Emma Amos – RYAN LEE Gallery

BIOGRAFÍA

Emma Amos (nacida en 1937 en Atlanta, GA, y fallecida en 2020 en Bedford, NH) fue una artista pionera, educadora y activista. Pintora dinámica y colorista magistral, su compromiso de cuestionar el statu quo de la historia del arte dio lugar a una obra vibrante e intelectualmente rigurosa. Influenciada por el arte moderno de Europa occidental, el expresionismo abstracto, el movimiento por los derechos civiles y el feminismo, Amos se sintió atraída por la exploración de la política cultural y las cuestiones de racismo, sexismo y etnocentrismo en su arte. «Siempre he sostenido», dijo Amos en una ocasión, «que para mí, una artista negra, entrar en el estudio es un acto político».

Amos, una artista conocida por sobrepasar los límites técnicos y temáticos, realizó sin reparos un arte que reflejaba la experiencia de las mujeres negras, incluso cuando ese arte no suscitaba apenas respuesta por parte de sus compañeros y críticos masculinos. Se vio profundamente influenciada por los movimientos de derechos civiles y de los negros que presionaron para que se les reconociera en el mundo del arte. Amos se convirtió en miembro de Spiral, un importante colectivo afroamericano en 1964, pero descubrió que el esfuerzo por la representación negra en el mundo del arte a menudo omitía a las mujeres. Entonces se involucró en varios colectivos feministas underground, como Heresies, de 1982 a 1993, y el grupo pionero Guerilla Girls, tras su fundación en 1985. Como uno de los pocos miembros negros del colectivo Heresies, fue una importante colaboradora en la publicación del número de 1982 de la revista en el que se hablaba de la raza dentro del movimiento artístico feminista. Las vívidas y poderosas pinturas de Amos son con frecuencia una celebración del cuerpo negro, recordando constantemente al espectador, a la crítica y al mundo del arte en general la innegable e importante presencia del cuerpo negro y femenino que tan a menudo se ha pasado por alto.

Las primeras obras abstractas de Amos, fuertemente influenciadas por el expresionismo abstracto, el arte pop y la pintura de campo de color, demuestran un interés inicial por experimentar con el color y el espacio, lo que dio lugar a las pinturas «Attitude» altamente coloristas de la década de 1960. En estas obras, una joven Amos, que apenas comenzaba su carrera en la ciudad de Nueva York, se representaba a menudo en composiciones audaces y coloridas. La naturaleza despreocupada de estos cuadros dio paso a reflexiones más maduras sobre los papeles simultáneos de Amos como madre, esposa y artista, mientras construía su familia en la década de 1970. Mientras trabajaba en estas obras, Amos introdujo por primera vez su característica figura en flujo. Este interés por el color y el movimiento, junto con un creciente compromiso social y político, dio paso a su serie «Atletas y animales» a principios de la década de 1980. En esta serie de cuadros, Amos considera la belleza y la fuerza de los atletas negros y los animales salvajes, una comparación racista utilizada en el pasado para denigrar a los hombres y mujeres negros. Comparando imágenes de deportistas con leones, guepardos y cocodrilos, sugiere el poder efímero e ilusorio, tanto físico como de influencia, del atleta negro.

La posterior «Serie de caídas» de Amos se relaciona específicamente con las propias ansiedades de Amos en torno al borrado de la historia, el lugar y la gente. Dentro de esta serie de obras, también consideró la crisis económica de la era Reagan y el abismo. Representó a bailarines, cantantes y otras figuras deslizándose, dando tumbos y precipitándose a través de espacios abstractos entre arquitectura icónica y clásica, motivos mitológicos y símbolos de la música jazz y blues, como forma de procesar sus propias ansiedades sociales y personales.

Las banderas estadounidense y confederada aparecen con frecuencia en la obra de Amos, que reflexiona sobre el significado conceptual e histórico de la naturaleza nacionalista, comunitaria y racista de estos símbolos en la sociedad y en la propia experiencia vivida por Amos. La «x» de la Confederación atraviesa muchas de sus obras de la década de 1990. En gran parte de sus obras de mitad de carrera y posteriores, Amos utilizó telas tradicionales africanas como bordes para sus composiciones. Como experta tejedora, también incluía collages de sus propios tejidos en sus cuadros, desdibujando así las líneas de género entre la artesanía y las bellas artes. Continuó con esta práctica durante el resto de su carrera. Las vívidas obras que Amos produjo en la década de 2000 son la culminación de la importancia duradera de su profunda y permanente pasión por el color, el activismo y la innovación técnica.

Nacida en la segregada Atlanta, GA, Amos se graduó en el Antioch College de Ohio en 1958 y pasó a estudiar en la Central School of Art de Londres. Al terminar sus estudios en Inglaterra, Amos se trasladó a Nueva York. Aunque acabó participando activamente en la escena artística del centro de la ciudad, trabajando junto a destacados artistas como Romare Bearden, Hale Woodruff, Norman Lewis, Alvin Hollingsworth y Charles Alston, Amos luchó por encontrar su lugar en la ciudad, encontrando considerables obstáculos debido a su edad, género y raza. En 1965 obtuvo un máster en Arte por la Universidad de Nueva York y pasó a enseñar arte en la Dalton School de Nueva York. En 1980, se convirtió en profesora y posteriormente en directora del departamento de Artes Visuales de la Mason Gross School of Art de la Universidad de Rutgers. Allí enseñó durante 28 años.

En 2016, Amos recibió el premio Larry D. y Brenda A. Thompson del Museo de Arte de Georgia y fue galardonada por el Studio Museum de Harlem como icono y pionera, junto con Faith Ringgold y Lorraine O’Grady.

Las pinturas de Amos han sido incluidas en numerosas exposiciones individuales y colectivas, entre ellas la del Museo de Arte de Montclair, Changing the Subject (1994), comisariada por Holly Block; la del Museo de Arte del College of Wooster, Emma Amos: Paintings & Prints, 1982-1992 (1995), comisariada por Thalia Gouma-Peterson; y Wrapped in Pride del Newark Museum: Ghanaian Kente and African-American Identity (1999). Más recientemente, la obra de Amos se ha expuesto en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles en la muestra With Pleasure: Pattern and Decoration in American Art 1972-1985 (2019); y en la exposición Spilling Over del Whitney Museum of American Art: Painting Color in the 1960s (2019); y en la exposición de 2017 del Brooklyn Museum We Wanted A Revolution: Black Radical Women, 1965-85. Emma Amos: Color Odyssey, una retrospectiva de la obra de Amos, se inaugurará en el Museo de Arte de Georgia en 2021 y viajará al Museo de Arte de Filadelfia y al Instituto de Arte Munson-Williams-Proctor de Nueva York.

Su obra se encuentra en las colecciones del Museo de Arte de Baltimore, MD; el Museo de Arte Bass, FL; el Museo de Arte de Birmingham, AL; el Museo Británico, Londres; el Museo de Arte del Bronx, NY; el Museo de Arte de Brooklyn, NY; el Instituto James F. Byrnes Institute, Alemania; Museo de las Artes, México; Metropolitan Museum of Art, NY; Minneapolis Museum of Art, MN; Museum of Modern Art, NY; Newark Museum, NJ; Studio Museum in Harlem, NY; Whitney Museum of American Art, NY, y Yale University Art Gallery, CT, entre otros.