A 15 legjobb színészi alakítás 2019-ben

Volt egy pillanat a filmtörténetben, amikor a férfi színészek ragaszkodtak a sztárság hagyományos elvárásaihoz: Férfias hivalkodás, túlzott magabiztosság, cizellált jóképűek, akik nem merték felfedni érzékeny oldalukat. Az idei év legnagyobb alakításai alapján ez az idő végleg elmúlt. Az év legjobb férfi főszereplői alakításai közül sokan törékeny, bizonytalan karaktereket mutattak, akik küzdenek a körülöttük változó világgal, még akkor is, ha sokan közülük filmcsillagoktól származnak.

Tavaly ilyenkor rengeteg híres színész állt a reflektorfényben. A világ el volt ájulva Bradley Cooper tragikus rocksztárja, Jackson Maine után az Egy csillag születikben, míg Rami Malek a Bohém rapszódia ellentmondásait leküzdve Oscar-esélyes lett. Ugyanakkor a mozirajongók Ethan Hawke egyik legnagyobb alakítását ünnepelték a “First Reformed”-ben és Steven Yeun jelentős színészi tehetséggé válását Lee Chang-dong “Burning”-jével.”

Ezúttal az év csúcspontjai hasonló egyensúlyt teremtenek: Az áttöréseket és a mellékszerepeket félretéve, az idei év legjobb főszereplői vagy új irányokba terelték ismerős tehetségüket, vagy a korábbi munkákból látható tehetség csillogását vették elő, és a kreatív kifejezés magasabb szintjére emelték. Ez a 15 legjobb színészi filmes alakítás 2019-ben; az év legjobb színésznőiért ide kattints.

Antonio Banderas, “Fájdalom és dicsőség”

A “Fájdalom és dicsőség,” Banderas Salvador Mallo filmrendezőt alakítja, aki depresszióját és fájó hátát fájdalomcsillapítók, alkohol és heroin hatásos koktéljával gyógyítja, miközben filmes életének történetére tekint vissza. Banderas még soha nem nyújtott ilyen alakítást: intim, finom, érzelmes, érzékeny, érzékeny, érzékeny. Pedro Almodóvar két háttérszínészt is fontolóra vett, mert nem volt biztos benne, hogy régi barátja alkalmas a szerepre. Banderas bebizonyította, hogy igen.

Banderas megküzdött azzal, hogy 22 év után a 2011-es “A bőr, amelyben élek” című pszichothrillerrel visszatérjen a színészethez mentorával. Ennek ellenére lelkesen vállalta a “Fájdalom és dicsőség”-et, és eljátszotta az öregedő spanyol szerzőt, aki olyan ’80-as évekbeli filmekkel indította el karrierjét, mint a “A szenvedély labirintusa” és a “Kösd meg! Tie Me Down!” Távol tartotta magát attól, hogy utánozza a rendezőt, de ott van a tüskés hajában, a módokban, ahogyan védi a hátát, a madridi otthonának másolatában, és még néhány saját ruhájában is. Az egyik kulcsjelenetnél a rendező azzal lepte meg Banderast és társát, Leonardo Sbaragliát – akik egykori szerelmeseket játszottak, akik évek óta nem látták egymást -, hogy egy olyan mély csókra utasította őket, amely annyira erotikus, hogy mindkettőjüket felizgatja. Banderas elzárkózott a filmsztár-eszközök tárházától, ehelyett arra a törékenységre támaszkodott, amelyet egy két évvel ezelőtti enyhe szívroham túlélése után vett magához. Belevetette magát rendezője kezébe, és az eredmény varázslatos. -AT

Christian Bale, “Ford kontra Ferrari”

A “Ford kontra Ferrari” című ütős, csontropogtató, intenzív versenyautós film középpontjában két jin és jang barát és munkatárs áll, akiknek szükségük van egymásra. James Mangold feszes, feszes és érzelmekkel teli szórakoztató filmje a mozilátogatókat a valós drámába helyezi, amely Carroll Shelby (Matt Damon) autóversenyzőből lett tervező és Ken Miles (Christian Bale) tehetséges, feszült idegzetű versenyző mögött zajlik, akik egy radikálisan új, kemény és gyors versenyautót (GT-40) építenek Henry Ford II. számára, mindezt azért, hogy 1966-ban a brutális 24 órás Le Mans-i versenyen legyőzzék Enzo Ferrari versenyzőit. Az Oscar-díjas Damon és Bale ugyanannak az éremnek az ellentétes oldalát játsszák: Shelby a texasi showman, aki el tud bánni az öltönyösökkel, de átéli barátját, aki nem tud kompromisszumot kötni a tökéletes körre való törekvésben. Ő hű marad önmagához. Mangold, aki együtt dolgozott Bale-lel a “3:10 to Yuma” című filmben, úgy érezte, hogy a szerep sok szempontból közel áll Bale-hez, aki családos ember. Ötletekkel és energiával telve érkezett a forgatásra, és inspirálta színésztársait.

