Emma Amos – RYAN LEE Gallery

Biografie

Emma Amos (geb. 1937 Atlanta, GA – gest. 2020 Bedford, NH) war eine wegweisende Künstlerin, Pädagogin und Aktivistin. Als dynamische Malerin und meisterhafte Koloristin hinterfragte sie den kunsthistorischen Status quo und schuf ein lebendiges und intellektuell anspruchsvolles Werk. Beeinflusst von der modernen westeuropäischen Kunst, dem abstrakten Expressionismus, der Bürgerrechtsbewegung und dem Feminismus, fühlte sich Amos dazu hingezogen, in ihrer Kunst die Politik der Kultur und Fragen des Rassismus, Sexismus und Ethnozentrismus zu untersuchen. „Ich habe immer behauptet“, sagte Amos einmal, „dass es für mich, eine schwarze Künstlerin, ein politischer Akt ist, ins Atelier zu gehen.“

Als Künstlerin, die dafür bekannt war, technische und thematische Grenzen zu überschreiten, schuf Amos ungeniert Kunst, die die Erfahrungen schwarzer Frauen widerspiegelte, selbst wenn diese Kunst bei ihren männlichen Kollegen und Kritikern wenig bis gar keine Resonanz fand. Die Bürgerrechts- und Schwarzenbewegung, die auf Anerkennung in der Kunstwelt drängte, beeinflusste sie zutiefst. Amos wurde 1964 Mitglied von Spiral, einem bedeutenden afroamerikanischen Kollektiv, stellte aber fest, dass bei den Bemühungen um die Repräsentation von Schwarzen in der Kunstwelt Frauen oft außen vor blieben. Danach engagierte sie sich in verschiedenen feministischen Untergrundkollektiven, darunter Heresies von 1982 bis 1993 und die bahnbrechende Gruppe Guerilla Girls nach ihrer Gründung 1985. Als eines der wenigen schwarzen Mitglieder des Heresies-Kollektivs trug sie 1982 maßgeblich zur Veröffentlichung der Ausgabe der Zeitschrift bei, in der das Thema Rasse in der feministischen Kunstbewegung diskutiert wurde. Amos‘ lebendige und kraftvolle Gemälde sind häufig eine Feier des schwarzen Körpers und erinnern den Betrachter, den Kritiker und die Kunstwelt insgesamt immer wieder an die unbestreitbar wichtige Präsenz des schwarzen und weiblichen Körpers, der so oft übersehen wurde.

Amos‘ frühe abstrakte Werke, die stark vom Abstrakten Expressionismus, der Pop Art und der Farbfeldmalerei beeinflusst sind, zeigen ein anfängliches Interesse am Experimentieren mit Farbe und Raum, was in den 1960er Jahren zu den stark koloristischen „Attitude“-Gemälden führte. In diesen Werken stellte sich die junge Amos, die gerade ihre Karriere in New York City begann, oft in kühnen und farbenfrohen Kompositionen dar. Der unbekümmerte Charakter dieser Gemälde wich reiferen Reflexionen über Amos‘ gleichzeitige Rollen als Mutter, Ehefrau und Künstlerin, als sie in den 1970er Jahren ihre Familie gründete. Während der Arbeit an diesen Werken führte Amos zum ersten Mal ihre charakteristische Figur im Fluss ein. Dieses Interesse an Farbe und Bewegung sowie ein wachsendes soziales und politisches Engagement führten in den frühen 1980er Jahren zu ihrer Serie „Athleten und Tiere“. In dieser Gemäldeserie setzt sich Amos mit der Schönheit und Stärke von schwarzen Sportlern und wilden Tieren auseinander – ein rassistischer Vergleich, der in der Vergangenheit zur Verunglimpfung schwarzer Männer und Frauen verwendet wurde. Indem sie Bilder von Sportlern mit Löwen, Geparden und Krokodilen vergleicht, suggeriert sie die flüchtige und illusorische Macht des schwarzen Sportlers, sowohl in Bezug auf seine Körperlichkeit als auch auf seinen Einfluss.

Amos‘ spätere „Falling Series“ bezieht sich speziell auf Amos‘ eigene Ängste im Zusammenhang mit der Auslöschung von Geschichte, Orten und Menschen. In dieser Serie von Werken setzte sie sich auch mit der Wirtschaftskrise der Reagan-Ära und dem Abgrund auseinander. Sie stellte Tänzer, Sänger und andere Figuren dar, die zwischen ikonischer und klassischer Architektur, mythologischen Motiven und Symbolen der Jazz- und Bluesmusik durch abstrahierte Räume gleiten, taumeln und rasen, um so ihre eigenen sozialen und persönlichen Ängste zu verarbeiten.

