Emma Amos – RYAN LEE Gallery

BIOGRAFI

Emma Amos (f. 1937 Atlanta, GA – d. 2020 Bedford, NH) var en banebrydende kunstner, pædagog og aktivist. Hun var en dynamisk maler og en mesterlig kolorist, og hendes engagement i at sætte spørgsmålstegn ved den kunsthistoriske status quo resulterede i et levende og intellektuelt stringent værk. Amos var påvirket af moderne vesteuropæisk kunst, abstrakt ekspressionisme, borgerrettighedsbevægelsen og feminismen, og hun blev tiltrukket af at udforske kulturpolitikken og spørgsmål om racisme, sexisme og etnocentrisme i sin kunst. “Det har altid været min påstand”, sagde Amos engang, “at det for mig, en sort kvindelig kunstner, er en politisk handling at gå ind i atelieret.”

Den kunstner, der er kendt for at flytte tekniske og tematiske grænser, lavede ufortrødent kunst, der afspejlede sorte kvinders erfaringer, selv når en sådan kunst kun gav få eller ingen reaktioner fra hendes mandlige kolleger og kritikere. Hun var dybt påvirket af borgerrettigheds- og sorte bevægelser, der pressede på for at få anerkendelse i kunstverdenen. Amos blev medlem af Spiral, et vigtigt afroamerikansk kollektiv i 1964, men fandt ud af, at bestræbelserne på at få sorte repræsenteret i kunstverdenen ofte udelod kvinder. Hun blev derefter involveret i forskellige feministiske undergrundskollektiver, herunder Heresies fra 1982 til 1993 og den banebrydende Guerilla Girls-gruppe efter dens oprettelse i 1985. Som et af de få sorte medlemmer af Heresies-kollektivet var hun en vigtig bidragyder til udgivelsen af tidsskriftets nummer fra 1982, der diskuterede race inden for den feministiske kunstbevægelse. Amos’ levende og kraftfulde malerier er ofte en fejring af den sorte krop og minder konsekvent beskueren, kritikeren og kunstverdenen som helhed om den sorte og kvindelige krops ubestrideligt vigtige tilstedeværelse, der så ofte er blevet overset.

Amos’ tidlige abstrakte værker, der er stærkt påvirket af abstrakt ekspressionisme, pop art og color field-maleri, viser en indledende interesse for at eksperimentere med farver og rum, hvilket resulterede i stærkt koloristiske “Attitude”-malerier i 1960’erne. I disse værker repræsenterede en ung Amos, som kun var ved at starte sin karriere i New York City, ofte sig selv i dristige og farverige kompositioner. Disse maleriers ubekymrede karakter gav plads til mere modne refleksioner over Amos’ samtidige roller som mor, hustru og kunstner, da hun i 1970’erne opbyggede sin familie. Det er under arbejdet med disse værker, at Amos for første gang introducerede sin signaturfigur i flux. Denne interesse for farver og bevægelse samt et voksende socialt og politisk engagement gav i begyndelsen af 1980’erne anledning til hendes “Athletes and Animals”-serie. I denne serie af malerier overvejer Amos skønheden og styrken hos sorte atleter og vilde dyr – en racistisk sammenligning, der tidligere blev brugt til at nedgøre sorte mænd og kvinder. Ved at parallelisere billeder af sportsspillere med løver, geparder og krokodiller antyder hun den sorte atlets flygtige og illusoriske magt, både hvad angår fysik og indflydelse.

Amos’ senere “Falling Series” relaterer sig specifikt til Amos’ egen angst omkring udvisningen af historie, steder og mennesker. Inden for denne serie af værker overvejede hun også den økonomiske krise i Reagan-æraen og afgrunden. Hun afbildede dansere, sangere og andre figurer, der glider, tumler og styrter gennem abstrakte rum blandt ikonisk og klassisk arkitektur, mytologiske motiver og symboler fra jazz- og bluesmusikken som en måde at bearbejde sine egne sociale og personlige bekymringer på.

Det amerikanske flag og konføderationsflagene optræder ofte i Amos’ værk, hvilket reflekterer over den konceptuelle og historiske betydning af disse symbolers nationalistiske, fællesskabsorienterede og racistiske karakter i samfundet og i Amos’ egen levede erfaring. Konføderationens “x” går på tværs af mange af hendes værker fra 1990’erne. I en stor del af sine værker midt i karrieren og senere værker har Amos brugt traditionelt afrikansk stof som ramme for sine kompositioner. Hun var en dygtig væver og inkluderede også collager af sin egen vævning i sine malerier, hvorved hun bevidst udviskede de kønsbestemte grænser mellem kunsthåndværk og billedkunst. Hun fortsatte denne praksis gennem resten af sin karriere. De levende værker, som Amos producerede i 2000’erne, er en kulmination af den vedvarende betydning af hendes dybe og livslange passion for farver, aktivisme og teknisk innovation.

Født i det segregerede Atlanta, GA, blev Amos færdiguddannet fra Antioch College i Ohio i 1958 og fortsatte med at studere på Central School of Art i London. Efter at have afsluttet sine studier i England flyttede Amos til New York City. Selv om hun med tiden blev aktiv på kunstscenen i downtown og arbejdede sammen med prominente kunstnere som Romare Bearden, Hale Woodruff, Norman Lewis, Alvin Hollingsworth og Charles Alston, kæmpede Amos for at finde fodfæste i byen og oplevede, at der blev rejst betydelige hindringer for hende på grund af hendes alder, køn og race. Hun fik sin kandidatgrad i kunst fra New York University i 1965 og fortsatte med at undervise i kunst på Dalton School i New York. I 1980 blev hun professor og senere formand for afdelingen for visuel kunst på Mason Gross School of Art på Rutgers University. Hun underviste der i 28 år.

I 2016 modtog Amos Georgia Museum of Art’s Larry D. and Brenda A. Thompson-pris og blev hædret af Studio Museum in Harlem som et ikon og en banebryder sammen med Faith Ringgold og Lorraine O’Grady.

Amos’ malerier har været medtaget i adskillige solo- og gruppeudstillinger, herunder Montclair Museum of Art’s Changing the Subject (1994), kurateret af Holly Block; The College of Wooster Art Museum’s Emma Amos: Paintings & Prints, 1982-1992 (1995), kurateret af Thalia Gouma-Peterson, og Newark Museum’s Wrapped in Pride: Ghanaian Kente and African-American Identity (1999). For nylig har Amos’ værker været udstillet på Museum of Contemporary Art, Los Angeles’ udstilling With Pleasure: Pattern and Decoration in American Art 1972-1985 (2019) og på Whitney Museum of American Art’s Spilling Over: Painting Color in the 1960s (2019) og på Brooklyn Museums udstilling We Wanted A Revolution fra 2017: Black Radical Women, 1965-85. Emma Amos: Color Odyssey, en retrospektiv udstilling af Amos’ værker, åbner på Georgia Museum of Art i 2021 og vil rejse til Philadelphia Museum of Art og Munson-Williams-Proctor Arts Institute i New York.

Hendes værker findes i samlingerne på Baltimore Museum of Art, MD; Bass Museum of Art, FL; Birmingham Museum of Art, AL; British Museum, London; Bronx Museum of Art, NY; Brooklyn Museum of Art, NY; James F. Byrnes Institute, Tyskland; Museo de las Artes, Mexico; Metropolitan Museum of Art, NY; Minneapolis Museum of Art, MN; Museum of Modern Art, NY; Newark Museum, NJ; Studio Museum in Harlem, NY; Whitney Museum of American Art, NY, og Yale University Art Gallery, CT, blandt andre.