Fox

A Miles és kisfia (Noah Jupe) közötti csendes jelenetek állnak a film középpontjában, és alátámasztják az összes következő versenyjelenetet. A “Ford kontra Ferrari” befonja az intim pillanatokat az akcióval; a Miles iránti törődés miatt drukkolsz neki, ahogy vezet, és végigbeszéli magát a Le Man állóképességi teszt száguldó kanyarjain. Bale az akcentusát az Egyesült Királyság nyugat-birminghami negyedéről mintázta, ahol Miles felnőtt, és magával vitt egy gyűrt listát a környékről származó mondásokból, amit az autóban dobálhatott. Ezek nem szerepeltek a forgatókönyvben. A filmben szereplő Le Mans-i verseny kimenetele igaz – rengeteg fotó van róla. Bale kreativitása, férfiassága és lázadó szelleme hajtja a filmet, és megríkatja a nézőket. -AT

Adam Driver, “Marriage Story”

Netflix/screenshot

Mire a “Marriage Story” a Netflixre került, az Adam Driver által előadott “Being Alive” című Stephen Sondheim-számot feldolgozó Adam Driver körüli hype már elérte a sztratoszférát. És igen, az a késői, harmadik felvonásbeli előadás, amikor Driver kísérleti színházi rendezője, Charlie veszi át a mikrofont a klasszikus előkelő New York-i étkezdében, a Knickerbockerben, bizonyára sokat megmutat a tehetségéből – azt a képességét, hogy egyszerre tűnjön visszafogottnak és élénknek, érzelmektől forrongónak és mégis valahogy dobozba zártnak. Addigra azonban Driver már eddigi legjobb alakítását nyújtja, ahogy a karakter végigkeveredik a házassága viharos felbomlásán, és arra a következtetésre jut, hogy ez nagyjából az ő hibája.

Driver a film első jeleneteiben szúrós makacsságot kölcsönöz Charlie-nak, amikor megküzd a felesége, Nicole (Scarlett Johannson) döntésével, hogy véget vet a kapcsolatuknak, és kérvényezi a gyermekük felügyeleti jogát. A színész azonban jelenetről jelenetre finom fejlődést közvetít, ahogy Charlie gyakorlatiatlan elszántsága átadja helyét a felszín alatt rejlő törékeny lénynek, és forrongó frusztrációi egy korszakalkotó verekedésben törnek ki, amely a felnőtt férfi sírva fakadásával végződik. Amikor Charlie végül elveszíti a hidegvérét, Driver olyan brutális intenzitást szabadít el, ami még Kylo Ren idegeit is megzavarhatja. A színész mindig is jeleskedett a passzív-agresszív páncél kivetítésében, de a “Házassági történet” elmélyíti ezt a potenciált azzal, hogy naturalista csiszolással oltja be. A Baumbach-kal való három korábbi együttműködés után a színész-rendező kémiája nem is lehetne egyértelműbb, mivel a “Házassági történet” Driver kreatív erősségeinek minden aspektusát megcsapolja, hogy egészen új módon felerősítse azokat. Ő egy reveláció. -EK

Leonardo DiCaprio, “Volt egyszer egy Hollywood”

