Emma Amos – Galerie RYAN LEE

BIOGRAPHIE

Emma Amos (née en 1937 à Atlanta, GA – morte en 2020 à Bedford, NH) était une artiste, éducatrice et activiste pionnière. Peintre dynamique et coloriste magistrale, son engagement à interroger le statu quo de l’histoire de l’art a donné lieu à un ensemble d’œuvres vibrantes et intellectuellement rigoureuses. Influencée par l’art moderne d’Europe occidentale, l’expressionnisme abstrait, le mouvement des droits civiques et le féminisme, Amos a été amenée à explorer la politique de la culture et les questions de racisme, de sexisme et d’ethnocentrisme dans son art. « J’ai toujours affirmé, » a dit un jour Amos, « que pour moi, une femme artiste noire, entrer dans le studio est un acte politique. »

Artiste connue pour avoir repoussé les limites techniques et thématiques, Amos a fait sans complexe un art qui reflétait l’expérience des femmes noires, même lorsque cet art ne suscitait que peu ou pas de réaction de la part de ses pairs et critiques masculins. Elle a été profondément influencée par les droits civiques et les mouvements noirs qui ont fait pression pour être reconnus dans le monde de l’art. Amos est devenue membre de Spiral, un important collectif afro-américain en 1964, mais a constaté que l’effort de représentation des Noirs dans le monde de l’art omettait souvent les femmes. Elle s’est ensuite engagée dans divers collectifs féministes underground, dont Heresies de 1982 à 1993, et le groupe avant-gardiste Guerilla Girls après sa fondation en 1985. Étant l’un des rares membres noirs du collectif Heresies, elle a joué un rôle important dans la publication du numéro de 1982 de la revue consacré à la race au sein du mouvement artistique féministe. Les peintures vives et puissantes d’Amos sont fréquemment une célébration du corps noir, rappelant constamment au spectateur, au critique et au monde de l’art en général la présence indéniablement importante du corps noir et féminin qui a si souvent été négligé.

Les premières œuvres abstraites d’Amos, fortement influencées par l’expressionnisme abstrait, le Pop Art et la peinture Color Field, démontrent un intérêt initial pour l’expérimentation de la couleur et de l’espace, ce qui a donné lieu à des peintures « Attitude » très colorées dans les années 1960. Dans ces œuvres, la jeune Amos, qui commençait à peine sa carrière à New York, se représentait souvent dans des compositions audacieuses et colorées. La nature insouciante de ces peintures a fait place à des réflexions plus mûres sur les rôles simultanés d’Amos en tant que mère, épouse et artiste, alors qu’elle construisait sa famille dans les années 1970. C’est en travaillant sur ces œuvres qu’Amos a introduit pour la première fois sa figure signature en flux. Cet intérêt pour la couleur et le mouvement, ainsi qu’un engagement social et politique croissant, ont donné naissance à sa série « Athletes and Animals » au début des années 1980. Dans cette série de peintures, Amos considère la beauté et la force des athlètes noirs et des animaux sauvages – une comparaison raciste utilisée dans le passé pour dénigrer les hommes et les femmes noirs. En mettant en parallèle des images de joueurs sportifs avec des lions, des guépards et des crocodiles, elle suggère le pouvoir éphémère et illusoire, à la fois dans la physicalité et l’influence, de l’athlète noir.

La série ultérieure « Falling Series » d’Amos se rapporte spécifiquement aux propres anxiétés d’Amos entourant l’effacement de l’histoire, du lieu et des personnes. Dans cette série d’œuvres, elle s’est également penchée sur la crise économique de l’ère Reagan et sur les abysses. Elle a représenté des danseurs, des chanteurs et d’autres personnages glissant, culbutant et se précipitant dans des espaces abstraits parmi des architectures iconiques et classiques, des motifs mythologiques et des symboles de la musique jazz et blues, comme un moyen de traiter ses propres anxiétés sociales et personnelles.

