Die 15 besten Filmleistungen von Schauspielern im Jahr 2019

Es gab einen Moment in der Filmgeschichte, in dem sich männliche Schauspieler an die traditionellen Erwartungen an den Starruhm hielten: Maskuline Prahlerei, Selbstüberschätzung, gemeißelte Glückspilze, die sich nicht trauen, eine sensible Seite zu zeigen. Nach den besten Leistungen dieses Jahres zu urteilen, ist diese Zeit endgültig vorbei. Viele der besten männlichen Hauptdarsteller des Jahres zeigten zerbrechliche, unsichere Charaktere, die sich mit der sich verändernden Welt um sie herum auseinandersetzen, auch wenn viele von ihnen von Filmstars gespielt wurden.

Im letzten Jahr standen zu dieser Zeit viele berühmte Schauspieler im Rampenlicht. Die Welt schwärmte von Bradley Coopers tragischem Rockstar Jackson Maine in „A Star Is Born“, während Rami Malek die Kontroversen um „Bohemian Rhapsody“ überwand und zum Oscar-Anwärter wurde. Gleichzeitig feierten die Cineasten eine der besten Leistungen von Ethan Hawke in „First Reformed“ und Steven Yeuns Entwicklung zu einem großen Schauspieltalent in Lee Chang-dongs „Burning“.

Diesmal sind die Highlights des Jahres ähnlich ausgewogen: Abgesehen von den Ausreißern und Nebenrollen haben die besten Hauptdarsteller in diesem Jahr entweder ihr bekanntes Talent in neue Richtungen gelenkt oder den Schimmer des Talents, der in früheren Arbeiten zu sehen war, auf eine höhere Ebene des kreativen Ausdrucks gebracht. Dies sind die 15 besten Filmleistungen von Schauspielern im Jahr 2019; für die besten Schauspielerinnen des Jahres, gehen Sie hier.

Antonio Banderas, „Pain and Glory“

In „Pain and Glory,“ spielt Banderas den Filmemacher Salvador Mallo, der seine Depressionen und seinen schmerzenden Rücken mit einem starken Cocktail aus Schmerzmitteln, Alkohol und Heroin behandelt, während er auf die Geschichte seines Lebens im Film zurückblickt. Banderas hat noch nie eine solche Leistung erbracht: intim, subtil, emotional, sensibel, einfühlsam. Pedro Almodóvar zog zwei Ersatzdarsteller in Betracht, weil er sich nicht sicher war, ob sein alter Freund für die Rolle geeignet war. Banderas bewies, dass er es war.

Banderas kämpfte mit seiner Rückkehr zur Schauspielerei mit seinem Mentor nach 22 Jahren mit dem Psychothriller „The Skin I Live In“ von 2011. Nichtsdestotrotz nahm er „Pain and Glory“ eifrig in Angriff und spielte den alternden spanischen Autorenfilmer, der ihm in den 80er Jahren mit Filmen wie „Labyrinth of Passion“ und „Tie Me Up! Tie Me Down!“. Er vermeidet es, den Regisseur zu imitieren, aber man erkennt ihn an seinem stacheligen Haar, an der Art und Weise, wie er seinen Rücken schützt, an der Nachbildung seines Hauses in Madrid und sogar an einigen seiner eigenen Kleider. In einer Schlüsselszene überraschte der Regisseur Banderas und seinen Co-Star Leonardo Sbaraglia – die ein ehemaliges Liebespaar spielen, das sich seit Jahren nicht mehr gesehen hat -, indem er ihnen befahl, sich einen tiefen Kuss zu geben, der so erotisch ist, dass er sie beide erregt. Banderas verzichtete auf sein ganzes Handwerkszeug als Filmstar und setzte stattdessen auf die Zerbrechlichkeit, die er von einem leichten Herzinfarkt vor zwei Jahren mitgenommen hat. Er warf sich in die Hände seines Regisseurs, und das Ergebnis ist magisch. -AT

