Emma Amos – RYAN LEE Gallery

BIOGRAFIA

Emma Amos (nata nel 1937 ad Atlanta, GA – morta nel 2020 a Bedford, NH) è stata un’artista pioniera, educatrice e attivista. Pittrice dinamica e colorista magistrale, il suo impegno nell’interrogare lo status quo storico dell’arte ha prodotto un corpo di lavoro vibrante e intellettualmente rigoroso. Influenzata dall’arte moderna dell’Europa occidentale, dall’espressionismo astratto, dal movimento per i diritti civili e dal femminismo, Amos è stata attratta dall’esplorazione della politica della cultura e delle questioni di razzismo, sessismo ed etnocentrismo nella sua arte. “È sempre stata una mia convinzione”, ha detto una volta la Amos, “che per me, un’artista donna nera, entrare nello studio è un atto politico”

Un’artista nota per aver spinto i confini tecnici e tematici, la Amos ha realizzato senza ritegno un’arte che rifletteva l’esperienza delle donne nere, anche quando tale arte suscitava poca o nessuna risposta dai suoi colleghi e critici maschi. Fu profondamente influenzata dai diritti civili e dai movimenti neri che spinsero per il riconoscimento nel mondo dell’arte. Amos divenne membro di Spiral, un importante collettivo afroamericano nel 1964, ma scoprì che lo sforzo per la rappresentazione dei neri nel mondo dell’arte spesso ometteva le donne. In seguito è stata coinvolta in vari collettivi femministi underground, tra cui Heresies dal 1982 al 1993, e il pionieristico gruppo Guerilla Girls dopo la sua fondazione nel 1985. Essendo uno dei pochi membri neri del collettivo Heresies, ha contato come importante conrtibutore per la pubblicazione del numero del 1982 della rivista che discuteva della razza all’interno del movimento artistico femminista. I dipinti vividi e potenti di Amos sono spesso una celebrazione del corpo nero, ricordando costantemente allo spettatore, al critico e al mondo dell’arte in generale la presenza innegabilmente importante del corpo nero e femminile che è stato così spesso trascurato.

I primi lavori astratti di Amos, fortemente influenzati dall’Espressionismo astratto, dalla Pop Art e dalla pittura Color Field, dimostrano un interesse iniziale nella sperimentazione del colore e dello spazio, con il risultato di dipinti “Attitude” altamente coloristici negli anni ’60. In queste opere, una giovane Amos, che stava solo iniziando la sua carriera a New York City, rappresentava spesso se stessa in composizioni audaci e colorate. La natura spensierata di questi dipinti ha lasciato il posto a riflessioni più mature sui ruoli simultanei della Amos come madre, moglie e artista mentre costruiva la sua famiglia negli anni ’70. È mentre lavorava a queste opere che Amos introdusse per la prima volta la sua firma figura in flusso. Questo interesse per il colore e il movimento, insieme a un crescente impegno sociale e politico, ha dato vita alla serie “Athletes and Animals” nei primi anni ’80. In questa serie di dipinti, Amos considera la bellezza e la forza degli atleti neri e degli animali selvatici – un paragone razzista usato in passato per denigrare uomini e donne nere. Mettendo in parallelo immagini di giocatori sportivi con leoni, ghepardi e coccodrilli, suggerisce il potere fugace e illusorio, sia nella fisicità che nell’influenza, dell’atleta nero.

La successiva “Falling Series” di Amos si riferisce specificamente alle sue ansie che riguardano la cancellazione della storia, dei luoghi e delle persone. All’interno di questa serie di opere, ha anche considerato la crisi economica dell’era Reagan e l’abisso. Ha raffigurato ballerini, cantanti e altre figure che scivolano, ruzzolano e sfrecciano in spazi astratti tra architetture iconiche e classiche, motivi mitologici e simboli della musica jazz e blues, come un modo per elaborare le sue ansie sociali e personali.

La bandiera americana e quella confederata appaiono spesso nell’opera di Amos, che riflette sul significato concettuale e storico della natura nazionalistica, comunitaria e razzista di questi simboli nella società e nella sua stessa esperienza di vita. La “x” della Confederazione attraversa molte delle sue opere degli anni Novanta. In molte delle sue opere di metà carriera e in quelle successive, Amos ha fatto uso di tessuti tradizionali africani come bordi per le sue composizioni. Tessitrice provetta, includeva anche collage della sua tessitura nei suoi dipinti, confondendo così di proposito le linee di genere tra artigianato e belle arti. Continuò questa pratica per tutto il resto della sua carriera. Le vivaci opere che la Amos ha prodotto negli anni 2000 sono un culmine dell’importanza duratura della sua profonda passione di tutta la vita per il colore, l’attivismo e l’innovazione tecnica.

Nata nella segregata Atlanta, GA, la Amos si è laureata all’Antioch College in Ohio nel 1958 e ha continuato a studiare alla Central School of Art di Londra. Dopo aver terminato i suoi studi in Inghilterra, Amos si trasferì a New York City. Anche se alla fine è diventata attiva nella scena artistica del centro, lavorando al fianco di artisti importanti come Romare Bearden, Hale Woodruff, Norman Lewis, Alvin Hollingsworth e Charles Alston, Amos ha lottato per trovare il suo posto nella città, scoprendo che notevoli ostacoli sono stati creati contro di lei a causa della sua età, sesso e razza. Ha ottenuto il suo Master in Arte alla New York University nel 1965 e ha continuato a insegnare arte alla Dalton School di New York. Nel 1980, è diventata professore e poi presidente del dipartimento di Arti Visive alla Mason Gross School of Art della Rutgers University. Ha insegnato lì per 28 anni.

Nel 2016, Amos ha ricevuto il premio Larry D. and Brenda A. Thompson del Georgia Museum of Art ed è stata premiata dallo Studio Museum di Harlem come Icon and Trailblazer, insieme a Faith Ringgold e Lorraine O’Grady.

I dipinti di Amos sono stati inclusi in numerose mostre personali e collettive tra cui Changing the Subject (1994) del Montclair Museum of Art, curata da Holly Block; Emma Amos: Paintings & Prints, 1982-1992 (1995), curata da Thalia Gouma-Peterson; e Wrapped in Pride del Newark Museum: Ghanaian Kente and African-American Identity (1999). Più recentemente, il lavoro di Amos è stato esposto al Museum of Contemporary Art, Los Angeles’s With Pleasure: Pattern and Decoration in American Art 1972-1985 (2019); e al Whitney Museum of American Art’s Spilling Over: Painting Color in the 1960s (2019); e alla mostra We Wanted A Revolution del 2017 del Brooklyn Museum: Black Radical Women, 1965-85. Emma Amos: Color Odyssey, una retrospettiva del lavoro di Amos, aprirà al Georgia Museum of Art nel 2021 e viaggerà al Philadelphia Museum of Art e al Munson-Williams-Proctor Arts Institute di New York.

I suoi lavori sono presenti nelle collezioni del Baltimore Museum of Art, MD; Bass Museum of Art, FL; Birmingham Museum of Art, AL; British Museum, Londra; Bronx Museum of Art, NY; Brooklyn Museum of Art, NY; James F. Byrnes Institute, Germania; Museo de las Artes, Messico; Metropolitan Museum of Art, NY; Minneapolis Museum of Art, MN; Museum of Modern Art, NY; Newark Museum, NJ; Studio Museum in Harlem, NY; Whitney Museum of American Art, NY, e Yale University Art Gallery, CT, tra gli altri.