La photographie de danse : Exprimer la beauté du mouvement et de l’émotion

La danse peut donner lieu à des photos d’une beauté époustouflante, mais ce n’est un secret pour personne que photographier un spectacle de danse est très difficile : Cadrer, faire la mise au point et déclencher l’obturateur au bon moment, tout cela doit être fait en assurant la meilleure exposition avec la lumière disponible. Pour Bernie Ng, l’une des photographes de danse et de spectacle les plus prolifiques de Singapour, il ne s’agit pas seulement de capturer l’action, mais aussi l’esthétique et l’émotion qui guident le mouvement. Elle nous donne quelques conseils sur la façon dont elle réussit à obtenir des clichés d’une grande expressivité. (Photos de : Bernie Ng)

EOS 5D Mark III/ EF24-70mm f/2,8L II USM/ Exposition manuelle (f/2,8, 1/250 sec)/ ISO 2500/ WB : Auto
« Pure » par la T.H.E Dance Company (2016)/ Chorégraphie : Kuik Swee Boon/ Danseurs : Anthea Seah & Wu Mi

Gérer l’exposition

Avoir la bonne exposition est probablement l’aspect le plus difficile de la photographie de spectacles de danse. L’éclairage sur scène peut être très extrême, mais comme la photographie au flash n’est généralement pas autorisée, vous devez faire ce que vous pouvez avec la lumière disponible, qui diffère d’un spectacle à l’autre. Bernie conseille ce qui suit :

Utilisez des objectifs à grande ouverture

Cela permettra à suffisamment de lumière d’atteindre le capteur de l’appareil photo, de sorte que vous puissiez garder la vitesse ISO aussi basse que possible pour minimiser le bruit visible. Idéalement, votre kit devrait comprendre :
– Un objectif grand angle pour prendre des photos de toute la scène
– Un téléobjectif zoom pour les gros plans.

Pour en savoir plus sur les objectifs à grande ouverture, cliquez ici :
Lens Basics #9 : Large Aperture Lenses

Prendre en manuel, ou utiliser la compensation d’exposition avec le mode Av ou Tv

Les conditions sur scène peuvent changer très rapidement, vous voudrez donc garder un certain contrôle sur vos paramètres d’exposition. Bernie préfère photographier en mode manuel car cela lui permet de mieux personnaliser ses réglages. Mais si vous choisissez d’utiliser un mode semi-automatique, elle conseille d’utiliser la compensation d’exposition pour obtenir l’exposition appropriée.

Pour les débutants, le mode priorité à l’ouverture (Av) est probablement plus facile pour commencer : Il suffit de régler l’ouverture maximale, et l’appareil photo vous donnera la vitesse d’obturation la plus rapide possible sans sous-exposition. Le mode priorité à la vitesse (Tv) vous permet de contrôler la vitesse d’obturation, mais il peut être un peu plus délicat d’obtenir une exposition adéquate.

Vitesse d’obturation : sachez ce dont vous avez besoin

Considérez des facteurs tels que le type de danse, la chorégraphie et le type de plan que vous essayez d’obtenir. La vitesse d’obturation de référence de Bernie est de 1/250 seconde, qu’elle ajuste si nécessaire. Par exemple, elle peut décider d’utiliser un obturateur lent si elle estime que cela ajoute à l’image.

EOS 5D Mark III/ EF24-105mm f/4L IS USM/ Exposition manuelle (f/4,0, 1/13 sec)/ ISO 800/ WB : Auto
« Giving » par Frontier Danceland (2015)/ Chorégraphie : Adrian Skjoldborg

L’utilisation d’un obturateur lent peut ajouter du dynamisme et animer la composition. Bernie dit de ce cliché : « Si j’avais figé le mouvement, le cliché aurait probablement eu l’air plutôt ordinaire ». Elle a décidé d’utiliser une vitesse d’obturation lente pour créer un flou de mouvement, en gardant la mise au point sur la danseuse. Cela a permis de remplir les espaces vides et d’ajouter du mouvement à l’image.