Christian Bale, „Ford v Ferrari“

Im Zentrum des perkussiven, knochenrasselnden, intensiven Rennwagenfilms „Ford v Ferrari“ stehen zwei Yin- und Yang-Freunde und -Kollaborateure, die sich gegenseitig brauchen. James Mangolds straffe und emotionale Unterhaltung versetzt die Kinobesucher in das reale Drama um den Rennfahrer und Designer Carroll Shelby (Matt Damon) und den begnadeten Fahrer Ken Miles (Christian Bale), die für Henry Ford II einen radikalen, neuen, robusten und schnellen Rennwagen (den GT-40) bauen, um Enzo Ferraris Rennwagen beim brutalen 24-Stunden-Rennen in Le Mans 1966 zu schlagen. Die Oscar-Preisträger Damon und Bale spielen die entgegengesetzten Seiten derselben Medaille: Shelby ist der texanische Showman, der mit den Anzugträgern klarkommt, aber durch seinen Freund lebt, der auf der Suche nach der perfekten Runde keine Kompromisse eingehen kann. Er bleibt sich selbst treu. Mangold, der mit Bale bei „3:10 to Yuma“ zusammengearbeitet hat, war der Meinung, dass die Rolle dem Familienmenschen Bale in vielerlei Hinsicht nahe steht. Er kam voller Ideen und Energie ans Set und inspirierte seine Co-Stars.

Fox

Die ruhigen Szenen zwischen Miles und seinem kleinen Sohn (Noah Jupe) stehen im Mittelpunkt des Films und untermauern alle folgenden Rennszenen. „Ford vs. Ferrari“ verwebt die intimen Momente mit der Action; die Sorge um Miles lässt einen mit ihm mitfiebern, während er fährt und sich durch die rasanten Kurven des Le Man-Dauertests redet. Bale hat seinen Akzent dem britischen Viertel West Birmingham nachempfunden, in dem Miles aufgewachsen ist, und hatte eine Liste mit Sprüchen aus dieser Gegend dabei, die er im Auto abwerfen konnte. Sie waren nicht im Drehbuch enthalten. Das Ergebnis des Le-Mans-Rennens im Film ist wahr – es gibt viele Fotos davon. Bales Kreativität, seine Männlichkeit und sein rebellischer Geist treiben den Film an und bringen die Zuschauer zum Weinen. AT

Adam Driver, „Marriage Story“

Netflix/Screenshot

Als „Marriage Story“ auf Netflix erschien, hatte der Hype um Adam Drivers Interpretation der Stephen Sondheim-Nummer „Being Alive“ bereits die Stratosphäre erreicht. Und ja, der Auftritt am Ende des dritten Akts, als Drivers experimenteller Theaterregisseur Charlie in einem klassischen New Yorker Nobelrestaurant, dem Knickerbocker, das Mikrofon ergreift, zeigt viel von seinem Talent – die Fähigkeit, gleichzeitig zurückhaltend und animiert zu wirken, vor Emotionen zu brodeln und doch irgendwie eingeschlossen zu sein. Zu diesem Zeitpunkt hat Driver jedoch bereits seine bisher beste Leistung abgeliefert, als die Figur sich durch die turbulente Auflösung seiner Ehe schlängelt und zu dem Schluss kommt, dass er selbst daran schuld ist.

Driver gibt Charlie in den ersten Szenen des Films eine stachelige Sturheit, als er sich mit der Entscheidung seiner Frau Nicole (Scarlett Johannson) auseinandersetzt, die Beziehung zu beenden und das Sorgerecht für ihr Kind zu beantragen. Aber der Schauspieler zeigt von Szene zu Szene eine subtile Entwicklung, wenn Charlies unpraktische Entschlossenheit dem zerbrechlichen Wesen unter der Oberfläche weicht und seine schwelenden Frustrationen in einer Schlägerei für die Ewigkeit ausbrechen, an deren Ende der erwachsene Mann in Tränen ausbricht. Als Charlie schließlich die Fassung verliert, entfesselt Driver eine brutale Intensität, die sogar Kylo Ren auf die Nerven gehen könnte. Der Schauspieler war schon immer hervorragend darin, eine passiv-aggressive Panzerung darzustellen, aber „Marriage Story“ vertieft dieses Potenzial, indem er es mit einem naturalistischen Schliff versieht. Nach drei vorangegangenen Kollaborationen mit Baumbach könnte die Chemie zwischen Schauspieler und Regisseur nicht klarer definiert sein, denn „Marriage Story“ nutzt jede Facette von Drivers kreativen Stärken, um sie auf eine ganz neue Weise zu verstärken. Er ist eine Offenbarung. -EK