A Cooper/Sony/Columbia/Kobal/

A közel három évtizedes karrierje során DiCaprio a legkevésbé sem került közel ahhoz, hogy szembenézzen azzal a fajta jelentéktelenséggel, ami Rick Dalton halványuló hollywoodi sztárságára leselkedik. De milyen tökéletesen érzékelteti ezt a kétségbeesés érzését Quentin Tarantino szerelmeslevelében, amelyet egy letűnt iparágnak írt. Rick a hiúság és az önsajnálat között ingadozik, miközben egy olyan ajánlaton töpreng, hogy spagettiwesternek főszereplésével újjáélesztheti karrierjét, miközben egy új tévésorozat gonosztevőjeként egy kis szerepbe ölti magát. Nagyon sok nagyszerű jelenet következik: Rick rituáléja, amikor a medencéjében egy tutajon heverészve próbálja a szövegét; a nyolcéves Trudy Stylerrel (Julia Butters) folytatott beszélgetése a színészetről mint mesterségről; a kommentár hozzáadása, miközben a kaszkadőr Cliffel (Brad Pitt) egy másik sorozat epizódját nézi, amelyben az “FBI” nevű gonosztevőt alakítja; egy csapat hippit szólít le, akik turmixgéppel a kezükben hajtottak fel a magánbejáratára. Mivel DiCaprio teljesen iróniátlanul játssza ezt a megfakult tévésztárt, az ember annyira beleéli magát a szerepébe – ez olyan elkötelezett és őszinte, mint bármelyik eddigi alakítása. DiCaprio olyan nyomot hagy benned, hogy még azt is elhiszed, hogy Rick jó színész. És ehhez még csak bölénymájat sem kellett ennie. -CB

Jimmy Fails, “Az utolsó fekete ember San Franciscóban”

“Az utolsó fekete ember San Franciscóban” Jimmy Fails története, és utólag könnyen belátható, hogy hiba lett volna egy tapasztaltabb színészt bevonni a lehorgonyzására. Ahol egy “nagyobb hatókörrel” rendelkező színész talán konkrétabb cselekménymotívumot keresne, ott van a céltudatosság és a tényszerűség tisztasága, amit Fails a családi otthona, és végső soron a városa visszaszerzésére (és megtartására) irányuló bohókás törekvésébe visz, és ami a film középpontjában áll. Ez egy mélyen átélt alakítás, amelyben úgy érezhetjük, hogy Fails – alkotótársa, Joe Talbot mellett – szinte rendezi a filmet. A mellékszereplők ritmusa Fails előadásmódjára van hangolva, Adam Newport-Berra szeszélyes szépségű fotográfiája a városról az a lencse, amelyen keresztül hősünk látja azt, a melankolikus alaphang pedig zsigeri reakciófelvételekkel íródik az arcára. A “városi megújulás” fájdalmas története személyes történetet kap az “Utolsó fekete ember” révén, amely okos döntést hoz azzal, hogy nem tesz szűrőt a dobogó szív és a néző közé. -CO

Song Kang-Ho, “Parazita”

Neon

A Song Kang-ho előadásának legnyersebb és legvillanyosabb pillanatai általában az érzelmek közötti átmeneti állapotokban találhatók, vagy azokban a liminális terekben, ahol egymásra rétegződnek – amikor a boldogság horrorrá olvad, vagy a kötelességet bosszúval sózzák -, ami segít megmagyarázni, hogy a világ legrugalmasabb filmrendezője nélkül aligha lehet filmet készíteni.

A “Parazita” Song negyedik műfajteremtő együttműködése Bong Joon Ho-val, de korábbi rendkívüli munkáik (“A gyilkosság emlékei”, “A házigazda” és “Snowpiercer”) egyike sem függött ennyire a színész azon képességétől, hogy egyszerre több különböző teret tudjon elfoglalni, és a karaktere instabil önellentmondása sem volt ennyire informált. Song játssza Kim Ki-taek-et, egy szegény szöuli család pátriárkáját, akinek a szerencséje akkor kezd megváltozni, amikor egytől egyig egy-egy cselszövéssel eljutnak a dombon lakó újgazdag családhoz. Az innen kirobbanó erőszakos tragikomédia olyan mélységű társulattal büszkélkedhet, mint bármelyik (és minden) film, amit Bong valaha készített, de Song a történet megtört szíve. -DE

George Mackay, “1917”

Ha Sam Mendes ambiciózus, egyfelvonásos háborús eposzának egyetlen szereplőt is sztárrá kell tennie, akkor az George MacKay, aki már régóta jóval kisebb filmekben (az egyébként lehangoló “Opheliától” az alulnézett “Marrowbone”-ig) a legjobb volt. A háborútól megfáradt Schofield őrvezető tizedes a brit színész eddigi legfelnőttebb szerepe, amely azonban a kölyökkutyaszemére támaszkodik, hogy még jobban eladja az első világháború nagy borzalmát és azt a sok fiatal férfit, akit elrabolt a világtól. Kezdetben ellenáll a film elején neki és Blake őrvezetőnek (Dean-Charles Chapman) kijelölt őrült küldetésnek – mind a forgatókönyvi utalásokból, mind MacKay saját csodás fizikai alakításából az az érzése az embernek, hogy már vállalkozott ilyen őrült ötletekre, és tudja, hogyan szoktak végződni -, az ő Schofieldjét hamarosan még Blake-nél is nagyobb szolgálatra kényszerítik. Ha a babaarcú Blake a film szíve, akkor MacKay az, aki a film bátor és megtört lelkeként tűnik fel. MacKay lehet, hogy a következő nagy főszereplőnk lesz, de az “1917”-ben nyújtott munkája szilárd érvként szól amellett, hogy már megérkezett erre a ritka szintre. -KE