Conseil professionnel : Si vous avez accès à l’équipe de plateau et au concepteur d’éclairage…
Si vous n’avez pas besoin de connaître tous les détails de la configuration, l’équipe de plateau et le concepteur d’éclairage pourraient vous donner un aperçu de ce à quoi vous devez vous attendre. Bernie demande généralement quelle sera la configuration de l’éclairage, et s’il y aura des lumières extrêmes.

Des idées créatives : L’éclairage stroboscopique peut être une excellente opportunité !

EOS 5D Mark III/ EF70-200mm f/4L IS USM/ Exposition manuelle (f/4, 1,3 sec)/ ISO 320/ WB : Auto
« Planet Romeo »/ Présenté à DiverCity, dans le cadre du festival de danse contemporaine M1 Contact (2015)/ Chorégraphe &Danseur : Daniel Kok

Certains spectacles comportent des éclairages stroboscopiques, ce qui pourrait vous faire rater des plans si vous n’êtes pas préparé lorsqu’ils s’allument. Cependant, si vous êtes préparé et réagissez assez vite, cela peut être l’occasion d’être créatif. Pour cette prise de vue, Bernie a pris une décision rapide pour ralentir son obturateur et créer un effet stroboscopique.

La danse n’est pas seulement une question d’action

EOS 5D Mark III/ EF24-105mm f/4L IS USM/ Exposition manuelle (f/4, 1/400 sec)/ ISO 12800/ WB : Auto
The Ordinary Man by T.H.E Dance Company (2014) présenté par Huayi – Festival des arts chinois, Esplanade – Theatres on the Bay/ Chorégraphie : Wu Yi-San & Kuik Swee Boon

Beaucoup de gens pensent aux jump shots à la mention de la photographie de danse, mais les moments calmes peuvent aussi être dramatiques. Pour capturer de tels moments, Bernie dit qu’elle accorde une attention particulière à :

Des lignes soignées et des poses correctes

Apprendre à identifier ce qui fonctionne bien et ce qui ne fonctionne pas. Ces éléments peuvent être différents selon les genres de danse. Cependant, vous n’avez pas nécessairement besoin d’avoir une formation en danse pour prendre des photos décentes – il s’agit surtout d’un bon sens esthétique. Faites en sorte que les danseurs soient beaux.

Les visages des danseurs

Une grande partie de la danse consiste à transmettre des pensées et des sentiments au public. Bernie essaie de capturer les émotions et les expressions faciales qui sont appropriées à la chorégraphie. C’est là qu’il est utile de savoir de quoi parle la chorégraphie avant de filmer ! Les expressions faciales intrigantes des danseurs dans le plan ci-dessus reflètent la nature comique de la chorégraphie, qui a été inspirée par le crosstalk chinois.

Regardez les plans où les danseurs clignent des yeux ou ont des regards vides et non focalisés (à moins que cela ne fasse partie de la chorégraphie) – vous voudrez probablement les filtrer.

Conseil de pro : être sensible aux plans qui sont vus

N’oubliez pas que votre appareil photo peut capturer des choses que l’œil humain ne peut pas voir : En cliquant, vous allez inévitablement capturer des clichés qui ne sont peut-être pas les plus flatteurs. Soyez très sensible et prudent lorsque vous sélectionnez les clichés à livrer (si vous êtes en mission). Obtenez la permission du danseur ou de la compagnie si nécessaire, en particulier si vous partagez les images sur vos médias sociaux, votre site Web ou tout autre lieu public.

Les photos de danse ne doivent pas nécessairement porter sur tout le corps

EOS 5D Mark III/ EF24-70mm f/2,8L II USM/ Exposition manuelle (f/2,8, 1/100 sec)/ ISO 400/ WB : Auto
« Pallavi in Time » By Chowk Productions (2017)/ Chorégraphie : Raka Maitra

Les gros plans sur le visage ou d’autres détails peuvent également donner des images très évocatrices.