Les drapeaux américain et confédéré apparaissent fréquemment dans l’œuvre d’Amos, qui réfléchit à la signification conceptuelle et historique de la nature nationaliste, communautaire et raciste de ces symboles au sein de la société et de la propre expérience vécue d’Amos. Le « x » de la Confédération traverse nombre de ses œuvres des années 1990. Dans la plupart de ses œuvres du milieu de sa carrière et des dernières années, Amos a utilisé des tissus africains traditionnels comme bordures pour ses compositions. Tisseuse accomplie, elle inclut également des collages de son propre tissage dans ses peintures, brouillant ainsi délibérément les frontières entre l’artisanat et les beaux-arts. Elle a poursuivi cette pratique tout au long de sa carrière. Les œuvres vives qu’Amos a produites dans les années 2000 sont un point culminant de l’importance durable de sa passion profonde et permanente pour la couleur, l’activisme et l’innovation technique.

Née dans la ségrégation d’Atlanta, GA, Amos est diplômée du Collège Antioch dans l’Ohio en 1958 et poursuit ses études à la Central School of Art de Londres. Après avoir terminé ses études en Angleterre, Amos s’installe à New York. Bien qu’elle soit finalement devenue active sur la scène artistique du centre-ville, travaillant aux côtés d’artistes éminents tels que Romare Bearden, Hale Woodruff, Norman Lewis, Alvin Hollingsworth et Charles Alston, Amos a eu du mal à trouver ses marques dans la ville, trouvant que des obstacles considérables étaient dressés contre elle en raison de son âge, de son sexe et de sa race. Elle a obtenu une maîtrise en arts de l’université de New York en 1965 et a continué à enseigner l’art à la Dalton School de New York. En 1980, elle devient professeur, puis présidente du département des arts visuels à la Mason Gross School of Art de l’université Rutgers. Elle y a enseigné pendant 28 ans.

En 2016, Amos a reçu le prix Larry D. et Brenda A. Thompson du Georgia Museum of Art et a été honorée par le Studio Museum de Harlem en tant qu’icône et pionnière, aux côtés de Faith Ringgold et Lorraine O’Grady.

Les peintures d’Amos ont fait partie de nombreuses expositions individuelles et collectives, notamment Changing the Subject (1994) du Montclair Museum of Art, organisée par Holly Block ; Emma Amos du College of Wooster Art Museum : Paintings & Prints, 1982-1992 (1995), organisée par Thalia Gouma-Peterson ; et Wrapped in Pride du Newark Museum : Ghanaian Kente and African-American Identity (1999). Plus récemment, les œuvres d’Amos ont été exposées au Museum of Contemporary Art, Los Angeles’s With Pleasure : Pattern and Decoration in American Art 1972-1985 (2019) ; et au Whitney Museum of American Art’s Spilling Over : Painting Color in the 1960s (2019) ; et à l’exposition We Wanted A Revolution du Brooklyn Museum en 2017 : Black Radical Women, 1965-85. Emma Amos : Color Odyssey, une rétrospective de l’œuvre d’Amos, ouvrira au Georgia Museum of Art en 2021 et voyagera au Philadelphia Museum of Art et au Munson-Williams-Proctor Arts Institute à New York.

Ses œuvres font partie des collections du Baltimore Museum of Art, MD ; Bass Museum of Art, FL ; Birmingham Museum of Art, AL ; British Museum, Londres ; Bronx Museum of Art, NY ; Brooklyn Museum of Art, NY ; James F. Byrnes Institute, Allemagne ; Museo de las Artes, Mexique ; Metropolitan Museum of Art, NY ; Minneapolis Museum of Art, MN ; Museum of Modern Art, NY ; Newark Museum, NJ ; Studio Museum in Harlem, NY ; Whitney Museum of American Art, NY, et Yale University Art Gallery, CT, entre autres.