Die amerikanische und die Flagge der Konföderierten tauchen häufig in Amos‘ Werk auf, das die konzeptionelle und historische Bedeutung des nationalistischen, gemeinschaftlichen und rassistischen Charakters dieser Symbole in der Gesellschaft und Amos‘ eigene Lebenserfahrung reflektiert. Das „X“ der Konföderation zieht sich wie ein roter Faden durch viele ihrer Werke aus den 1990er Jahren. In einem Großteil ihrer Werke aus der Mitte ihrer Karriere und in späteren Jahren verwendete Amos traditionelle afrikanische Stoffe als Rahmen für ihre Kompositionen. Als versierte Weberin fügte sie auch Collagen ihrer eigenen Webarbeiten in ihre Gemälde ein und verwischte so absichtlich die geschlechtsspezifischen Grenzen zwischen Handwerk und bildender Kunst. Diese Praxis setzte sie für den Rest ihrer Karriere fort. Die lebendigen Werke, die Amos in den 2000er Jahren schuf, sind ein Höhepunkt der anhaltenden Bedeutung ihrer tiefen und lebenslangen Leidenschaft für Farbe, Aktivismus und technische Innovation.

Geboren in dem von Rassentrennung geprägten Atlanta, GA, machte Amos 1958 ihren Abschluss am Antioch College in Ohio und studierte anschließend an der Central School of Art in London. Nach Abschluss ihres Studiums in England zog Amos nach New York City. Obwohl sie schließlich in der Kunstszene der Stadt aktiv wurde und mit prominenten Künstlern wie Romare Bearden, Hale Woodruff, Norman Lewis, Alvin Hollingsworth und Charles Alston zusammenarbeitete, hatte Amos Mühe, in der Stadt Fuß zu fassen, da ihr aufgrund ihres Alters, ihres Geschlechts und ihrer Rasse erhebliche Hindernisse in den Weg gelegt wurden. Sie erwarb 1965 ihren Master of Arts an der New York University und unterrichtete anschließend Kunst an der Dalton School in New York. 1980 wurde sie Professorin und später Vorsitzende der Abteilung für Bildende Kunst an der Mason Gross School of Art der Rutgers University. Sie unterrichtete dort 28 Jahre lang.

Im Jahr 2016 erhielt Amos den Larry D. and Brenda A. Thompson Award des Georgia Museum of Art und wurde vom Studio Museum in Harlem als Ikone und Wegbereiterin geehrt, zusammen mit Faith Ringgold und Lorraine O’Grady.

Amos‘ Gemälde wurden in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt, darunter Changing the Subject (1994) im Montclair Museum of Art, kuratiert von Holly Block; Emma Amos im College of Wooster Art Museum: Paintings & Prints, 1982-1992 (1995), kuratiert von Thalia Gouma-Peterson, und Wrapped in Pride des Newark Museum: Ghanaisches Kente und afroamerikanische Identität (1999). In jüngerer Zeit wurden Amos‘ Werke im Museum of Contemporary Art, Los Angeles, in der Ausstellung With Pleasure: Pattern and Decoration in American Art 1972-1985 (2019); und im Whitney Museum of American Art’s Spilling Over: Painting Color in the 1960s (2019); und im Brooklyn Museum 2017 die Ausstellung We Wanted A Revolution: Black Radical Women, 1965-85. Emma Amos: Color Odyssey, eine Retrospektive von Amos‘ Werk, wird 2021 im Georgia Museum of Art eröffnet und reist dann zum Philadelphia Museum of Art und zum Munson-Williams-Proctor Arts Institute in New York.

Ihre Werke befinden sich in den Sammlungen des Baltimore Museum of Art, MD; Bass Museum of Art, FL; Birmingham Museum of Art, AL; British Museum, London; Bronx Museum of Art, NY; Brooklyn Museum of Art, NY; James F. Byrnes Institute, Deutschland; Museo de las Artes, Mexiko; Metropolitan Museum of Art, NY; Minneapolis Museum of Art, MN; Museum of Modern Art, NY; Newark Museum, NJ; Studio Museum in Harlem, NY; Whitney Museum of American Art, NY, und Yale University Art Gallery, CT, unter anderem.