Filmaker

American Fable

L’interview ci-dessous a été publiée à l’origine pendant le SXSW 2016, lorsque la cinéaste débutante Anne Hamilton a présenté en avant-première son thriller gothique dans les années 80, American Fable, qui mêle la fantaisie del Toro-esque à une critique de la politique économique de l’ère Reagan. Le film prend l’affiche aujourd’hui à New York au IFC Center.

En avant-première mondiale dans la section Visions du SXSW se trouve American Fable, le premier film d’Anne Hamilton, diplômée 2014 de l’AFI Directing Workshop for Women. Avant de commencer sa carrière dans le cinéma en travaillant sur le plateau de The Tree of Life de Terrence Malick, Hamilton a étudié le droit et la philosophie et, comme elle le raconte ci-dessous, elle a appliqué des aspects de son éducation à sa première incursion en tant que réalisatrice. Elle discute ci-dessous de son parcours professionnel, des dimensions politiques de son film et de ce qu’elle a appris de Malick.

Cinéaste : C’est votre premier long métrage après avoir étudié le droit et la philosophie. Comment avez-vous bifurqué vers le cinéma, et comment pensez-vous que l’étude de ces disciplines a influencé votre choix de matériel et votre approche en tant que réalisatrice ?

Hamilton : J’aime tout simplement la philosophie, et j’étais le président du club de philosophie à l’université, donc cela vous dit probablement quelque chose sur le fait que je suis un nerd. La philosophie est une discipline extrêmement imaginative parce qu’elle entraîne votre esprit à voir les limites de l’expérience humaine d’une manière systématique et à imaginer des scénarios qui mettent à l’épreuve nos intuitions sur ce que sont la vérité et le bien. L’étude du droit est différente – elle vous forme à être capable d’argumenter les deux côtés d’un point de vue. Je pense que les grands films font ces deux choses. American Fable teste vraiment notre concept du bien et du mal et argumente les deux côtés pour chaque personnage, et c’est en partie ce qui en fait une histoire forte.

Filmmaker : Pourquoi avoir situé le film dans les années 1980 ? A quels défis cela a confronté la production, et comment les avez-vous surmontés ?

Hamilton : Le fait de le situer en 1982 m’a permis de parler plus librement d’une question politique et sociale importante – le désengagement de l’Amérique moyenne – mais c’est aussi ce qui fait d’American Fable une histoire intemporelle. Nous ne voyons pas vraiment le passé clairement, nous le romançons, et vous pouvez donc utiliser cela pour qu’une histoire qui se déroule dans le passé semble intemporelle plutôt que datée, à condition de traiter les choses avec douceur. Les défis étaient surtout pour mes équipes de conception de production et de costumes, mais je pense qu’elles se sont beaucoup amusées avec ça aussi. Tous leurs choix pour la période sont vraiment brillants, mais subtils pour ne pas attirer l’attention sur eux.

Filmmaker : Décrivez votre collaboration avec votre directeur de la photographie, Wyatt Garfield. Comment avez-vous développé ensemble le schéma visuel et l’imagerie du film, et à quels choix de production ces idées ont-elles abouti ?

Hamilton : Je voulais vraiment combiner une sorte de mouvement et de jeu à la del Toro avec une utilisation des lentilles et des angles à la Kubrick, et une conscience des couleurs à la Fincher, donc nous avons vraiment étudié Le Labyrinthe de Pan, The Shining et Se7en avant le début du tournage, et nous sommes arrivés à notre propre langage court pour les visuels. Par exemple, il y a plusieurs plans où Gitty court pour ramasser un objet et où nous reculons pour le révéler alors qu’elle s’approche de la caméra, et c’est devenu une chose que nous avons répétée à l’infini avec différents objets importants du film – le poulet, l’échiquier, la hache, etc. Cela crée un sentiment subtil de malaise chez le spectateur, surtout avec un objectif large comme celui que nous utilisions, et une fois que nous l’avons mis en place, les gens savent inconsciemment que cela signifie aussi que l’objet est important. J’ai également associé une couleur à chaque personnage – par exemple, Vera est violette et Gitty mange une barbe à papa violette lorsque Vera se présente pour montrer qu’elle sera influencée par elle. De plus, Wyatt a éclairé le silo avec un vert bleu spécial, et nous avons lentement amené cela dans la maison au fur et à mesure que l’histoire progressait pour montrer que les mondes du silo et de la famille se combinaient pour Gitty.

Cinéaste : Le film est décrit comme un thriller de conte de fées, mais il se déroule dans un moment réel de crise économique qui n’est pas très éloigné dans l’histoire américaine. Quel genre d’équilibre entre l’imaginaire et le réel avez-vous essayé d’établir avec ce film ?

Hamilton : American Fable est un thriller féerique au premier visionnage, il peut être apprécié comme tel. Mais sous la surface, c’est aussi une allégorie sur la désintégration de l’Amérique qui se produit en ce moment et qui a commencé dans les années 1980. Je pense qu’il est difficile, mais important, d’avoir deux niveaux d’intention dans un film, car je veux qu’il y ait des retombées positives lors d’un second visionnage. C’est une question de couches. L’équilibre entre les deux a été atteint en faisant en sorte que la magie de l’histoire se déroule entièrement du point de vue de Gitty – il n’y a vraiment qu’une seule scène où elle n’est pas présente ou observatrice, mais elle est brève – et en laissant ensuite la véritable histoire se dérouler autour d’elle. Il se passe beaucoup de choses que nous ne voyons pas, mais c’est implicite.

Filmier : Enfin, vous avez travaillé en tant que stagiaire sur Tree of Life. Quel genre d’influence cette expérience vous a laissée, et comment a-t-elle affecté la façon dont vous avez abordé American Fable ?

Hamilton : J’ai travaillé pour lui en 2008-2009 en tant que stagiaire, ce qui est loin maintenant. Terry a définitivement changé ma vie lorsqu’il m’a appelé et offert le stage, et en tant que jeune de 20 ans qui n’avait jamais rencontré de réalisateur auparavant, j’ai juste absorbé tout ce que je pouvais en étant autour de lui et en observant son style de leadership et ses instincts de montage. Mon style est cependant très différent de l’esthétique de Terry. Je pense que la plus grande chose que j’ai apprise de lui est la patience et la concentration nécessaires pour diriger un groupe de personnes. Pour un réalisateur, faire un film, c’est parfois comme pousser un 747 rempli de personnes sur une piste d’atterrissage, et il faut avoir beaucoup de force intérieure pour le faire avec grâce. Terry en a à revendre.