De 15 bedste skuespillerpræstationer i 2019

Der var en tid i filmhistorien, hvor mandlige skuespillere holdt sig til de traditionelle forventninger til stjernestatus: Maskulin swagger, overmodig selvtillid, mejslet godtfolk, der ikke turde afsløre en følsom side. Ud fra dette års største præstationer er den tid for længst forbi. Mange af årets bedste mandlige hovedrollepræstationer afslørede skrøbelige, usikre karakterer, der kæmper med den foranderlige verden omkring dem, selv om mange af dem kom fra filmstjerner.

På denne tid sidste år var der mange berømte skuespillere i rampelyset. Verden faldt i svime over Bradley Coopers tragiske rockstjerne Jackson Maine i “A Star Is Born”, mens Rami Malek overvandt kontroverserne i “Bohemian Rhapsody” og blev en Oscar-frontløber. Samtidig fejrede cinefile en af Ethan Hawkes største præstationer i “First Reformed” og Steven Yeuns udvikling til et stort skuespiltalent med Lee Chang-dongs “Burning”.”

Denne gang er årets højdepunkter i en lignende balance: Hvis man ser bort fra de nye og bærende roller, har de bedste hovedrolleindehavere på skærmen i år enten skubbet deres velkendte talenter i nye retninger eller taget det glimt af talent, der er synligt fra tidligere arbejde, og transformeret det til et højere niveau af kreativt udtryk. Dette er de 15 bedste filmpræstationer af skuespillere i 2019; for årets bedste skuespillerinder, gå til årets bedste skuespillerinder her.

Antonio Banderas, “Pain and Glory”

I “Pain and Glory”,” spiller Banderas filmmageren Salvador Mallo, der medicinerer sin depression og en øm ryg med en potent cocktail af smertestillende medicin, alkohol og heroin, mens han ser tilbage på sit liv som filminstruktør. Banderas har aldrig givet en præstation som denne: intim, subtil, følelsesladet, følsom, følsom, lydhør. Pedro Almodóvar overvejede to backup-skuespillere, fordi han ikke var sikker på, at hans gamle ven var den rette til rollen. Banderas beviste, at han var det.

Banderas kæmpede med sin tilbagevenden til at spille skuespil sammen med sin mentor efter 22 år med psykothrilleren “The Skin I Live In” fra 2011. Ikke desto mindre tog han ivrigt fat på “Pain and Glory”, hvor han spiller den aldrende spanske auteur, der gav ham et startskud til karrieren med 80’er-film som “Labyrinth of Passion” og “Tie Me Up! Tie Me Down!” Han holdt sig fra at efterligne instruktøren, men han er der i det spidse hår, de måder, han beskytter sin ryg på, replikken af hans hjem i Madrid og endda noget af hans eget tøj. I en nøglescene overraskede instruktøren Banderas og medspilleren Leonardo Sbaraglia – der spiller tidligere elskere, som ikke har set hinanden i årevis – ved at bede dem om at gå i gang med et dybt kys, der er så erotisk, at det vækker dem begge. Banderas styrede væk fra sit kogger af filmstjerneværktøjer og lænede sig i stedet op ad den skrøbelighed, han tog med sig fra at overleve et let hjerteanfald for to år siden. Han kastede sig ind i sin instruktørs hænder, og resultatet er magisk. -AT

Christian Bale, “Ford v Ferrari”

I centrum af den slagkraftige, benhårde, intense racerbilsfilm “Ford v Ferrari” står to yin og yang-venner og samarbejdspartnere, der har brug for hinanden. James Mangolds stramme, stramme og følelsesladede underholdning sætter biografgængerne ind i det virkelige drama bag racerkøreren og designeren Carroll Shelby (Matt Damon) og den begavede, hårdt prøvede racerkører Ken Miles (Christian Bale), da de bygger en radikal, ny, hård og hurtig racerbil (GT-40) til Henry Ford II, alt sammen for at slå Enzo Ferraris racerkører i det brutale 24-timers Le Mans-løb i 1966. Oscar-vinderne Damon og Bale spiller modsatte sider af samme sag: Shelby er den texanske showman, der kan klare sig med jakkesættene, men lever gennem sin ven, der ikke kan gå på kompromis i sin søgen efter den perfekte omgang. Han forbliver tro mod sig selv. Mangold, der arbejdede sammen med Bale på “3:10 to Yuma”, følte, at rollen på mange måder lå tæt på Bale, som er en familiefar. Han kom til settet fuld af idéer og energi og inspirerede sine medspillere.

