Lo que el viento se llevó

Después de casi un año de rodaje, edición y puntuación, la producción de David O. Selznick de «Lo que el viento se llevó», de la novela de Margaret Mitchell sobre la Guerra Civil y el período de reconstrucción, llega a la pantalla como una de las grandes películas, destinada a batir récords de taquilla en todas partes. La suntuosidad de su producción, el cuidado y la habilidad consumados que se han empleado en su realización, la reunión de su excelente reparto y el experto personal técnico se combinan para presentar una atracción teatral que justifica completamente la inversión principesca de 3.900.000 dólares.

Aunque su éxito en los cines es incuestionable, «Lo que el viento se llevó» comienza su carrera pública como un niño problemático de la taquilla debido a su verboso metraje. La duración real es de tres horas y 37 minutos.

Puntualizada por un breve intermedio único, el visionado de la película se convierte en una aventura de diversión que retiene a los clientes en las salas mucho después de la hora convencional establecida. El volumen de ventas, por lo tanto, es imposible – de hecho, la experiencia de exhibición en la media docena de ciudades en las que la película se estrena esta semana y la próxima puede proporcionar la solución y hacer que «Wind» tenga su mejor política de exhibición, como una atracción de dos días. Debido a los prolongados compromisos que son seguros, incluso en las comunidades más pequeñas, la película creará su propio nivel de manejo especial, y probablemente establecerá una nueva y más progresiva era de exhibición.

Lo que se muestra en las marquesinas del teatro que mostrará la película es la combinación de potentes valores de taquilla, inigualados por cualquier otra película en este momento. Se dice que la novela de la Srta. Mitchell, como best seller, ha superado el 1.500.000 de ventas, y ha sido sin duda la obra de ficción americana más comentada de la última década. En los papeles principales, cuyo reparto fue objeto de debate y conjeturas a nivel nacional durante muchos meses, están Clark Gable, como Rhett Butler; Vivien Leigh, una joven actriz inglesa, que realiza una brillante interpretación de Scarlett O’Hara; Leslie Howard y Olivia de Havilland, como Ashley y Melanie, y la marca de fábrica de Selznick, una reconocida garantía de excelencia en la pantalla.

Casi igualmente conocidos en el sector son el director, Victor Fleming; el compositor musical, Max Steiner, y el escenógrafo, el difunto Sidney Howard, a quien se atribuye el crédito del guión en exclusiva, aunque media docena de escritores de primera línea colaboraron durante los períodos de preparación y rodaje. Tal vez la característica más destacada de la colaboración en el guión sea la aparición de un drama de muchas mentes y manos que lleva todas las marcas de la devota unidad de propósito, en el que la hábil construcción de la historia, los incidentes y la caracterización se construyen hasta alcanzar el clímax, y luego se precipitan hacia otros choques emocionales.

Lo que realmente se muestra en la pantalla es la historia de Margaret Mitchell, comenzando en la página uno, capítulo uno, y continuando hasta el final y el último trozo de diálogo, cuando Rhett abandona su casa y a la suplicante Scarlett, declarando que le importa un «bledo» lo que le ocurra a ella. La inclusión de la frase blasfema, tomada literalmente del texto de la novela, es un indicio de la fidelidad de la traducción. Hay eliminaciones y transposiciones de incidentes menores y sin importancia. Pero «Lo que el viento se llevó» es la historia tal y como la escribió el novelista, grabada fielmente y con precisión por la cámara y el micrófono.

Aquí radica también la causa de algunas críticas a la película. En el deseo aparentemente de no dejar nada fuera, Selznick ha dejado demasiado dentro. Las últimas partes de la historia podrían soportar constructivamente algún recorte vigoroso de escenas y diálogos repetitivos. Como entretenimiento, la película se beneficiaría de las supresiones. La historia de la Srta. Mitchell es buena, y el agotador concurso y los conflictos entre Scarlett y Rhett son absorbentes e interesantes. Pero son excesivamente largos y exagerados. La brevedad y la concisión aumentarían el valor dramático de las escenas finales.

Como en el libro, también en la pantalla, las partes más eficaces de la saga del Sur destruido tratan de los incidentes humanos con el trasfondo de la guerra entre los estados y el impacto de la honorable derrota de las fuerzas del Sur. Fleming ha captado una serie de vistas memorables de la vida y las escenas de las plantaciones, y construye un sólido argumento para una civilización de la caballería. Llega la debacle y los personajes se ven catapultados a nuevas condiciones, a un entorno extraño y odioso. Todo el pasaje de la película, desde el inicio de la guerra hasta la captura de Atlanta, es una experiencia conmovedora y emocionante, culminada por la huida de Scarlett y la nueva madre, Melanie. A su llegada a Tara, tras las dificultades y el peligro, termina la primera mitad de la película.

