qualsiasi altra performance che ha dato. DiCaprio lascia un tale segno che ti lascia anche pensare che Rick sia un buon attore. E non ha nemmeno avuto bisogno di mangiare fegato di bisonte per farlo. -CB

Jimmy Fails, “The Last Black Man in San Francisco”

“The Last Black Man in San Francisco” è la storia di Jimmy Fails, ed è facile capire come, col senno di poi, sarebbe stato un errore portare un attore con più esperienza a condurla. Laddove un attore con una “gamma maggiore” potrebbe cercare una motivazione più concreta per la trama, c’è una purezza di scopo e una cadenza di fatto che Fails porta alla sua ricerca donchisciottesca di riconquistare (e mantenere) la sua casa di famiglia, e in definitiva la sua città, al centro di ciò che fa funzionare il film. È una performance profondamente sentita, in cui si può sentire Fails, insieme al suo co-creatore Joe Talbot, quasi dirigere il film. I ritmi del cast di supporto sono in sintonia con le parole di Fails, la bellezza stravagante della fotografia della città di Adam Newport-Berra è la lente attraverso cui il nostro eroe la vede, la malinconia sottotono è scritta sul suo volto con colpi di reazione strazianti. La dolorosa storia del “rinnovamento urbano” riceve una storia personale attraverso “Last Black Man”, che fa una scelta intelligente non mettendo un filtro tra il suo cuore pulsante e il pubblico. -CO

Song Kang-Ho, “Parasite”

Neon

I momenti più crudi ed elettrizzanti in una performance di Song Kang-ho tendono ad essere trovati negli stati di transizione tra le emozioni, o negli spazi liminali in cui si stratificano l’una sull’altra – quando la felicità si fonde con l’orrore, o il dovere viene salato con la vendetta – il che aiuta a spiegare perché il regista più elastico del mondo difficilmente può fare un film senza di lui.

“Parasite” è la quarta collaborazione di Song con Bong Joon Ho, ma nessuno dei loro straordinari sforzi precedenti (“Memories of Murder”, “The Host” e “Snowpiercer”) è stato così dipendente dalla capacità dell’attore di occupare diversi spazi contemporaneamente, né così informato dall’instabile conflitto di sé del suo personaggio. Song interpreta Kim Ki-taek, il patriarca di una famiglia povera di Seoul le cui fortune iniziano a cambiare quando, uno dopo l’altro, ognuno di loro pianifica per essere assunto dalla famiglia nouveau riche che vive sulla collina. La violenta tragicommedia che scoppia da lì vanta un ensemble profondo come ogni film che Bong abbia mai fatto, ma Song è il cuore spezzato della storia. -DE

George Mackay, “1917”

Se l’ambiziosa epopea di guerra di Sam Mendes è destinata a fare di un singolo attore una star, quello è George MacKay, che è stato a lungo la cosa migliore in una serie di film molto più piccoli (dall’altrimenti triste “Ophelia” al poco visto “Marrowbone”). Il caporale Schofield, stanco della guerra, è il ruolo più adulto che l’attore britannico abbia mai interpretato, ma che si affida ai suoi occhi da cucciolo per vendere ulteriormente il grande orrore della prima guerra mondiale e i molti giovani che ha rubato al mondo. Inizialmente resistente alla folle missione che lui e il caporale Blake (Dean-Charles Chapman) si vedono assegnare all’inizio del film – si ha la sensazione, sia da accenni alla sceneggiatura che dalla meravigliosa performance fisica di MacKay, che lui abbia già intrapreso idee così folli e sappia come tendono a finire – il suo Schofield è presto spinto a un servizio ancora più grande di Blake. Se Blake con la faccia da bambino è il cuore del film, è MacKay che emerge come la sua anima coraggiosa e fratturata. MacKay potrebbe essere il nostro prossimo grande protagonista, ma il suo lavoro in “1917” dimostra che è già arrivato a quel livello rarefatto. -KE

Eddie Murphy, “Dolemite Is My Name”

Netflix

Ci sono alcune star che, quando entrano sullo schermo, portano una presenza e una familiarità che va oltre qualsiasi ruolo. Eddie Murphy ci nasconde da anni quel fascino subdolo da sparatutto e da rating-R che lo ha reso una star attraverso i film per bambini e il ruolo-nel-ruolo di “Bowfinger”. Non è semplicemente bello riaverlo in “Dolemite”, e vedere che ha ancora molto “it”, ma assistere a come usa quel potere da star per dare vita allo spirito audace di Rudy Ray Moore. È una performance piena di amore e riverenza, non solo per il vecchio amico di Murphy, Moore, ma per gli sforzi creativi in generale. Con l’aiuto dei costumi di Ruth Carter, Murphy si immedesima nel personaggio di Moore sviluppando la sua propria performance. È un biopic che non ha bisogno della tragica svolta a sinistra per esplorare il pericolo del successo, e invece celebra – in gran parte attraverso Murphy/Moore che accende i suoi riflettori sul cast di supporto, specialmente Da’Vine Joy Randolph – rivelando il bellissimo talento performativo in persone che non si aspettano di essere delle star. -CO