Fox

De rolige scener mellem Miles og hans lille søn (Noah Jupe) er centrum for filmen og understøtter alle de kommende løbsscener. “Ford v Ferrari” fletter de intime øjeblikke sammen med handlingen; når man holder af Miles, får det en til at heppe på ham, mens han kører og taler sig selv gennem de hasarderede kurver i Le Man-udholdenhedstesten. Bale modellerede sin accent efter West Birmingham-kvarteret i Storbritannien, hvor Miles voksede op, og han medbragte en udstoppet liste med ordsprog fra området, som han kunne kaste af sig i bilen. De var ikke med i manuskriptet. Resultatet af Le Mans-løbet i filmen er sandt – der er masser af billeder af det. Bales kreativitet, maskulinitet og oprørske ånd driver filmen og får publikum til at græde. -AT

Adam Driver, “Marriage Story”

Netflix/screenshot

Da “Marriage Story” ramte Netflix, havde hypen omkring Adam Driver’s fortolkning af Stephen Sondheim-nummeret “Being Alive” allerede nået stratosfæren. Og ja, den sene præstation i tredje akt, hvor Drivers eksperimentelle teaterinstruktør Charlie tager mikrofonen på det klassiske eksklusive New York-spisested The Knickerbocker, viser bestemt meget om hans talent – en evne til at virke både reserveret og animeret på én gang, simrende af følelser og alligevel på en eller anden måde indespærret. På det tidspunkt har Driver dog allerede leveret sin bedste præstation til dato, da karakteren snor sig gennem den tumultariske opløsning af sit ægteskab og kommer til den konklusion, at det stort set er hans egen skyld.

Driver giver Charlie en pikant stædighed i filmens første scener, da han kæmper med sin kone Nicoles (Scarlett Johannson) beslutning om at afslutte deres forhold og søge om forældremyndigheden over deres barn. Men skuespilleren formidler en subtil udvikling fra scene til scene, hvor Charlies upraktisk beslutsomhed giver plads til det skrøbelige væsen under overfladen, og hans ulmende frustrationer bryder ud i et slagsmål for evigt, der slutter med, at den voksne mand bryder sammen i gråd. Da Charlie endelig mister besindelsen, slipper Driver en brutal intensitet løs, der måske endda kan få Kylo Ren til at ryste på nerverne. Skuespilleren har altid udmærket sig ved at projicere en passiv-aggressiv panser, men “Marriage Story” uddyber dette potentiale ved at tilføre det en naturalistisk polering. Efter tre tidligere samarbejder med Baumbach kunne skuespiller-instruktør-kemien ikke være mere klart defineret, da “Marriage Story” udnytter alle facetter af Driver’s kreative styrker for at forstærke dem på en helt ny måde. Han er en åbenbaring. -EK

Leonardo DiCaprio, “Once Upon a Time in Hollywood”

