Filmemacherin

American Fable

Das untenstehende Interview wurde ursprünglich während der SXSW 2016 veröffentlicht, als die Filmemacherin Anne Hamilton ihren in den 80er Jahren angesiedelten Gothic-Thriller American Fable vorstellte, der del Toro-eske Fantasie mit einer Kritik an der Wirtschaftspolitik der Reagan-Ära verbindet. Der Film läuft heute in New York im IFC Center an.

Weltpremiere in der Sektion Visions der SXSW hat American Fable, der Debütfilm der Absolventin des AFI-Regieworkshops für Frauen von 2014, Anne Hamilton. Bevor sie ihre Filmkarriere mit der Arbeit am Set von Terrence Malicks The Tree of Life begann, studierte Hamilton Jura und Philosophie. Wie sie weiter unten erzählt, hat sie Aspekte ihrer Ausbildung auf ihren ersten Ausflug als Regisseurin angewendet. Im Folgenden spricht sie über ihren Karriereweg, die politische Dimension ihres Films und darüber, was sie von Malick gelernt hat.

Filmemacher: Dies ist Ihr Spielfilmdebüt, nachdem Sie Jura und Philosophie studiert haben. Wie sind Sie zum Filmemachen gekommen, und wie hat das Studium dieser Disziplinen Ihre Stoffwahl und Ihre Herangehensweise als Regisseurin beeinflusst?

Hamilton: Ich liebe Philosophie, und ich war Präsidentin des Philosophie-Clubs am College, das sagt wahrscheinlich etwas darüber aus, wie sehr ich ein Nerd bin. Die Philosophie ist eine äußerst fantasievolle Disziplin, weil sie den Verstand schult, die Grenzen der menschlichen Erfahrung systematisch zu erkennen und Szenarien zu entwerfen, die unsere Intuitionen über die Wahrheit und das Gute auf die Probe stellen. Das Studium der Rechtswissenschaften ist etwas anderes – es schult die Fähigkeit, beide Seiten eines Standpunkts zu vertreten. Ich denke, großartige Filme tun beides. American Fable stellt unser Konzept von Recht und Unrecht auf den Prüfstand und argumentiert für jede Figur beide Seiten, und das ist ein Teil dessen, was es zu einer starken Geschichte macht.

Filmemacher: Warum haben Sie den Film in den 1980er Jahren angesiedelt? Mit welchen Herausforderungen war die Produktion konfrontiert, und wie haben Sie sie gemeistert?

Hamilton: Die Verlegung in das Jahr 1982 hat es mir ermöglicht, freier über ein wichtiges politisches und soziales Thema zu sprechen – die Entrechtung der amerikanischen Mittelschicht -, aber es ist auch das, was American Fable zu einer zeitlosen Geschichte macht. Wir sehen die Vergangenheit nicht wirklich klar, wir romantisieren sie, und das kann man nutzen, um eine Geschichte, die in der Vergangenheit spielt, zeitlos und nicht veraltet erscheinen zu lassen, vorausgesetzt, man geht mit den Dingen behutsam um. Die Herausforderungen waren vor allem für meine Produktionsdesign- und Kostümteams, aber ich glaube, sie hatten auch viel Spaß dabei. Alle ihre Entscheidungen für die Epoche sind wirklich brillant, aber so subtil, dass sie nicht die Aufmerksamkeit auf sich ziehen.

Filmmaker: Beschreiben Sie Ihre Zusammenarbeit mit Ihrem Kameramann, Wyatt Garfield. Wie haben Sie gemeinsam das visuelle Schema und die Bildsprache des Films entwickelt, und zu welchen Produktionsentscheidungen haben diese Ideen geführt?