Leonardo DiCaprio, „Once Upon a Time in Hollywood“

A Cooper/Sony/Columbia/Kobal/

Im Laufe seiner fast drei Jahrzehnte währenden Karriere ist DiCaprio nie auch nur annähernd mit der Art von Bedeutungslosigkeit konfrontiert worden, die sich über Rick Daltons verblassendem Hollywood-Star abzeichnet. Aber wie perfekt er dieses Gefühl der Verzweiflung in Quentin Tarantinos Liebesbrief an eine vergangene Branche einfängt. Rick schwankt zwischen Eitelkeit und Selbstmitleid, als er über ein Angebot nachdenkt, seine Karriere wiederzubeleben, indem er in Spaghetti-Western mitspielt, während er sich in eine kleine Rolle als Bösewicht in einer neuen Fernsehserie stürzt. Es folgen so viele großartige Szenen: Ricks Ritual, seinen Text zu proben, während er auf einem Floß in seinem Pool liegt; sein Gespräch mit der achtjährigen Trudy Styler (Julia Butters) über die Schauspielerei als Handwerk; seine Kommentare, während er mit seinem Stuntman Cliff (Brad Pitt) eine Folge einer anderen Serie anschaut, in der er den Bösewicht „FBI“ spielt; das Ansprechen einer Gruppe von Hippies, die mit einem Mixer in der Hand seine Privateinfahrt hochgefahren sind. Da DiCaprio in der Rolle des verblichenen Fernsehstars keinerlei Ironie an den Tag legt, kann man sich so sehr in ihn hineinversetzen – es ist so engagiert und aufrichtig wie keine andere Darbietung von ihm. DiCaprio hinterlässt einen solchen Eindruck, dass man sogar glaubt, Rick sei ein guter Schauspieler. Und dafür musste er nicht einmal Bisonleber essen. -CB

Jimmy Fails, „Der letzte Schwarze in San Francisco“

„Der letzte Schwarze in San Francisco“ ist die Geschichte von Jimmy Fails, und es ist leicht zu erkennen, dass es im Nachhinein ein Fehler gewesen wäre, einen Schauspieler mit mehr Erfahrung als Moderator zu engagieren. Wo ein Schauspieler mit „größerer Bandbreite“ vielleicht nach einer konkreteren Motivation für die Handlung sucht, ist es die Reinheit des Ziels und die sachliche Kadenz, mit der Fails sein quixotisches Streben nach der Wiedererlangung (und dem Erhalt) seines Familienheims und letztlich seiner Stadt darstellt, die den Film so gut funktionieren lassen. Es ist eine tief empfundene Darbietung, bei der man das Gefühl hat, dass Fails zusammen mit seinem Co-Schöpfer Joe Talbot fast die Regie des Films übernimmt. Die Rhythmen der Nebendarsteller sind auf Fails‘ Darbietung abgestimmt, die skurrile Schönheit der Stadtfotografie von Adam Newport-Berra ist die Linse, durch die unser Held sie sieht, der melancholische Unterton steht ihm mit herzzerreißenden Reaktionsaufnahmen ins Gesicht geschrieben. Die schmerzhafte Geschichte der „Stadterneuerung“ erhält durch „Last Black Man“ eine persönliche Geschichte, die eine kluge Entscheidung trifft, indem sie keinen Filter zwischen ihr schlagendes Herz und das Publikum setzt. -CO

Song Kang-Ho, „Parasite“

Neon

Die rohesten und elektrisierendsten Momente in einer Performance von Song Kang-Ho finden sich meist in den Übergangszuständen zwischen den Gefühlen, oder in den Grenzbereichen, in denen sie sich überlagern – wenn Glück in Entsetzen umschlägt oder Pflicht mit Rache gesalzen wird -, was erklärt, warum der elastischste Filmemacher der Welt kaum einen Film ohne ihn machen kann.