A Cooper/Sony/Columbia/Kobal/

I løbet af en næsten tre årtier lang karriere har DiCaprio aldrig været i nærheden af at stå over for den form for irrelevans, der truer Rick Daltons falmende Hollywoodstjerne. Men hvor perfekt han dog indfanger denne følelse af desperation i Quentin Tarantinos kærlighedsbrev til en forhenværende industri. Rick svinger mellem forfængelighed og selvmedlidenhed, mens han overvejer et tilbud om at genoplive sin karriere ved at medvirke i spaghetti-westerns og samtidig hælde sig selv i en birolle som skurk i en ny tv-serie. Der følger så mange fantastiske scener: Ricks ritual med at øve sine replikker, mens han slapper af på en tømmerflåde i sin pool; hans samtale om skuespil som håndværk med den otteårige Trudy Styler (Julia Butters); at tilføje sine kommentarer, mens han ser et afsnit af en anden serie, hvor han spiller en skurk, “FBI”, sammen med sin stuntmand Cliff (Brad Pitt); at anholde en gruppe hippier med en blender i hånden, der er kørt op ad hans private indkørsel. På grund af DiCaprios totale mangel på ironi i rollen som denne falmede tv-stjerne, kommer man til at investere så meget i ham – det er så engageret og oprigtigt som nogen af de præstationer, han har givet. DiCaprio efterlader et sådant aftryk, at han får en tilmed til at tænke, at Rick er en god skuespiller. Og han behøvede ikke engang at spise bisonlever for at gøre det. -CB

Jimmy Fails, “The Last Black Man in San Francisco”

“The Last Black Man in San Francisco” er Jimmy Fails’ historie, og det er let at se, at det set i bakspejlet ville have været en fejl at hente en skuespiller med mere erfaring ind til at forankre den. Hvor en skuespiller med “større rækkevidde” måske ville lede efter en mere konkret plotmotivation, er der en renhed i formålet og en saglig kadence, som Fails’ bringer til sin quixotiske stræben efter at genvinde (og bevare) sit familiehjem og i sidste ende sin by, der er kernen i det, der får filmen til at fungere. Det er en dybtfølt præstation, hvor man kan føle, at Fails, sammen med sin medskaber Joe Talbot, næsten instruerer filmen. Rytmerne i birollerne er afstemt efter Fails’ levering, den finurlige skønhed i Adam Newport-Berras fotografering af byen er den linse, som vores helt ser den gennem, og den melankolske undertone er skrevet på hans ansigt med mavepirrende reaktionsbilleder. Den smertefulde historie om “byfornyelse” får en personlig historie gennem “Last Black Man”, som træffer et klogt valg ved ikke at sætte et filter mellem sit bankende hjerte og publikum. -CO

Song Kang-Ho, “Parasite”

Neon

De mest rå og elektrificerende øjeblikke i en Song Kang-ho-præstation plejer at findes i overgangstilstandene mellem følelser, eller i de liminalrum, hvor de lægges oven på hinanden – når lykke smelter til rædsel, eller pligt er saltet med hævn – hvilket er med til at forklare, hvorfor verdens mest elastiske filmskaber næppe kan lave en film uden ham.

“Parasite” er Songs fjerde genrebøjende samarbejde med Bong Joon Ho, men ingen af deres ekstraordinære tidligere anstrengelser (“Memories of Murder”, “The Host” og “Snowpiercer”) har været helt så afhængige af skuespillerens evne til at indtage flere forskellige rum på én gang, og heller ikke så informeret af hans karakteres ustabile selvkonflikt. Song spiller Kim Ki-taek, patriarken i en fattig Seoul-familie, hvis skæbne begynder at ændre sig, da de en efter en hver for sig snyder sig til at blive ansat af den nyrige familie, der bor længere oppe ad bakken. Den voldsomme tragikomedie, der bryder ud derfra, kan prale af et lige så dybt ensemble som nogen (og alle) film, som Bong nogensinde har lavet, men Song er historiens knuste hjerte. -DE

George Mackay, “1917”