Hamilton: Ich wollte wirklich eine del-Toro-Art von Bewegung und Verspieltheit mit einer Kubrick-artigen Verwendung von Linsen und Winkeln und einer Fincher-Art von Farbbewusstsein kombinieren, also studierten wir wirklich Pans Labyrinth, The Shining und Se7en, bevor die Dreharbeiten begannen, und entwickelten unsere eigene Kurzhandsprache für die Bilder. Es gibt zum Beispiel einige Einstellungen, in denen Gitty rennt, um einen Gegenstand aufzuheben, und wir ziehen zurück, um ihn zu enthüllen, während sie sich auf die Kamera zubewegt, und das haben wir immer wieder mit verschiedenen wichtigen Objekten im Film gemacht – dem Huhn, dem Schachbrett, der Axt usw. Das erzeugt beim Publikum ein subtiles Gefühl der Unruhe, vor allem bei einem Weitwinkelobjektiv wie dem, das wir verwendet haben, und wenn wir es erst einmal eingerichtet haben, wissen die Leute unterbewusst, dass das Objekt auch wichtig ist. Ich habe auch jeder Figur eine Farbe zugeordnet – zum Beispiel ist Vera lila und Gitty isst eine lila Zuckerwatte, als Vera auftaucht, um zu zeigen, dass sie von ihr beeinflusst wird. Außerdem hat Wyatt das Silo mit einem speziellen Blaugrün beleuchtet, das wir im Laufe der Geschichte langsam in das Haus gebracht haben, um zu zeigen, dass sich die Welten des Silos und der Familie für Gitty verbinden.

Filmemacher: Der Film wird als märchenhafter Thriller beschrieben, aber er spielt in einem realen Moment der Wirtschaftskrise, der in der amerikanischen Geschichte nicht allzu weit entfernt ist. Welche Art von Gleichgewicht zwischen dem Imaginären und dem Realen haben Sie mit diesem Film angestrebt?

Hamilton: American Fable ist ein märchenhafter Thriller, den man auf den ersten Blick auch als solchen erkennen kann. Unter der Oberfläche ist er aber auch eine Allegorie auf den Zerfall Amerikas, der gerade stattfindet und in den 1980er Jahren begann. Ich denke, dass es schwierig, aber wichtig ist, einen Film auf zwei Ebenen oder mit zwei Intentionen zu drehen, denn ich möchte, dass es sich lohnt, den Film ein zweites Mal anzusehen. Es geht nur um die Ebenen. Das Gleichgewicht zwischen den beiden Ebenen wurde dadurch erreicht, dass die Magie der Geschichte komplett aus Gittys Perspektive geschieht – es gibt nur eine einzige Szene, in der sie nicht dabei ist oder beobachtet, aber die ist kurz – und dann die eigentliche Geschichte um sie herum passiert. Es passiert eine Menge, was wir nicht sehen, aber es wird angedeutet.

Filmemacher: Schließlich haben Sie als Praktikantin an „Tree of Life“ mitgearbeitet. Welchen Einfluss hatte diese Erfahrung auf Sie, und wie hat sie sich auf die Art und Weise ausgewirkt, wie Sie an American Fable herangegangen sind?

Hamilton: Ich habe 2008-2009 als Praktikant für ihn gearbeitet, das ist jetzt schon eine Weile her. Terry hat mein Leben definitiv verändert, als er mich anrief und mir das Praktikum anbot. Als junger Mann von 20 Jahren, der noch nie zuvor einen Regisseur getroffen hatte, habe ich einfach alles aufgesaugt, was ich konnte, indem ich in seiner Nähe war und seinen Führungsstil und sein Gespür für den Schnitt beobachtet habe. Mein Stil unterscheidet sich jedoch stark von Terrys Ästhetik. Ich glaube, das Wichtigste, was ich von ihm gelernt habe, war, wie viel Geduld und Konzentration es braucht, um eine Gruppe von Menschen zu führen. Für einen Regisseur ist das Drehen eines Films manchmal so, als würde man eine 747 voller Menschen allein über eine Startbahn schieben, und man muss viel innere Stärke haben, um das mit Anmut zu tun. Terry hat das in Hülle und Fülle.