„Parasite“ ist Song’s vierte genreübergreifende Zusammenarbeit mit Bong Joon Ho, aber keines ihrer außergewöhnlichen früheren Werke („Memories of Murder“, „The Host“ und „Snowpiercer“) war so sehr von der Fähigkeit des Schauspielers abhängig, mehrere verschiedene Räume gleichzeitig zu besetzen, und so sehr von dem instabilen Selbstkonflikt seiner Figur geprägt. Song spielt Kim Ki-taek, den Patriarchen einer armen Familie aus Seoul, deren Schicksal sich zu ändern beginnt, als einer nach dem anderen eine Anstellung bei der neureichen Familie auf dem Hügel findet. Die gewalttätige Tragikomödie, die sich daraus entwickelt, verfügt über ein so starkes Ensemble wie jeder andere Film, den Bong je gemacht hat, aber Song ist das gebrochene Herz der Geschichte. -DE

George Mackay, „1917“

Wenn Sam Mendes‘ ehrgeiziges Kriegsepos in einer einzigen Einstellung irgendeinen Akteur zum Star macht, dann ist es George MacKay, der seit langem das Beste in einer Reihe weitaus kleinerer Filme ist (von dem ansonsten düsteren „Ophelia“ bis zu dem unterschätzten „Marrowbone“). Der kriegsmüde Lance Corporal Schofield ist die erwachsenste Rolle, die der britische Schauspieler bisher gespielt hat, aber eine, die sich auf seinen Hundeblick verlässt, um das große Grauen des Ersten Weltkriegs und die vielen jungen Männer, die er der Welt geraubt hat, besser zu vermitteln. Anfangs widerstrebt ihm und Lance Corporal Blake (Dean-Charles Chapman) die verrückte Mission, mit der sie zu Beginn des Films betraut werden – man hat das Gefühl, dass MacKay sowohl durch Andeutungen im Drehbuch als auch durch seine wunderbare körperliche Leistung weiß, dass er solche verrückten Ideen schon einmal unternommen hat und weiß, wie sie in der Regel enden -, doch schon bald wird sein Schofield in einen noch größeren Dienst als Blake gedrängt. Wenn der babygesichtige Blake das Herz des Films ist, dann ist es MacKay, der sich als seine mutige und gebrochene Seele entpuppt. MacKay könnte unser nächster großer Hauptdarsteller sein, aber seine Arbeit in „1917“ spricht dafür, dass er bereits auf diesem hohen Niveau angekommen ist. -KE

Eddie Murphy, „Dolemite Is My Name“

Netflix

Es gibt bestimmte Stars, die, wenn sie die Leinwand betreten, eine Präsenz und Vertrautheit mitbringen, die über die jeweilige Rolle hinausgeht. Eddie Murphy verbirgt seit Jahren in Kinderfilmen und in der Rolle-in-der-Rolle von „Bowfinger“ den aus der Hüfte geschossenen, als hinterhältig eingestuften Charme, der ihn zum Star gemacht hat. Es ist nicht nur schön, ihn in „Dolemite“ wiederzusehen und zu sehen, dass er es immer noch drauf hat, sondern auch zu erleben, wie er diese Starpower einsetzt, um den verwegenen Geist von Rudy Ray Moore zum Leben zu erwecken. Es ist eine Darbietung voller Liebe und Ehrfurcht, nicht nur für Murphys alten Freund Moore, sondern für das kreative Schaffen insgesamt. Mit Hilfe der Kostüme von Ruth Carter verkörpert Murphy die Figur von Moore, indem er seine eigene Darstellerpersönlichkeit entwickelt. Es ist ein Biopic, das keine tragische Linkskurve braucht, um die Gefahren des Erfolgs zu erforschen, und das stattdessen – vor allem dadurch, dass Murphy/Moore sein Rampenlicht auf die Nebendarsteller richtet, insbesondere Da’Vine Joy Randolph – das wunderbare schauspielerische Talent von Menschen zeigt, die nicht erwarten, Stars zu sein. -CO