Matthew McConaughey, “The Beach Bum”

Neon

Ovviamente non è il tipo di ruolo che otterrebbe mai il riconoscimento dei premi, ma in un mondo migliore lo sarebbe: Il “Moondog” di Matthew McConaughey non ha particolari obiettivi da perseguire, nessun vero ostacolo da superare, nessuna “importanza” per la storia o interesse per il cambiamento sociale; in effetti, c’è ben poca trasformazione richiesta a McConaughey stesso per interpretarlo. Ma questo poeta abbronzato che si immerge nella vita di Miami e delle Florida Keys in tutta la sua gloria surreale è più di un personaggio: è una visione del mondo che cammina, un ripudio della personalità di tipo A fatta carne, un profeta del lasciare che la vita ti accada piuttosto che essere sempre al posto di guida.

Non è che succeda poco nell’ultimo capolavoro floridiano di Harmony Korine: succedono molte cose che Moondog deve affrontare, tra cui un’eredità inaspettata, un premio letterario ancora più inaspettato, e l’incontro sanguinosamente esilarante di Martin Lawrence con uno squalo. McConaughey accoglie tutti questi sviluppi in questo picaresco intriso di Coppertone più o meno nello stesso modo ogni volta, con la bocca leggermente aperta, le spalle che oscillano come se stesse per cadere da una trave di equilibrio, una risata spaziale che erompe dalla sua gola. È il cerchio completo di David Wooderson in “Dazed and Confused”, ma senza nemmeno un accenno della minaccia latente o della vanità di quel personaggio: Moondog è l’ideale platonico di un personaggio di McConaughey. -CB

Andre Holland, “High Flying Bird”

Netflix

Il dramma sportivo diretto da Steven Soderbergh ha fornito un’opportunità da tempo attesa come protagonista al sottoutilizzato e talentuoso Andre Holland, che offre una performance dinamica. Holland ha avuto la sua grande occasione interpretando un personaggio secondario nella serie televisiva Cinemax di Soderbergh “The Knick”, ma in “High Flying Bird”, è interamente il suo show, e lui ne approfitta pienamente. È una performance alla George Clooney di “Ocean’s 11”, che infonde al suo personaggio un simile tipo di fascino astuto. La sceneggiatura di Tarell Alvin McCraney, ricca di dialoghi, dà al talentuoso cast del film, guidato da Holland nei panni di un agente astuto e dalla parlantina veloce, molto da masticare. Holland di solito interpreta personaggi piuttosto sobri, quindi questo è stato un cambiamento eccitante per lui, e sembra che si stia divertendo come un matto ad essere deciso e feroce nel modo meno pretenzioso possibile. Ha chiaramente il controllo di ogni momento, fornendo una performance stratificata con ritmi quasi perfetti. Raramente il pubblico ha la possibilità di vederlo scatenato in questo modo, ed è uno spettacolo da vedere. Richiede ripetute visioni e mostra perché è già considerato uno dei migliori attori della sua generazione. -TO

Robert Pattinson, “High Life”

Per quanto si possa trovare quest’anno, Robert Pattinson brucia ancora con intensità nel ruolo di Monte, un detenuto condannato a vita che lavora a bordo di una nave prigione nello spazio profondo. Claire Denis dirige ogni inquadratura con un così alto livello di precisione, nelle sue inquadrature, nel blocco degli attori e nelle loro performance altamente controllate, che la sensazione è di mancanza d’aria e di claustrofobia – una vibrazione soffocante perfettamente adatta sia ad un’odissea spaziale in stile sottomarino che alla storia di una prigione. Pattinson è sulla lunghezza d’onda fredda di Denis: Lo conosciamo soprattutto attraverso il suo isolamento dagli altri personaggi (si rifiuta di essere toccato) e l’ossessiva monotonia della sua routine quotidiana, compresa un’inquadratura dopo l’altra del meticoloso rituale di rasatura di Monte (con una lama affilata al posto di un vero rasoio). Questo è un personaggio che si definisce per il fatto di essere distante, e tuttavia il suo arco animico lo mette sulla strada verso l’essere un badante – qualcosa che Pattinson trasmette interamente attraverso l’impegno di Monte nel processo e nella routine, e le variazioni che inevitabilmente si verificano. Dove tutto finisce è come una versione più misteriosa di “Interstellar”, ma anche molto più emozionante. -CB

Joaquin Phoenix, “Joker”

Warner Bros.

Amore o odio, “Joker” ha suscitato più discussioni di qualsiasi altro film uscito quest’anno. Tuttavia, è difficile immaginare la grintosa storia di origine del supercattivo di Todd Phillips che genera così tanta attenzione senza la performance da incubo al suo centro. Nei panni di Arthur Fleck, il pensieroso abitante di Gotham che affronta un guazzabuglio di malattie mentali e battute d’arresto nella carriera, Phoenix incanala alcune delle sue migliori performance nella memoria recente – da “The Master” a “You Were Never Really Here” – per diventare un uomo definito dalle forze oscure che lo consumano da ogni direzione.