La característica más distinguida de la obra de Selznick es la superlativa investidura escénica y de vestuario que el productor ha dado a la película, y la incomparable excelencia de la fotografía en Technicolor. Desde el principio hasta el final, «Wind» es una delicia visual, el despliegue de innumerables vistas de la arquitectura y la vestimenta de una época pasada.

Entre los actores, la Scarlett de la señorita Leigh merece el primer elogio como una actuación memorable, de amplia versatilidad y eficaz seriedad. Posee todos los requisitos físicos para el papel. Sin embargo, no es como coqueta lo que más destaca, ni como esposa y madre intrigante, amargada y despiadada que no conoce oposición a su voluntad. Está mejor cuando la historia exige atributos y características de coraje y determinación, como durante la emocionante secuencia de la huida con la indefensa madre y el niño a su cargo. De nuevo, en el breve pasaje con el desertor yanqui al que dispara y mata. Con su juventud, apariencia y abundante talento, la Srta. Leigh salta de «Wind» a un factor de taquilla en el mercado cinematográfico.

El Rhett Butler de Gable es lo más parecido a la concepción de la Srta. Mitchell -y del público- que se pueda imaginar. Hace una imitación contundente.

Tras estos dos, Hattie McDaniel, en el papel de Mammy, es la que más se acerca con una apuesta por el primer puesto como tropera. Es ella quien aporta la escena más conmovedora de la película, su súplica a Melanie para que ésta convenza a Rhett de que permita el entierro de su hija. El tiempo marcará este momento de la película como uno de esos inspiradores trozos de histrionismo que se recordarán durante mucho tiempo.

De los otros protagonistas, Olivia de Havilland destaca como Melanie, y Leslie Howard es convincente como el débil personaje Ashley.

Se conservan vívidas impresiones del trabajo de Thomas Mitchell, como Gerald O’Hara; Victor Jory, como Jonas Wilkerson; Laura Hope Crews, como la tía Pitty; y Ona Munson, como Belle Watling, que aprovecha al máximo sus pocas apariciones. Hay literalmente decenas de papeles de personajes y partes, Harry Davenport es excelente como el Dr. Meade, un papel largo.

Desde el espectáculo hasta el drama íntimo del dormitorio, Fleming mantuvo un firme control sobre la dirección de la historia. La tarea de mantener la atención del público durante casi tres horas y tres cuartos es un reto para el ingenio y la inventiva. Que Fleming lo consiga tan bien puede atribuirse a la forma en que ha destacado a sus protagonistas en cada escena, independientemente de los elementos espectaculares. Así, ha trasladado a una estrofa conmovedora y desgarradora el panorama o los soldados heridos que yacen bajo el sol abrasador en los patios de los trenes de Atlanta. Nunca hay un momento estático en la narración de la historia. Fleming mantiene los personajes y los fondos en movimiento. La película comenzó con George Cukor en la dirección. Fleming le sucedió y Sam Wood se hizo cargo durante un breve periodo cuando Fleming estuvo enfermo.

Todos los aspectos técnicos de «Lo que el viento se llevó» llevan el sello de la artesanía avanzada. A pesar de la amplia gama de escenas representadas y de los personajes mostrados, existe una unidad de diseño y patrón. William Cameron Menzies supervisó la investidura general y Lyle Wheeler fue el director artístico. La autenticidad del mobiliario, las propiedades y el vestuario suscita un interés especial. El trabajo detrás de la pantalla fue considerable en cuanto a investigación y fabricación.

Lo mismo ocurre con todas las demás contribuciones fuera de la pantalla de otros departamentos. Steiner se contuvo en su puntuación de sumergirse en el bathos melódico convencional. El oído capta los acordes de Stephen Foster y los estribillos ocasionales de la gran biblioteca de aires marciales de la Guerra Civil. Tal vez el mayor elogio que se puede hacer del trabajo de Steiner es que la partitura nunca busca el favor por encima de la acción dramática. Las mezclas de sonido estaban tan bien logradas como los diversos montajes visuales.

La tarea de ensamblar y sincronizar actividades tan variadas y numerosas exigía un manejo experto. Fleming contó con la excelente ayuda de Eric G. Stacey y Ridgeway Callow.

La industria y el público han esperado muchos meses por ‘Lo que el viento se llevó’ como película. El trabajo terminado es algo más que otra película, incluso una sobresaliente. Su distribución bajo la política de precios de admisión avanzados, honestamente ganados y voluntariamente pagados, abre un nuevo capítulo en el negocio del cine. Demuestra de nuevo que en el entretenimiento lo mejor es lo más fácil de vender.