« Les pieds étaient très importants dans cette chorégraphie, et il y avait beaucoup de piétinement », se souvient Bernie à propos du cliché ci-dessus. Elle voulait faire un gros plan sur les bracelets de cheville aux pieds des danseurs. Le plan a bien fonctionné, car l’éclairage était également centré sur les pieds. « Si j’avais pris le cliché de manière normale, le haut du corps aurait été enveloppé d’obscurité. »

Bonus : si vous voulez vraiment ce jump shot…

EOS 5D Mark III/ EF24-105mm f/4L IS USM/ Exposition manuelle (f/4, 1/250 sec)/ ISO 5000/ WB : Auto
« Schubert Symphony » par le Singapore Dance Theatre (2016)/ Chorégraphie : Choo-San Goh

Les sauts sont une question de timing précis : « Si vous voyez le saut, vous arrivez trop tard ». Pour obtenir le bon timing, elle conseille de ne pas trop compter sur le tir en rafale. Apprenez plutôt à savoir quand appuyer sur le bouton de l’obturateur. Parfois, il est possible de s’inspirer de la musique ou d’identifier le moment où les danseurs se préparent à sauter. Cela prendra probablement beaucoup d’essais et d’erreurs, mais vos compétences en tant que photographe s’amélioreront grâce à cela.

Autres choses à noter

1. Vous devrez répondre très rapidement

Les choses sur scène se produisent rapidement, et vous devrez anticiper les moments et répondre presque instinctivement afin d’obtenir les photos que vous voulez. Il est utile de :

– Disposer d’un appareil photo rapide et réactif comme la série EOS 5D ou l’EOS-1D X Mark II. L’EOS 7D Mark II est également un bon choix si vous débutez, mais vous pourriez éventuellement vouloir les détails qu’un capteur plein format peut capturer.
– Connaître les fonctions et les configurations de votre appareil photo de manière intuitive. Personnalisez vos boutons pour un accès rapide.
– Utilisez la mise au point par bouton arrière. Cela rend la prise de vue plus efficace car vous n’aurez pas à refaire la mise au point à chaque fois après avoir appuyé sur le bouton de l’obturateur.
– Obtenez beaucoup d’expérience. Avoir beaucoup de pratique vous aide à mieux penser sur vos pieds.
– Regardez beaucoup de danse même lorsque vous ne tirez pas. Cela vous aide à vous familiariser avec le timing et l’esthétique. De plus, il est plus facile d’apprécier la danse pour ce qu’elle est lorsque vous la voyez et la vivez à travers vos propres yeux – et non à travers vos lentilles !

2. Respectez qui est sur scène, et respectez le public

Il est facile de se laisser emporter par le moment, mais soyez prévenant à la fois envers le public et envers les danseurs sur scène.

Faites…
– Ne prenez des photos que lorsque cela est autorisé
– Éteignez la lumière rouge de mise au point AF
– Éteignez votre flash

Ne faites pas…
– Soyez trop près des danseurs. Cela peut être distrayant si vous (ou votre énorme téléobjectif) faites intrusion dans leur espace, d’autant plus qu’il y a de fortes chances qu’ils aient une conscience spatiale accrue lorsqu’ils dansent.
– Obstruer la vue du public.

3. Enfin, respectez les danseurs

Les danseurs travaillent très dur pour perfectionner leur art, et sans eux, vous n’auriez pas vos photos.

– Pensez à la façon dont ils veulent être représentés. Montrez-les sous leur meilleur jour, et rendez justice à leurs efforts.
– N’oubliez jamais de créditer les danseurs et les chorégraphes dans votre cliché. Vous pouvez voir que nous l’avons fait pour cet article !
– Construisez votre connexion avec votre sujet. Regardez plus de danse, ou prenez des cours de danse si vous êtes prêt à le faire ! Au fur et à mesure que votre appréciation du sujet grandit, elle peut se refléter dans les clichés que vous prenez. « Quand je photographie les danseurs, c’est presque comme si je dansais avec eux à travers mes objectifs », partage Bernie.

La durée de carrière des danseurs est courte. Vos photos d’eux se produisant sur scène dans leur élément pourraient bien être la seule trace de ces moments précieux, alors visez à prendre des photos qui leur apporteront de la joie et leur feront revivre de bons souvenirs.