Hvis Sam Mendes’ ambitiøse krigsepos i én enkelt optagelse er bestemt til at gøre en enkelt aktør til stjerne, så er det George MacKay, der længe har været det bedste i en række langt mindre film (fra den ellers dystre “Ophelia” til den undervurderede “Marrowbone”). Den krigstrætte Lance Corporal Schofield er den mest voksne rolle, som den britiske skuespiller endnu har spillet, men en rolle, der er afhængig af hans hvalpeøjne for yderligere at sælge den store rædsel ved Første Verdenskrig og de mange unge mænd, som den stjal fra verden. I begyndelsen er han modstander af den vanvittige mission, som han og Lance Corporal Blake (Dean-Charles Chapman) får tildelt i starten af filmen – man får en fornemmelse af både fra antydninger i manuskriptet og MacKays egen vidunderlige fysiske præstation, at han har iværksat sådanne vanvittige ideer før og ved, hvordan de har tendens til at ende – men hans Schofield bliver snart presset til at gøre endnu større tjeneste end Blake. Hvis den babyfjæsede Blake er filmens hjerte, er det MacKay, der fremstår som dens modige og splittede sjæl. MacKay er måske vores næste store hovedrolleindehaver, men hans arbejde i “1917” er et solidt argument for, at han allerede er nået op på dette sjældne niveau. -KE

Eddie Murphy, “Dolemite Is My Name”

Netflix

Der er visse stjerner, der, når de træder ind på lærredet, bringer et nærvær og en fortrolighed, der går ud over rollen, uanset hvilken rolle de spiller. Eddie Murphy har i årevis skjult den skud fra hoften, bedømt som R-agtige, snedige charme, der gjorde ham til en stjerne, for os via børnefilm og rollen-i-en-rolle i “Bowfinger”. Det er ikke blot rart at have ham tilbage i “Dolemite” og at se, at han stadig har “det”, men også at være vidne til, hvordan han bruger denne stjernekraft til at give liv til Rudy Ray Moores dristige ånd. Det er en præstation fyldt med kærlighed og ærbødighed, ikke kun for Murphys gamle ven Moore, men for kreative bestræbelser som helhed. Med hjælp fra Ruth Carters kostumer indtager Murphy Moores karakter ved at udvikle sin egen personlighed. Det er en biopic, der ikke har brug for den tragiske venstresvingning for at udforske faren ved succes, og som i stedet fejrer – i høj grad ved at Murphy/Moore vender sit spotlight mod birollerne, især Da’Vine Joy Randolph – ved at afsløre det smukke performative talent hos mennesker, der ikke forventer at blive stjerner. -CO

Matthew McConaughey, “The Beach Bum”

Neon

Det er selvfølgelig ikke den slags rolle, der nogensinde ville få anerkendelse ved priser, men i en bedre verden ville det være det: Matthew McConaugheys “Moondog” har ikke nogen særlige mål, han forsøger at forfølge, ingen reelle forhindringer, han forsøger at overvinde, ingen “betydning” for historien eller interesse i social forandring; faktisk kræves der meget lidt forvandling af McConaughey selv for at spille ham. Men denne solbrune poet, der suger livet i Miami og Florida Keys til sig i al sin surrealistiske pragt, er mere end blot en karakter: Han er et omvandrende verdensbillede, en forkastelse af type A-personligheden gjort til kød og blod, en profet for at lade livet ske for dig i stedet for altid at være i førersædet.

Der sker ikke så lidt i Harmony Korines seneste floridanske mesterværk: Der sker meget, som Moondog må forholde sig til, herunder en uventet arv, en endnu mere uventet litterær pris og Martin Lawrence’ blodigt morsomme møde med en haj. McConaughey hilser på alle disse udviklinger i denne Coppertone-dryppede picaresque stort set på samme måde hver gang, hans mund er let åben, hans skuldre bobbler, som om han er ved at falde ned fra en balancebjælke, og en rumlig latter bryder ud af hans hals. Han er en komplet cirkel til David Wooderson i “Dazed and Confused”, men uden blot en antydning af denne figurs latente trussel eller forfængelighed: Moondog er det platoniske ideal for en McConaughey-figur. -CB

Andre Holland, “High Flying Bird”