Alternamente sommesso e fiammeggiante, orribile ed esilarante, Phoenix immerge Fleck nelle contraddizioni che definiscono il tono inquietante del film; più di questo, dà tutto il suo corpo al ruolo con un singolare tipo di impegno raramente visto nel cinema americano. La sua ossatura esile suggerisce una creatura dell’espressionismo tedesco che vaga nell’ambiente urbano del 1980, lottando per dare un senso al mondo che lo circonda e alla fine rinunciando. Guardando “Joker”, non si può negare la sensazione che Phoenix abbia fatto più che affrontare con aplomb un personaggio sovraesposto dei fumetti; sta reinventando il Joker da zero. L’attore è riuscito ad abitare la psiche del Joker, trascinando una figura della cultura pop sulla terra e facendolo sembrare reale. È un risultato trasgressivo che trasforma questo film controverso in una vetrina di recitazione per i secoli. -EK

Brad Pitt, “Ad Astra”

“Ad Astra” inizia con il Maggiore Roy McBride di Brad Pitt che si gode un tempo molto speciale nel suo posto felice sopra la Terra. A suo modo tranquillo, è una parodia della mascolinità come Tyler Durden; l’eroe perfetto per un film che è meno tormentato dalla vastità dello spazio che dalla piccolezza dell’uomo. Pitt capisce la parte nelle sue ossa, e offre una performance che arma la passività in una forma letale di autodifesa. L’attore è un vuoto su se stesso, e indossa il tipo di espressione vuota e soddisfatta che farebbe venir voglia a Tyler Durden di prenderlo a pugni nella sua faccia perfetta. E poi Roy cade sulla Terra. Una massiccia e misteriosa sovratensione elettrica fa andare in tilt l’antenna, e tutti quelli che si trovano su di essa vengono mandati a ruzzolare giù (fortunatamente, con un paracadute). È un microcosmo perfetto per il film che verrà: Più Roy viaggia nello spazio esterno, più si avvicina a casa. Anche quando è vista attraverso gli occhi di Pitt, l’azione sembra che stia accadendo a qualcun altro. Ogni parte del viaggio di Roy si cancella – ogni passo che fa sulle orme di suo padre lo allontana dal diventare un uomo a sé stante. -DE

Ashton Sanders, “Native Son”

HBO

Aston Sanders porta da solo il film di Rashid Johnson in ogni scena. Il film lo incarica di guidare una versione moderna dell’antieroe letterario Bigger Thomas attraverso un terreno molto complesso e inquietante. Come eroe nel provocatorio romanzo di Richard Wright del 1939, Bigger è troppo astratto per il suo stesso bene. Ma la sceneggiatura di Johnson, con Sanders nel ruolo, fa un sacco di lavoro pesante per cercare di riempirlo.

Mentre il film in sé non sempre regge, l’interpretazione emotivamente ricca di Sanders aiuta a mantenerlo coinvolgente per tutto il tempo. Egli rende la situazione difficile di Bigger in una situazione relazionabile, mentre il pubblico sente la sua ansia, la paura e l’esasperazione con il mondo intorno a lui. Il modo in cui l’attore è in grado di raccontare gran parte della storia del personaggio attraverso le espressioni facciali e i sottili manierismi, portando se stesso con una certa spavalderia autorevole – nonostante un fisico così esile e persino debole – è affascinante da guardare. Sanders trasforma il romanzo di Wright in un ritratto singolare del motivo per cui è un così grande talento sullo schermo. È una performance del giovane esordiente di “Moonlight” che, proprio come ha fatto nel film che ha vinto l’Oscar, rimane a lungo dopo il rullo dei titoli di coda. -TO

Adam Sandler, “Uncut Gems”

Adam Sandler ha incarnato molte figure odiose ed egocentriche nel corso degli anni, ma con “Uncut Gems”, interpreta il personaggio più spregevole in 30 anni di carriera. Il seguito di “Good Time” dei registi Joshua e Benny Safdie è sulla stessa lunghezza d’onda – abrasivo, squilibrato, guidato da un’insopprimibile confusione di movimento e rumore. È anche un avvincente atto ad alta tensione, che unisce immagini cosmiche con l’energia grintosa di un oscuro thriller psicologico e improvvise esplosioni di commedia frenetica, ed è il primo film a entrare veramente in comunione con i punti di forza performativi di Sandler da “Punch-Drunk Love.”

Prendete la frenetica saga di Howard Ratner – un gioielliere dalla parlantina veloce sempre a caccia del prossimo grande colpo – aggiungete alcune battute di bassa lega, e “Uncut Gems” avrebbe potuto funzionare benissimo come uno di quegli Happy Madison di fine anni novanta, infilato da qualche parte tra “The Waterboy” e “Big Daddy”. Invece, aggiorna il personaggio di Sandler in un ambiente più credibile, intensificando le sue caratteristiche più aggressive anche se gli dà spazio per trovare una certa misura di anima. Sandler ha sempre eccelso nel farci simpatizzare con i reprobi, ma i film spesso faticano a tenere il passo. “Uncut Gems” arriva all’essenza del genio che si è sempre nascosto in piena vista. -EK