Matthew McConaughey, „The Beach Bum“

Neon

Natürlich ist das nicht die Art von Rolle, die jemals mit einem Preis ausgezeichnet werden würde, aber in einer besseren Welt wäre sie es: Matthew McConaugheys „Moondog“ hat keine besonderen Ziele, die er zu verfolgen versucht, keine wirklichen Hindernisse, die er überwinden will, keine „Bedeutung“ für die Geschichte oder Interesse an sozialem Wandel; in der Tat ist von McConaughey selbst kaum eine Veränderung erforderlich, um ihn zu spielen. Aber dieser sonnengebräunte Dichter, der das Leben in Miami und den Florida Keys in all seiner surrealen Pracht in sich aufsaugt, ist mehr als nur eine Figur: Er ist eine wandelnde Weltanschauung, eine fleischgewordene Absage an die Typ-A-Persönlichkeit, ein Prophet, der das Leben auf sich zukommen lässt, anstatt immer selbst das Steuer in die Hand zu nehmen.

Nicht, dass in Harmony Korines neuestem floridianischen Meisterwerk wenig passiert: Es passiert eine Menge, mit dem Moondog fertig werden muss, darunter eine unerwartete Erbschaft, ein noch unerwarteterer Literaturpreis und Martin Lawrences blutig-komische Begegnung mit einem Hai. McConaughey begegnet all diesen Entwicklungen in diesem Coppertone-getränkten Schelmenstück jedes Mal auf die gleiche Art und Weise: mit offenem Mund, mit wippenden Schultern, als würde er gleich vom Schwebebalken fallen, und mit einem schrägen Lachen, das aus seiner Kehle kommt. Damit schließt sich der Kreis zu David Wooderson in „Dazed and Confused“, aber ohne auch nur einen Hauch der latenten Bedrohung oder Eitelkeit dieser Figur: Moondog ist das platonische Ideal einer McConaughey-Figur. -CB

Andre Holland, „High Flying Bird“

Netflix

Das von Steven Soderbergh inszenierte Sportdrama bot eine längst überfällige Chance für den wenig genutzten und überaus talentierten Andre Holland, der eine dynamische Leistung abliefert. Holland hatte seinen großen Durchbruch mit einer Nebenrolle in Soderberghs Cinemax-Fernsehserie „The Knick“, aber in „High Flying Bird“ ist es ganz seine Show, und er nutzt sie voll aus. Es ist eine George Clooney-ähnliche „Ocean’s 11“-Performance, die seiner Figur eine ähnliche Art von gerissenem Charme verleiht. Das turbogeladene, dialoglastige Drehbuch von Tarell Alvin McCraney gibt den talentierten Darstellern des Films, angeführt von Holland als aalglattem, schnellsprechendem Agenten, reichlich Stoff zum Wiederkäuen. Holland spielt normalerweise eher zurückhaltende Charaktere, daher war dies eine aufregende Abwechslung für ihn, und er sieht aus, als hätte er die Zeit seines Lebens damit verbracht, entschlossen und kämpferisch zu sein, und das auf die am wenigsten prätentiöse Weise. Er hat eindeutig jeden Moment unter Kontrolle und liefert eine vielschichtige Performance mit nahezu perfekten Beats. Das Publikum bekommt ihn nur selten so entfesselt zu sehen, und es ist ein ziemliches Spektakel, das sich sehen lassen kann. Es verlangt nach wiederholtem Ansehen und zeigt, warum er bereits als einer der besten Schauspieler seiner Generation gilt. -TO