Netflix

Det af Steven Soderbergh instruerede sportsdrama gav en længe tiltrængt hovedrolle til den underudnyttede og uhyre talentfulde Andre Holland, som leverer en dynamisk præstation. Holland fik sit store gennembrud ved at spille en birolle i Soderberghs Cinemax-tv-serie “The Knick”, men i “High Flying Bird” er det helt og holdent hans show, og det udnytter han til fulde. Det er en George Clooney-agtig “Ocean’s 11”-præstation, der gennemsyrer hans karakter med en lignende form for snu charme. Tarell Alvin McCraneys turboladede, dialogtunge manuskript giver filmens talentfulde skuespillere, anført af Holland som en snedig, hurtigt talende agent, masser at tygge på. Holland spiller typisk ret tilbageholdende karakterer, så dette var en spændende omvæltning for ham, og han ser ud til at have det sjovt, når han er beslutsom og hårdnakket på den mindst prætentiøse måde. Han har tydeligvis kontrol over hvert øjeblik og leverer en lagdelt præstation med næsten perfekte takter. Publikum får sjældent lov til at se ham blive sluppet løs på denne måde, og det er noget af et skuespil at se. Den kræver gentagne visninger og viser, hvorfor han allerede nu betragtes som en af de bedste skuespillere i sin generation. -TO

Robert Pattinson, “High Life”

Sådan stramt snoet og skjult en præstation, som man kan finde i år, brænder Robert Pattinson stadig med intensitet som Monte, en indsat, der har fået en livstidsdom og arbejder om bord på et fængselsskib i det ydre rum. Claire Denis instruerer hvert eneste skud med en så høj grad af præcision i sine indramninger, skuespillernes blokering og deres meget kontrollerede præstationer, at følelsen er en følelse af luftløshed og klaustrofobi – en kvælende stemning, der passer perfekt til både en rumodyssé i ubådsstil og en fængselshistorie. Pattinson er på Denis’ kølige bølgelængde: Vi lærer ham mest at kende via hans isolation fra andre karakterer (han nægter at blive rørt) og den besættende ensartethed i hans daglige rutine, herunder billede efter billede af Montes omhyggelige barberingsritual (med en skarp kant i stedet for en rigtig barberkniv). Dette er en karakter, der definerer sig selv ved at være fjern, og alligevel sætter hans sjælelige bue ham på vej mod at blive en plejer – noget Pattinson formidler udelukkende gennem Monte’s engagement i proces og rutine og de variationer, der uundgåeligt opstår. Hvor det hele ender, er som en mere mystisk udgave af “Interstellar”, men også en langt mere følelsesladet udgave. -CB

Joaquin Phoenix, “Joker”

Warner Bros.

Love it or hate it, “Joker” har affødt mere debat end nogen anden film, der er udgivet i år. Ikke desto mindre er det svært at forestille sig Todd Phillips’ grumme superskurkens oprindelseshistorie generere så meget opmærksomhed uden den mareridtsagtige præstation i centrum. Som Arthur Fleck, den grublende Gotham-beboer, der kæmper med et sammensurium af psykiske sygdomme og karrieremæssige tilbageslag, kanaliserer Phoenix nogle af sine bedste præstationer i nyere tid – fra “The Master” til “You Were Never Really Here” – for at blive en mand defineret af de mørke kræfter, der opsluger ham fra alle sider.

Alternativt afdæmpet og flamboyant, skrækkelig og hylende morsom, bader Phoenix Fleck i modsætninger, der definerer filmens foruroligende tone; mere end det, han giver hele sin krop til rollen med en unik form for engagement, der sjældent er set i amerikansk film. Hans spinkle skikkelse antyder et væsen fra den tyske ekspressionisme, der vandrer ind i 1980’ernes urbane miljø, kæmper for at finde mening i verden omkring ham og til sidst giver op. Når man ser “Joker”, kan man ikke benægte fornemmelsen af, at Phoenix har gjort mere end at tackle en overeksponeret tegneseriefigur med aplomb; han genopfinder Jokeren helt fra bunden. Det er lykkedes skuespilleren at indtage Jokerens psyke, trække en popkulturel figur ned på jorden og få ham til at virke virkelig. Det er en transgressiv præstation, der gør denne kontroversielle film til et skuespilshowcase for aldre. -EK

Brad Pitt, “Ad Astra”