Eddie Murphy, “Dolemite Is My Name”

Netflix

Vannak bizonyos sztárok, akik, amikor a képernyőre lépnek, olyan jelenléttel és ismertséggel rendelkeznek, amely túlmutat bármilyen szerepen. Eddie Murphy már évek óta rejtegeti előlünk azt a csípőből lövöldözős, minősített-R fondorlatos bájt, ami sztárrá tette őt, a gyerekfilmeken és a “Bowfinger” szerepében rejlő szerepeken keresztül. Nem egyszerűen jó, hogy újra itt van a “Dolemite”-ban, és látni, hogy még mindig nagyon is “megvan benne”, hanem tanúi lehetünk annak, ahogyan ezt a sztárerőt arra használja, hogy életre keltse Rudy Ray Moore merész szellemét. Ez az előadás tele van szeretettel és tisztelettel, nem csak Murphy régi barátja, Moore iránt, hanem az alkotói törekvések egésze iránt. Ruth Carter jelmezeinek segítségével Murphy saját előadói személyiségének kialakításával eleveníti meg Moore karakterét. Ez egy olyan életrajzi film, amelynek nincs szüksége a tragikus balra kanyarodásra ahhoz, hogy a siker veszélyeit feltárja, ehelyett ünnepel – nagyrészt azáltal, hogy Murphy/Moore a mellékszereplőkre, különösen Da’Vine Joy Randolphra fordítja a reflektorfényt -, felfedve a csodálatos előadói tehetséget azokban az emberekben, akik nem számítanak arra, hogy sztárok lesznek. -CO

Matthew McConaughey, “The Beach Bum”

Neon

Persze ez nem az a szerep, amiért valaha is díjat kapna, de egy jobb világban az lenne: Matthew McConaughey “Moondog”-jának nincsenek különösebb céljai, amiket követni próbál, nincsenek valódi akadályok, amiket le akar küzdeni, nincs “jelentősége” a történelemben vagy érdeke a társadalmi változások iránt; valójában magától McConaugheytól is nagyon kevés átalakulás kell ahhoz, hogy eljátssza őt. De ez a napbarnított költő, aki szürreális pompájában szívja magába az életet Miamiban és a Florida Keysben, több mint egy karakter: ő egy két lábon járó világnézet, az A-típusú személyiség testet öltött elutasítása, annak prófétája, hogy hagyjuk, hogy az élet történjen velünk, ahelyett, hogy mindig mi irányítanánk.

Nem történik kevés Harmony Korine legújabb floridai remekművében: sok minden történik, amivel Moondognak meg kell birkóznia, köztük egy váratlan örökség, egy még váratlanabb irodalmi díj és Martin Lawrence véresen vicces találkozása egy cápával. McConaughey mindezeket a fejleményeket ebben a Coppertone-dús pikareszkben nagyjából minden alkalommal ugyanúgy fogadja: a szája kissé tátva marad, a vállai úgy billegnek, mintha mindjárt leesne egy egyensúlyozógerendáról, a torkából pedig űrbéli nevetés tör elő. Teljesen olyan, mint David Wooderson a “Dazed and Confused”-ban, de anélkül, hogy a karakter lappangó fenyegetettségének vagy hiúságának akár csak egy csipetnyi nyoma is lenne: Moondog a McConaughey-karakter platóni ideálja. -CB

Andre Holland, “High Flying Bird”