Robert Pattinson, „High Life“

So dicht gedrängt und versteckt wie in diesem Jahr brennt Robert Pattinson immer noch vor Intensität als Monte, ein zu lebenslanger Haft verurteilter Häftling, der an Bord eines Gefängnisschiffs im Weltraum arbeitet. Claire Denis inszeniert jede Einstellung mit einer derartigen Präzision, sowohl bei der Bildgestaltung als auch beim Blocking der Schauspieler und ihrer hochgradig kontrollierten Darbietung, dass das Gefühl der Luftlosigkeit und Klaustrophobie entsteht – eine erstickende Stimmung, die perfekt zu einer Weltraum-Odyssee im U-Boot-Stil und einer Gefängnisgeschichte passt. Pattinson ist auf Denis‘ kühler Wellenlänge: Wir lernen ihn vor allem durch seine Isolation von anderen Charakteren (er weigert sich, sich anfassen zu lassen) und die zwanghafte Gleichförmigkeit seiner täglichen Routine kennen, einschließlich einer Einstellung nach der anderen von Montes akribischem Rasierritual (mit einer scharfen Klinge anstelle eines echten Rasiermessers). Diese Figur definiert sich über ihre Abgeschiedenheit, und doch bringt ihn seine seelische Entwicklung auf den Weg zu einem Pfleger – etwas, das Pattinson ganz und gar durch Montes Engagement für Prozess und Routine und die unweigerlich auftretenden Abweichungen vermittelt. Wo das alles endet, ist wie eine mysteriösere Version von „Interstellar“, aber auch eine viel emotionalere. -CB

Joaquin Phoenix, „Joker“

Warner Bros.

Liebe ihn oder hasse ihn, „Joker“ hat mehr Diskussionen ausgelöst als jeder andere Film, der dieses Jahr veröffentlicht wurde. Dennoch ist es schwer vorstellbar, dass Todd Phillips‘ düstere Geschichte über den Ursprung des Bösewichts ohne die alptraumhafte Darbietung in seinem Zentrum so viel Aufmerksamkeit erregt. Als Arthur Fleck, der grüblerische Gotham-Bewohner, der mit einem Sammelsurium an psychischen Krankheiten und Karriererückschlägen zu kämpfen hat, zeigt Phoenix einige seiner besten Leistungen der letzten Zeit – von „The Master“ bis „You Were Never Really Here“ – und wird zu einem Mann, der von den dunklen Kräften bestimmt wird, die ihn aus allen Richtungen verzehren.

Abwechselnd zurückhaltend und extravagant, erschreckend und urkomisch, taucht Phoenix Fleck in Widersprüche, die den beunruhigenden Ton des Films bestimmen; mehr noch, er gibt seinen ganzen Körper mit einer einzigartigen Hingabe in die Rolle, wie man sie selten im amerikanischen Kino sieht. Seine schmächtige Statur erinnert an eine Kreatur des deutschen Expressionismus, die sich in das urbane Milieu der 1980er Jahre verirrt, um einen Sinn in der Welt um sie herum zu finden und schließlich aufgibt. Wenn man sich „Joker“ ansieht, kann man sich des Eindrucks nicht erwehren, dass Phoenix nicht nur eine überbelichtete Comicfigur mit Bravour gemeistert hat; er hat den Joker von Grund auf neu erfunden. Der Schauspieler hat es geschafft, sich in die Psyche des Jokers hineinzuversetzen, eine Figur der Popkultur auf die Erde zu holen und sie real erscheinen zu lassen. Das ist eine grenzüberschreitende Leistung, die diesen kontroversen Film zu einem schauspielerischen Schaufenster für die Ewigkeit macht. -EK

Brad Pitt, „Ad Astra“

„Ad Astra“ beginnt damit, dass Brad Pitts Major Roy McBride eine ganz besondere „Ich“-Zeit an seinem glücklichen Ort hoch über der Erde genießt. Auf seine eigene ruhige Art ist er ebenso eine Parodie der Männlichkeit wie Tyler Durden; der perfekte Held für einen Film, der weniger von den Weiten des Weltraums als von der Kleinheit des Menschen gequält wird. Pitt versteht die Rolle bis ins Mark und liefert eine Performance ab, die Passivität in eine tödliche Form der Selbstverteidigung verwandelt. Der Schauspieler ist ein Vakuum für sich selbst, und er trägt die Art von leerem und zufriedenem Gesichtsausdruck, der Tyler Durden dazu bringen würde, ihm in sein perfektes Gesicht zu schlagen. Und dann stürzt Roy auf die Erde. Ein massiver und mysteriöser Stromstoß lässt die Antenne verrückt spielen, und alle, die darauf stehen, werden in die Tiefe geschickt (zum Glück mit einem Fallschirm). Das ist ein perfekter Mikrokosmos für den kommenden Film: Je weiter Roy in den Weltraum vordringt, desto tiefer stürzt er in die Heimat. Selbst wenn man die Handlung durch Pitts Augen sieht, scheint es, als würde sie jemand anderem passieren. Jeder Teil von Roys Reise löscht sich selbst aus – jeder Schritt, den er in die Fußstapfen seines Vaters tritt, bringt ihn weiter davon weg, sein eigener Mann zu werden. -DE