“Ad Astra” begynder med Brad Pitts major Roy McBride, der nyder noget helt særligt “mig”-tid på sit lykkelige sted højt oppe over jorden. På sin egen stille måde er han lige så meget en parodi på maskulinitet som Tyler Durden; den perfekte helt for en film, der er mindre plaget af rummets uendelighed end af menneskets lillehed. Pitt forstår rollen i sine knogler og leverer en præstation, der bevæbner passivitet til en dødbringende form for selvforsvar. Skuespilleren er et vakuum i sig selv, og han bærer den slags tomme og tilfredse udtryk, der ville give Tyler Durden lyst til at slå ham i hans perfekte ansigt. Og så falder Roy til jorden. En massiv og mystisk elektrisk overspænding får antennen til at gå amok, og alle, der står på den, bliver sendt ned i faldet (heldigvis med faldskærm). Det er et perfekt mikrokosmos for den kommende film: Jo længere Roy rejser ud i det ydre rum, jo tættere styrter han ned mod hjemmet. Selv set gennem Pitts øjne virker det, som om handlingen sker for en anden person. Hver del af Roys rejse udsletter sig selv – hvert skridt han tager i sin fars fodspor fjerner ham længere væk fra at blive sin egen mand. -DE

Ashton Sanders, “Native Son”

HBO

Aston Sanders bærer egenhændigt Rashid Johnsons film i hver eneste scene. Filmen giver ham til opgave at styre en moderne version af den litterære antihelt Bigger Thomas gennem et meget komplekst og foruroligende terræn. Som helt i Richard Wrights provokerende roman fra 1939 er Bigger for abstrakt til sit eget bedste. Men Johnsons manuskript, med Sanders i rollen, gør masser af det tunge arbejde for at forsøge at udfylde ham.

Mens filmen i sig selv ikke altid holder sammen, er Sanders’ følelsesmæssigt rige præstation med til at holde den engagerende hele vejen igennem Han gør Biggers barske situation til en relaterbar situation, da publikum føler hans angst, frygt og frustration over verden omkring ham. Den måde, hvorpå skuespilleren er i stand til at fortælle en stor del af karakterens historie gennem ansigtsudtryk og subtile manerer, og hvorpå han bærer sig selv med en vis autoritativ svada – på trods af en så slank og endda svag fysik – er fascinerende at se på. Sanders forvandler Wrights roman til et enestående portræt af, hvorfor han er et så enormt talent på skærmen. Det er en præstation fra den unge “Moonlight”-udbryder, der, ligesom det han gjorde i den Oscar-vindende film, bliver hængende længe efter, at rulleteksterne er rullet. -TO

Adam Sandler, “Uncut Gems”

Adam Sandler har gennem årene legemliggjort mange modbydelige, selvoptagede figurer, men med “Uncut Gems” spiller han den mest foragtelige karakter i en 30-årig karriere. Instruktørerne Joshua og Benny Safdie’s opfølger til “Good Time” er på samme bølgelængde – slibende, forstyrret, drevet af et uudholdeligt slør af bevægelse og støj. Det er også et fængslende højtråbende nummer, der kombinerer kosmisk visuelt materiale med den dystre energi fra en mørk psykologisk thriller og pludselige udbrud af hektisk komik, og det er den første film, der virkelig udnytter Sandlers performative styrke siden “Punch-Drunk Love”.”

Tag den frenetiske saga om Howard Ratner – en hurtigt talende juveler, der altid er på jagt efter den næste store gevinst – tilføj nogle lavmælte punchlines, og “Uncut Gems” kunne have fungeret fint som en af de sene halvfemsernes Happy Madison-yukfests, klemt ind et sted mellem “The Waterboy” og “Big Daddy”. I stedet opgraderer den Sandlers persona til et mere troværdigt miljø og intensiverer hans mest aggressive karakteristika, selv om den giver ham plads til at finde en vis sjæl. Sandler har altid udmærket sig ved at få os til at sympatisere med forkastede mennesker, men filmene har ofte svært ved at følge med. “Uncut Gems” når frem til essensen af det geni, der hele tiden har gemt sig i det skjulte. -EK