Netflix

A Steven Soderbergh rendezte sportdráma régóta esedékes főszereplési lehetőséget nyújtott az alulhasznosított és rendkívül tehetséges Andre Hollandnak, aki dinamikus alakítást nyújt. Holland a nagy áttörést Soderbergh Cinemax televíziós sorozatában, a “The Knick”-ben szerezte mellékszereplőként, de a “High Flying Bird”-ben ez teljesen az ő műsora, és ezt ki is használja. Ez egy George Clooney-féle “Ocean’s 11” alakítás, hasonló ravasz bájjal ruházza fel karakterét. Tarell Alvin McCraney turbófeltöltős, párbeszédekkel teletűzdelt forgatókönyve rengeteg csámcsognivalót ad a film tehetséges szereplőgárdájának, élén Hollanddal, mint dörzsölt, gyors beszédű ügynökkel. Holland általában meglehetősen visszafogott karaktereket játszik, így ez izgalmas váltás volt számára, és úgy tűnik, élete legjobb pillanatát éli, amikor a legkevésbé sem hivalkodó módon határozott és heves. Egyértelműen ura minden pillanatnak, és rétegzett alakítást nyújt, közel tökéletes ütemekkel. A közönség ritkán láthatja őt így kibontakozni, és ez egy igazi látványosság. Többszöri megtekintést igényel, és megmutatja, miért tartják őt már most generációja egyik legjobb színészének. -TO

Robert Pattinson, “High Life”

Amilyen feszesen tekervényes és rejtett alakítást idén nem találsz, Robert Pattinson még mindig intenzitással ég Monte szerepében, aki egy életfogytiglani börtönbüntetést kapott rabként dolgozik egy börtönhajón a mélyűrben. Claire Denis minden egyes jelenetet olyan precízen rendez, mind a képkockák, mind a színészek blokkolása, mind pedig a rendkívül kontrollált alakítások terén, hogy a filmben a levegőtlenség és a klausztrofóbia érzése uralkodik – ez a fojtogató hangulat tökéletesen illik mind a tengeralattjáró-stílusú űrutazáshoz, mind a börtöntörténethez. Pattinson Denis hűvös hullámhosszán van: Leginkább a többi szereplőtől való elszigeteltségén (nem hajlandó, hogy megérintsék) és napi rutinjának megszállott egyformaságán keresztül ismerjük meg, beleértve Monte aprólékos borotválkozási rituáléjának (éles élű borotvával a valódi borotva helyett) felvételről felvételre történő bemutatását. Ez egy olyan karakter, aki a távolságtartáson keresztül határozza meg önmagát, és mégis a lélektani íve a gondozóvá válás felé vezető útra tereli – amit Pattinson teljes mértékben Monte folyamatokhoz és rutinokhoz való ragaszkodásán, valamint az elkerülhetetlenül bekövetkező variációkon keresztül közvetít. Ahol mindez véget ér, az olyan, mint az “Interstellar” egy rejtélyesebb, de sokkal érzelmesebb változata. -CB

Joaquin Phoenix, “Joker”

Warner Bros.

Szeressük vagy utáljuk, a “Joker” több vitát váltott ki, mint bármely más idén bemutatott film. Mindazonáltal nehéz elképzelni, hogy Todd Phillips komor szupergonosz eredettörténete ekkora figyelmet generálna a középpontjában álló rémálomszerű alakítás nélkül. Arthur Fleck, a lelki betegségek és karriercsúszások garmadájával küzdő, merengő Gotham-lakó szerepében Phoenix az utóbbi idők legjobb alakításai közül néhányat – A Mestertől a Soha nem is voltál itthonig – csatornázza be, hogy olyan emberré váljon, akit az őt minden irányból felemésztő sötét erők határoznak meg.

Váltakozva visszafogott és hivalkodó, borzalmas és vidám, Phoenix olyan ellentmondásokban fürdeti Fleck-et, amelyek meghatározzák a film nyugtalanító hangvételét; mi több, egész testét átadja a szerepnek, az amerikai moziban ritkán látott egyedülálló elkötelezettséggel. Szálkás testalkata a német expresszionizmus egy 1980-as évek városi miliőjébe tévedő, a körülötte lévő világot értelmezni próbáló, végül feladni próbáló teremtményét sugallja. A “Joker”-t nézve nem tagadhatjuk le azt az érzést, hogy Phoenix nem csupán egy túlságosan exponált képregényfigurát alakít remekül, hanem az alapoktól kezdve újra feltalálja Jokert. A színésznek sikerült beleélnie magát a Joker pszichéjébe, egy popkulturális figurát a földre rántva, és valóságosnak tűntetve őt. Ez egy olyan transzgresszív teljesítmény, amely ezt az ellentmondásos filmet egy korszakalkotó színészi bemutatóvá változtatja. -EK

Brad Pitt, “Ad Astra”