Ashton Sanders, „Native Son“

HBO

Aston Sanders trägt Rashid Johnsons Film in jeder Szene im Alleingang. Der Film stellt ihn vor die Aufgabe, eine moderne Version des literarischen Antihelden Bigger Thomas durch ein sehr komplexes und beunruhigendes Terrain zu steuern. Als Held in Richard Wrights provokantem Roman von 1939 ist Bigger zu abstrakt für sein eigenes Wohl. Doch Johnsons Drehbuch und Sanders in der Rolle leisten ganze Arbeit, um ihn auszufüllen.

Während der Film selbst nicht immer zusammenhält, trägt Sanders‘ emotionsgeladene Darbietung dazu bei, dass er durchgehend fesselnd bleibt. Er macht Biggers schwierige Situation zu einer nachvollziehbaren, da das Publikum seine Angst, sein Entsetzen und seine Verzweiflung über die Welt um ihn herum spürt. Die Art und Weise, wie es dem Schauspieler gelingt, einen Großteil der Geschichte seiner Figur durch Mimik und subtile Manierismen zu erzählen, und wie er sich trotz seiner schlanken und sogar schwachen Statur mit einem gewissen autoritären Schwung präsentiert, ist fesselnd zu beobachten. Sanders verwandelt Wrights Roman in ein einzigartiges Porträt, das zeigt, warum er auf der Leinwand so ein großes Talent ist. Es ist eine Leistung des jungen „Moonlight“-Darstellers, die, ähnlich wie seine Leistung in dem Oscar-prämierten Film, noch lange nach dem Abspann nachwirkt. -TO

Adam Sandler, „Uncut Gems“

Adam Sandler hat im Laufe der Jahre viele unausstehliche, selbstverliebte Figuren verkörpert, aber mit „Uncut Gems“ spielt er den verachtenswertesten Charakter in seiner 30-jährigen Karriere. Der Nachfolger von „Good Time“ der Regisseure Joshua und Benny Safdie liegt auf der gleichen Wellenlänge – ruppig, geistesgestört, angetrieben von einer ununterdrückbaren Unschärfe aus Bewegung und Lärm. Es ist auch ein fesselnder Drahtseilakt, der kosmische Bilder mit der düsteren Energie eines dunklen psychologischen Thrillers und plötzlichen Ausbrüchen von rasender Komik verbindet, und es ist der erste Film, der sich seit „Punch-Drunk Love“ wirklich auf Sandlers darstellerische Stärken besinnt.“

Man nehme die frenetische Saga von Howard Ratner – einem redegewandten Juwelier, der immer auf der Jagd nach dem nächsten großen Coup ist – und füge ein paar billige Pointen hinzu, und „Uncut Gems“ hätte gut als einer dieser Happy-Madison-Klamaukfilme aus den späten Neunzigern funktionieren können, der sich irgendwo zwischen „The Waterboy“ und „Big Daddy“ einreiht. Stattdessen wird die Sandler-Persönlichkeit in ein glaubwürdigeres Milieu gehoben, indem seine angriffslustigsten Eigenschaften verstärkt werden, während ihm gleichzeitig Raum gegeben wird, ein gewisses Maß an Seele zu finden. Sandler hat es schon immer hervorragend verstanden, uns Sympathien für verwerfliche Menschen zu vermitteln, aber die Filme haben oft Mühe, da mitzuhalten. „Uncut Gems“ trifft den Kern des Genies, das sich die ganze Zeit über im Verborgenen gehalten hat. -EK