Az “Ad Astra” azzal kezdődik, hogy Brad Pitt Roy McBride őrnagya, Roy McBride egy nagyon különleges “én” időt tölt el a boldogságos helyén, magasan a Föld felett. A maga csendes módján éppúgy a férfiasság paródiája, mint Tyler Durden; tökéletes hős egy olyan filmhez, amelyet kevésbé az űr tágassága, mint inkább az ember kicsinysége gyötör. Pitt csontjaiban érti a szerepet, és olyan alakítást nyújt, amely a passzivitást az önvédelem halálos formájává teszi fegyverként. A színész maga a vákuum, és olyan üres és elégedett arckifejezést visel, amitől Tyler Durden legszívesebben a tökéletes arcába vágna. Aztán Roy a földre zuhan. Egy hatalmas és rejtélyes elektromos túlfeszültség miatt az antenna megbolondul, és mindenki, aki rajta áll, lezuhan (szerencsére ejtőernyővel). Ez egy tökéletes mikrokozmosz a következő filmre: Minél messzebbre utazik Roy az űrben, annál közelebb zuhan haza. Még Pitt szemével nézve is úgy tűnik, mintha az akció valaki mással történne. Roy útjának minden egyes része eltörli önmagát – minden egyes lépés, amit az apja nyomdokain tesz, egyre távolabb viszi őt attól, hogy a saját emberévé váljon. -DE

Aston Sanders, “Native Son”

HBO

Aston Sanders egymaga viszi Rashid Johnson filmjét minden jelenetben. A film azt a feladatot bízza rá, hogy az irodalmi antihős, Bigger Thomas modern változatát kormányozza át igen összetett és felkavaró terepen. Richard Wright 1939-es provokatív regényének hőseként Bigger túlságosan is elvont a saját érdekében. De Johnson forgatókönyve, Sandersszel a szerepben, rengeteg nehéz munkát végez, hogy megpróbálja kitölteni őt.

Míg maga a film nem mindig áll össze, Sanders érzelmileg gazdag alakítása segít, hogy végig magával ragadó maradjon. Bigger nehéz helyzetét átélhetővé teszi, mivel a néző átérzi a szorongását, rettegését és elkeseredettségét a körülötte lévő világgal szemben. Ahogy a színész az arckifejezéseken és finom manírjain keresztül képes elmesélni a karakter történetének nagy részét, és ahogyan bizonyos tekintélyt parancsoló magabiztossággal viseli magát – ilyen karcsú, sőt erőtlen testalkata ellenére -, az lenyűgöző látvány. Sanders Wright regényét egyedülálló portrévá változtatva mutatja meg, miért is olyan óriási tehetség a filmvásznon. A “Holdfény” fiatal tehetségének alakítása, akárcsak az Oscar-díjas filmben, még sokáig megmarad a stáblista után is. -TO

Adam Sandler, “Vágatlan drágakövek”

Adam Sandler az évek során sok ellenszenves, önimádó figurát testesített meg, de a “Vágatlan drágakövekkel” 30 éves karrierjének legmegvetendőbb karakterét alakítja. Joshua és Benny Safdie rendezőpáros “Good Time” című filmjének folytatása ugyanezen a hullámhosszon mozog – kíméletlen, elborult, a mozgás és a zaj elnyomhatatlan összemosódásától hajtva. A film egyúttal lebilincselően magasra ívelő, kozmikus látványvilágot párosít egy sötét pszichológiai thriller zord energiájával és hirtelen kitörő, fergeteges komédiával, és a Punch-Drunk Love óta ez az első olyan film, amely valóban Sandler előadói erősségeivel kommunikál.”

Vegyük Howard Ratner frenetikus sagáját – egy gyorsan beszélő ékszerész, aki mindig a következő nagy fogást hajszolja -, adjunk hozzá néhány alantas poént, és a “Csiszolatlan drágakövek” akár a kilencvenes évek végi Happy Madison jukfesztek egyikeként is működhetett volna, valahol a “The Waterboy” és a “Big Daddy” között. Ehelyett Sandler személyiségét egy hitelesebb miliőbe emeli, felerősítve legagresszívabb tulajdonságait, miközben teret ad neki, hogy némi lelket találjon. Sandler mindig is kiválóan értett ahhoz, hogy szimpatizáljunk az elvetemültekkel, de a filmek gyakran nehezen tudnak lépést tartani vele. A “Vágatlan drágakövek” megragadja a zsenialitás lényegét, amely mindvégig a szemünk előtt rejtőzött. -EK